中国古典舞A级青年组 组合 第八届[桃李杯]舞蹈比赛2VCD(VCD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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isbn号码:9787880721461

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《世界芭蕾巨匠的足迹：从十九世纪俄罗斯学派到当代创新》 本书深入探讨了世界芭蕾艺术自十九世纪黄金时代以来的发展脉络、核心流派及其对当代舞蹈实践产生的深远影响。全书共分六个部分，详尽梳理了古典芭蕾体系的奠基、演变与革新。 第一部分：古典主义的辉煌——俄罗斯学派的形成与确立 本部分聚焦于十九世纪末至二十世纪初，芭蕾艺术如何在彼季 با (St. Petersburg) 帝国剧院体系内臻于成熟。我们详细分析了马里乌斯·彼季 با (Marius Petipa) 的编舞哲学，即“古典主义的精髓”——对完美对称、技术精准性以及叙事清晰度的极致追求。重点考察了《睡美人》、《胡桃夹子》和《天鹅湖》三部“水晶式”芭蕾的结构、动作语汇与舞台呈现的革新。 技术基石的解析： 详细描摹了俄派古典技巧的七种基本脚位、手臂姿态（Port de Bras）的细腻处理，以及高难度旋转（Pirouettes）和跳跃（Allegro）的规范要求。 “神圣三部曲”的舞台生命力： 不仅复述了三部作品的剧情，更侧重于分析其不同场面中，群舞（Corps de Ballet）如何通过阵型变化和动作统一性，烘托中心人物的情感与叙事张力。 第二部分：打破陈规——二十世纪初的艺术革命 本部分转向了将古典芭蕾带入现代视野的“俄罗斯芭蕾舞团”（Ballets Russes）及其核心人物谢尔盖·佳吉列夫 (Sergei Diaghilev)。舞团的出现标志着芭蕾艺术从单一的叙事工具转变为跨学科的综合艺术实践。 编舞的革新： 重点分析了米歇尔·福金 (Michel Fokine) 如何倡导“动作应服务于情感和主题”，挑战了彼季 با 时代僵化的技巧展示模式。通过《火鸟》和《彼得鲁什卡》的案例，探讨了如何将原始的、富有民族色彩的动作融入古典框架。 风格的融合： 阐述了尼金斯基 (Vaslav Nijinsky) 在《牧神午后》中对传统审美趣味的颠覆性尝试，以及他如何引入更具线条感和情绪表达力的身体语言，引发了艺术界的巨大争议与反思。 第三部分：西方学派的建立与流派分化 随着欧洲政治格局的变动，芭蕾艺术在西欧和美洲形成了新的发展中心。本部分追踪了俄派大师流亡后，在不同地域创建的具有鲜明地域特色的学派。 法式优雅的复兴： 探讨了巴黎歌剧院芭蕾舞团（Opéra National de Paris）如何坚守其精致、轻盈、注重躯干线条美感的传统，并分析了其与当代现代舞编导的合作如何滋养了其技术体系。 英式叙事性： 深入研究了英国皇家芭蕾舞团（The Royal Ballet）的形成，以及弗雷德里克·阿什顿 (Frederick Ashton) 和肯尼斯·麦克米伦 (Kenneth MacMillan) 如何将英国文学和戏剧的深度融入芭蕾叙事，创造出极具心理深度的作品。 第四部分：后古典主义的探索与极简主义 时间推进至战后，乔治·巴兰钦 (George Balanchine) 在美国开创的“新古典主义”成为理解当代芭蕾的关键。 音乐至上论： 详述了巴兰钦“不加叙事，只为音乐而舞”的哲学。通过分析其对斯特拉文斯基和莫扎特作品的编排，揭示其如何将古典技术进行“去装饰化”处理，强调动作的清晰、节奏的复杂和对速度的掌控。 结构与空间： 分析了巴兰钦如何利用舞台空间进行快速、对位式的编排，使舞者本身成为流动的建筑线条，而非仅仅是故事的演绎者。 第五部分：当代编舞语汇的拓宽 本部分关注从七十年代至今，编舞家如何继续解构和重塑古典芭蕾的词汇库，使其能够表达当代议题和更广阔的情感光谱。 身体的“人性化”： 探讨了威廉·福赛斯 (William Forsythe) 对古典旋转和支撑点的“不稳定化”处理。通过其对“离心力”的运用，分析了当代芭蕾如何展现身体的脆弱性、技术极限的探索以及时间节奏的断裂感。 多元文化的渗透： 考察了当代编舞家如何吸收现代舞、即兴表演乃至街舞的元素，将这些非古典语汇谨慎地“翻译”进高难度古典技巧中，拓宽了“青年组”舞蹈选材的可能性与表现广度。 第六部分：技术维护与未来展望 最后一部分回归到技术训练的核心问题。 技术传承的挑战： 讨论了在全球化背景下，如何在高强度技术训练中保持各流派风格的纯粹性与适应性。 跨界交流的价值： 强调了古典技巧作为所有舞蹈形式的“通用语”的重要性，并展望了数字化技术（如动作捕捉与虚拟排练）对未来芭蕾艺术教育和创作的影响。 本书旨在为舞蹈专业人士、学生及艺术爱好者提供一个全面、深入的理论与实践参照框架，理解古典芭蕾作为一门活的艺术形式，是如何在坚守传统的基础上不断自我更新的历程。

