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出版者:百花文艺

作者:中国诗书画研究院编

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页数:0

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价格:288.0

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isbn号码:9787530620670

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《江南烟雨：宋代文人园林中的诗意栖居与审美变迁》 内容简介 本书深入探讨了宋代，特别是南宋时期，江南地区文人阶层对私家园林从实用性空间向精神性、审美性空间转化的历程与内涵。本书并非简单罗列园林实例，而是以文学、哲学、艺术史的交叉视角，剖析了在士大夫阶层审美趣味提升与社会文化变迁的背景下，园林如何成为寄托“隐逸情怀”与实现“天人合一”理想的物质载体。 第一部分：宋代文人的“退隐”逻辑与园林初兴 宋代，尤其是靖康之变后，士人的政治理想受到严峻挑战，这促使他们将目光转向内心世界和对自然的依恋。本书首先梳理了魏晋风度在宋代的延续与宋代理学对“格物致知”思想的独特阐释，探讨了这种哲学思潮如何为私人园林的兴盛提供了理论基础。 1.1 士大夫的身份危机与空间需求： 分析了北宋灭亡后，南方士人面对偏安一隅的政治现实，如何通过构建理想化的居住环境来重塑自我价值。园林不再是简单的农庄或官邸附属，而是个体精神世界的投射。 1.2 园林功能性的转变： 详细考证了宋代文献中对园林功能描述的变化，从早期的休憩、宴饮，逐渐转向赏玩花木、品评山石、修习书画、焚香品茗等高度精神化的活动。重点分析了“借景”和“叠石理水”技艺的成熟，如何服务于营造“虽由人作，宛自天开”的审美目标。 1.3 米芾与“怪石”的收藏热潮： 深入研究了以米芾为代表的文人对太湖石等异形石材的狂热追求，揭示了这种收藏行为背后的象征意义——对自然造化之力的模仿与占有，以及对传统“雅集”文化的新发展。 第二部分：审美范式：从唐代到宋代的园林意境之变 本书着重比较了唐代园林（多以宫廷与盛大宴饮为主）与宋代园林在审美范式上的核心差异。宋代园林更强调“幽”、“静”、“淡”与“深远”。 2.1 “淡”的哲学与园林色彩： 探讨了宋人对“青绿”与“浓艳”的排斥，转而推崇素雅的基调。园林中的建筑色彩、植被选择（如对松、竹、梅的偏爱），均体现了对“平淡天真”这一宋代美学主流的追求。引入了对宋代瓷器色彩美学的类比分析。 2.2 诗、画、园林的立体融合： 详细分析了苏轼、陆游等大文豪的园林诗词，指出他们的诗作不再是单纯的游记或抒情，而是对园林空间布局、光影变化的细致描摹，实际上起到了“空间说明书”的作用。通过对《沧浪亭记》等经典文本的细读，阐释了“水石清华”如何成为宋代园林艺术的最高境界。 2.3 “一池三山”的内化与微缩化： 对比分析了唐代皇家园林中宏大的神话布局与宋代文人园林中对山水意象的精微处理。园林中的水体和假山不再是权力象征，而是对宇宙观的个人化表达，体现了“于有限中见无限”的艺术手法。 第三部分：具体的空间叙事：南宋临安周边的私家园林个案研究 选取南宋临安（今杭州）周边最具代表性的三处文人园林作为深度案例，分析其在特定历史背景下的生存状态与文化功能。 3.1 岳飞墓与“忠义”的景观化： 虽然岳飞墓园的性质不同于传统私家园林，但本书分析了南宋时期，临安城内士人如何通过对纪念性空间的布局与植物选择（如松柏的庄严感），来表达对家国情怀的寄托，这种“公共情感寄托”与私人园林的“隐逸情怀”形成了微妙的对话。 3.2 “西园”的文学地图学： 考察了南宋士大夫在西湖周边留下的各类雅集场所。这些场所的设置往往与特定的文人交往网络紧密相关，是诗社、书画会的重要活动基地。重点分析了园林空间如何促进了文人间的“品鉴共同体”的形成。 3.3 园林与城市生活的张力： 探讨了在高度都市化的南宋临安城中，文人园林是如何在闹市中创造出“隔绝”感的。这种“市隐”的生活方式，反映了文人既无法完全脱离官场或商业，又渴望精神净土的复杂心态。 第四部分：物料、技术与匠人的角色 本书的最后一部分，转向了构建这些审美空间的物质基础，强调了技术与艺术的融合。 4.1 砖瓦、花窗与光线的引入： 专门研究了宋代园林中对建筑材料的精细化使用，如特制的漏窗图案如何控制光影，使之符合宋人对“清幽”的追求。这部分结合了建筑考古学的一些发现。 4.2 花卉栽培与园艺技术： 记录了宋代园艺学的发展，特别是对奇花异卉的培育技术，以及如何将这些植物作为叙事元素融入园林设计，以适应文人对“物候”变化的敏感。 结论：宋代园林对后世的影响 本书总结了宋代文人园林对明清私家园林，尤其是苏州园林的决定性影响，指出宋人确立的“以诗为园”的审美原则，构成了中国古典园林艺术成熟期的核心精神。 本书特色： 跨学科研究： 融合了文学批评、艺术史、哲学史与建筑史的成果。 聚焦精神内核： 侧重于解释园林背后的审美哲学和时代心境，而非单纯的建筑记录。 丰富的文本佐证： 大量引用了宋人的笔记、诗词、尺牍，还原了文人对园林生活的真实感受。 适合读者： 古典园林研究者、宋代文化史爱好者、中国古典美学研究者，以及对古代士大夫生活方式感兴趣的读者。