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我对这部资料的实用性价值也抱有极高的期待。对于舞蹈教育者而言，拥有这样一套权威的、经过大赛检验的范本，无疑是极大的便利。它提供了一个清晰的“标杆”——究竟何为A级水准？它不仅仅是技术动作的集合，更是对舞台呈现、服装造型、音乐配合等综合艺术素养的全面展示。如果能配有深入的解说或幕后花絮（尽管仅从书名判断，可能主要以影像为主），那将更具教学意义。它能帮助年轻的教师们，在指导学生训练时，能够更精准地把握古典美学的“度”——在柔韧度、控制力、表现力上，A级作品的尺度在哪里。这套资料，在我看来，是连接理论学习与舞台实践之间，一座坚实的桥梁，它直观地展示了“如何做到最好”。

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这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，封面那泼墨山水的意境，与书名所蕴含的古典韵味达到了完美的和谐。我尤其欣赏封面上字体所选用的那种苍劲有力的书法体，它仿佛自带一种历史的厚重感，让人在翻开之前就已经能感受到作品中蕴含的文化底蕴。内页的纸张选择也颇为考究，触感温润，不反光，这对于需要长时间沉浸式阅读的读者来说，无疑是一种极佳的体验。更值得称赞的是，排版极为清晰，字里行间留有的空白恰到好处，使得整个阅读过程如同在精致的园林中漫步，节奏舒缓而富有韵律。这种对细节的极致追求，体现了出版方对艺术作品的尊重，也让这本书不仅仅是一份资料，更像是一件值得收藏的艺术品。尽管我尚未深入探究其内容，但仅凭这外在的精心雕琢，就已经为我接下来的阅读之旅定下了一个高雅的基调，让人充满期待。我甚至忍不住想象，内里的影像资料是否也经过了如此细致的后期处理，以确保每一帧画面都能完美呈现古典舞的精髓。

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坦白说，购买这类专业性极强的资料，往往带有很强的目的性——求索与学习。我希望这份资料能够提供清晰的、可供分析的视角。比如，VCD的格式虽然略显老旧，但也恰恰说明了它记录的是一个特定年代的经典。我希望，在观看时，能够不受现代高清晰度影像的干扰，更专注于舞者身体与重心的微妙关系，专注于眼神的传达，专注于那些不易察觉的呼吸起伏。如果它能清晰地呈现出古典舞中那些看似简单、实则极难把握的“韵味”的细节，比如“提”、“沉”、“敛”、“放”的瞬间转折，那么这份资料的价值就达到了极致。它不是娱乐产品，它是艺术探索的工具，是需要反复观看、细细品味的“影像文献”，其价值在于其不可复制的真实性和历史参照性。

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初拿到手时，我的第一反应是其内容的丰富性和资料的稀缺性。从书名推测，这应该是一套汇集了特定时期、特定赛事中，青年组别顶尖水准的艺术成果。对于任何一个致力于中国古典舞艺术研究或表演的同仁来说，能够系统地、权威地获取到历届“桃李杯”这样重量级比赛的A级组合作品的影像资料，其价值是无法估量的。这种资料的价值，绝非简单地记录了某个舞蹈动作，而是承载了那个时代对古典美学的理解、编导理念的创新，以及青年舞者们在技艺上的巅峰状态。我非常好奇，这些组合在当时的评委眼中，究竟是如何权衡“传统继承”与“时代创新”之间的微妙平衡，又是如何体现出不同地域、不同流派在对同一套古典语汇的诠释上的细微差别。这样的影像资料，是教科书无法替代的活的教材，它能让学习者在模仿、研究的过程中，体会到艺术生命力的蓬勃流动。

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从一个纯粹的艺术爱好者角度来看，我更关注的是这些作品所传达出的精神气质。中国古典舞讲究“身韵”，讲究气韵生动，这是一种难以言传的东方神韵。我希望能通过这些影像，去捕捉和理解那种穿越时空的古典美学是如何被当代舞者重新激活和诠释的。一个“A级青年组”的组合，必然汇集了最优秀的个体，他们的合作中是否展现出令人震撼的整体性？编排上是否大胆地突破了以往的窠臼，同时又忠实于古典舞的内核？我期待的不是流水账式的动作记录，而是能从中窥见编导对特定文学或历史主题的深刻理解，以及如何通过肢体语言来构建一个完整的叙事世界。这种对艺术深度和精神高度的探求，才是支撑起古典艺术生命力的关键所在，也是我最期待从这份资料中汲取养分的方面。

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