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我花了大量时间试图从中寻找某种贯穿始终的时代精神或地域特色，然而，这本书呈现的是一种高度分散、近乎碎片化的景象。似乎每一位入选的艺术家都固守着自己的“一亩三分地”，彼此之间鲜有对话和呼应，更别提形成一个有机的艺术群像。这更像是一份参展名单的视觉记录，而不是一次经过策展人深思熟虑的主题展览的结集。例如，在对“当代性”的理解上，一些作品似乎还停留在上世纪八九十年代的审美趣味，对当代社会生活和媒介变化带来的冲击几乎没有做出任何回应；而另一些作品则过于追求抽象和形式上的新颖，结果反而落入了故弄玄虚的陷阱，让人摸不着头脑。如果一本集合了众多“名家”的作品集，无法提供一个清晰的坐标系来定位当前中国书画艺术的脉络和发展方向，那么它的学术价值便大打折扣。它更像是把各种不同年代、不同流派的作品随机地洒在了一起，期待读者自己去努力拼凑一个并不完整的图景。

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这本所谓的“名家”集，真是一言难尽。我本以为能看到一些真正有深度的艺术探索，结果翻开后，感受到的更多是一种符号的堆砌和技法的展示，缺乏灵魂的注入。那些描绘山水的作品，笔墨虽然精湛，但总觉得少了点“气韵生动”，更像是对古代名家范式的精准模仿，而非自我风格的形成。例如，某几幅大幅山水，构图严谨到有些刻板，色彩的运用也过于保守，让人一眼就能望到底——你知道接下来会用哪种皴法，会以何种方式收尾。这让我想起过去那种应试教育下的绘画作业，技术上无可指摘，情感上却一片空白。我对一位画家的设色印象深刻，他偏爱那种饱和度极高的朱砂和石青，本意或许是想营造富丽堂皇之感，但在实际效果上，却显得有些俗气和燥热，仿佛急于向观者证明自己的功力，却忘了艺术的最高境界是含蓄与克制。整体而言，这次展览的作品更像是一场技艺的比拼，而非心灵的对话，对于追求艺术真谛的读者来说，这本画册的价值，恐怕只能停留在“了解当代书画界有哪些人会画画”的层面，而无法提供更深层次的审美启迪。

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这本书的装帧和印刷质量，在初次触摸时确实给人一种“高端”的错觉，但随着深入阅读，这种印象很快就被内容上的瑕疵所取代。纸张的厚度尚可，但油墨的渗透控制似乎并不理想，尤其是在处理大面积的留白和细微的线条交织处，经常出现墨点溢出或边缘模糊的现象。这对于追求极致清晰度的水墨作品来说，是致命的缺陷。更令人费解的是，部分作品的题跋部分，文字的排版显得非常随意，有的紧贴画面边缘，有的则留出过大的空白，缺乏统一的版式设计规范。这不仅影响了阅读的连贯性，也从侧面反映出编辑团队在对待细节上的粗心大意。我们购买一本画册，期望的是对原作的忠实再现，而不仅仅是印刷厂的样品展示。看到那些本应清晰锐利的书法线条，因为印刷原因而显得软弱无力，实在是一种遗憾。总而言之，从物理层面上看，这本画册的制作工艺，并没有完全配得上它所声称的“精品”二字。

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翻开这本画册，我感到一种强烈的视觉疲劳。这不仅仅是装帧设计的问题，更是内容本身带来的冲击——太“满”了，每一个版面都被塞得满满当当，恨不得把艺术家最拿手的十八般武艺都一次性展现出来。这种“大杂烩”式的编排方式，使得不同风格的作品之间缺乏必要的过渡和喘息的空间。比如，前一页还在看极其细腻工整的工笔花鸟，笔触细如发丝，墨分五色展现得淋漓尽致；紧接着下一页，却跳跃到奔放洒脱的写意大写意人物，墨迹淋漓，气势磅礴。虽然艺术的广度是值得肯定的，但对于读者来说，这种突兀的切换让人很难沉浸到任何一种特定的艺术语境中去细细品味。我试图去捕捉其中几位老一辈艺术家的作品精髓，发现他们那些标志性的“笔断意不断”的处理手法，在印刷品上显得有些失真，色彩的层次感大幅削弱，原本微妙的干湿浓淡对比，很多都变成了简单的灰度变化。这让人不禁怀疑，离开了原作现场的特定光照和空间感，这种“精品集”是否还能准确传达艺术家的原意？它更像是一本目录，而非欣赏的指南。

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坦白说，这本书更像是某种市场导向的产物，而非纯粹的艺术文献。我注意到其中相当一部分作品，其题材和处理方式都非常迎合大众的“喜好”——大量寓意吉祥、色彩艳丽的题材，比如九鱼图、牡丹图、寿桃图等，被安排在非常醒目的位置。这些作品无疑在技术上是过硬的，那些鱼鳞的光泽、牡丹的绒感都刻画得入木三分，但同时也透露出一种程式化的安全感。我期待在“名家”的作品集中看到一些更具颠覆性或探索性的尝试，哪怕是失败的尝试，也比这种千篇一律的成功要来得珍贵。例如，在对传统人物画的继承上，我更希望看到对人体结构、神态捕捉的深度挖掘，而非仅仅是描绘一套华丽的服饰和标准的面部表情。翻阅下来，我几乎找不到几张能让人停下来反复揣摩，思考“为什么他要这样画”的作品。它们更像是“标准答案”，完美符合了对“书画名家”的刻板印象，却丢失了艺术创作中那种特有的“个人印记”和“不可复制的瞬间”。

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