Lostprophets - Start Something (Guitar Recorded Versions) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Hal Leonard Corporation

作者:Lostprophets

出品人:

页数:112

译者:

出版时间:2004-08-01

价格:USD 19.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780634083709

丛书系列:

图书标签:

• Alternative
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音乐理论与演奏实践：当代摇滚乐理精要 本书并非一本专注于特定乐队或专辑的指南，而是一部旨在为吉他演奏者和音乐爱好者深入剖析当代摇滚乐核心理论与演奏技巧的综合性教材。 我们将完全避开对特定艺人或作品的细致解析，专注于提炼和阐释那些构成现代摇滚乐骨架的普适性音乐知识体系。 本书的目标读者是那些已经具备基础吉他演奏能力，并渴望将理论知识转化为实际演奏能力，从而提升音乐理解深度和演奏表现力的乐手。它旨在搭建起古典乐理与现代音乐实践之间的桥梁，用清晰、实用的方式，揭示优秀摇滚乐作品背后隐藏的数学与情感的结合。 第一部分：和声的基石与进化 (The Foundation and Evolution of Harmony) 第一章：音阶的重构与现代调式 (Scales Reimagined and Modern Modes) 本章将深入探讨西方音乐体系中常见的音阶结构，并着重分析其在摇滚乐语境下的应用与变异。我们将详细解析大调、小调（自然、和声、旋律）音阶的音程构成，并系统性地介绍布鲁斯音阶（Blues Scale）的内部结构及其与五声音阶（Pentatonic Scale）的叠加效应。 重点内容包括： 摇滚调式学 (Rock Modality): 探讨利底安（Lydian）、多利亚（Dorian）等调式如何为乐曲带来独特的色彩感，并分析它们在和弦进行中替代传统大小调音阶的手法。 半音阶的运用与半音化 (Chromaticism and Alterations): 剖析如何在不破坏既有调性的前提下，引入半音音符来增加紧张感和导向性。我们将着重研究“经过音”和“外音”在即兴演奏中的精确部署。 音阶与音程训练： 提供一系列基于不同速度和节奏模式的音阶练习，旨在将理论知识内化为肌肉记忆，确保乐手在高速演奏中仍能准确把握音高关系。 第二章：和弦构建的逻辑与张力 (Chord Construction Logic and Tension) 本章超越了基础的三和弦概念，专注于构成现代摇滚乐厚重感的复杂和弦体系。我们将系统地讲解七和弦（包括属七、大七、小七、减七）、九和弦、十一和弦及十三和弦的构成原理、功能与听感。 核心剖析： 色彩和弦的运用 (Tonal Color Chords): 深入探讨添加了附加音（Add2, Add9, Add4）的和弦如何营造开放或模糊的听感，这是区分业余与专业编曲的关键所在。 功能和声的颠覆与重塑 (Subversion of Functional Harmony): 分析传统的功能和声（Tonic, Subdominant, Dominant）在摇滚乐中如何被“误用”或“颠覆”。例如，如何利用不协和的和弦（如增三和弦或降五度替换）来制造强烈的戏剧效果。 开放和弦与转位 (Voicings and Inversions): 探讨在电吉他上，和弦的不同转位（Inversions）如何改变低音声部（Bass Line）的流动性，以及开放式和弦（Open Voicings）在营造空间感上的作用。 第三章：和弦进行：驱动情感的引擎 (Chord Progressions: The Engine of Emotion) 本章是关于“听起来对”的和弦如何被安排在一起的学问。我们将研究那些在不同音乐流派中被反复验证的、能够有效引导听众情绪的和弦进行模式。 具体内容包括： 循环进行与动机发展 (Cyclical Progressions and Motive Development): 分析基于四小节或八小节的循环进行（如I-IV-V-I或常见的pachelbel's canon变体）如何在摇滚乐中被重新包装。 模态交换与平行移位 (Modal Interchange and Parallel Movement): 介绍如何从平行的小调或大调中借用和弦，以实现即时的情绪转换（例如，从C大调借用Ab大调的和弦），以及平行移位和弦（Parallel Chords）如何创造出一种非功能性的、史诗般的进行感。 低音线的构建 (The Role of the Bass Line): 强调低音线在连接和弦之间的重要性。如何通过步进（Stepwise motion）或跳进（Leaps）来赋予和弦进行方向感和驱动力，而非仅仅是根音的堆砌。 第二部分：节奏、律动与律学 (Rhythm, Groove, and Meter) 第四章：时间的雕刻：节奏的细微差别 (Sculpting Time: Rhythmic Nuances) 节奏是摇滚乐的灵魂，本章将着重于如何打破或强化规整的拍子结构，以创造出令人难忘的律动。 解析重点： 切分音的艺术 (The Art of Syncopation): 深入讲解切分音在不同拍号（4/4、3/4、6/8）中的具体实现方式，以及如何在乐句的弱拍上制造出“推拉感”。 摇摆律动与摇滚律动 (Swing vs. Straight Feel): 明确区分摇摆律动（Shuffle/Swing）与直进律动（Straight Feel）的音符时值处理差异，以及它们如何定义不同子流派的听感特征。 复合拍号与非对称节奏 (Compound Meters and Asymmetrical Rhythms): 探讨如7/8、5/4等不寻常拍号在现代摇滚中的运用，以及如何通过对基本节拍的重组（如三连音与二连音的交替）来创造出复杂但听感自然的节奏模式。 第五章：强化律动感：演奏者的责任 (Enhancing Groove: The Performer's Responsibility) 本章强调技术层面的执行力如何转化为音乐性的律动，这超越了节拍器的准确性。 力度控制与重音布局 (Dynamics and Accent Placement): 探讨“重音”不仅仅是音量上的加强，更是时间上的微小提前或延迟（Pushing/Laying Back）。如何通过精确的重音位置来强化乐句的驱动力。 “感觉”的量化：微小的时间偏差 (Quantifying "Feel": Micro-timing Deviations): 介绍人类演奏中不可避免的、但却是创造“律动感”所必需的微小提前和滞后现象，并指导读者如何有意识地运用这些偏差来塑造自己的演奏风格。 “锁住”的演奏：连贯性的维持 (Locked-in Playing): 分析鼓手、贝斯手和吉他手之间如何通过对节奏细微部分的共同理解与默契，实现整体“锁定”的强大律动感。 第三部分：即兴的结构与语言 (Improvisation Structure and Vocabulary) 第六章：构建即兴的叙事弧线 (Constructing the Narrative Arc of Improvisation) 即兴演奏并非随机音符的堆砌，而是具有清晰结构和目的性的音乐表达。本章关注如何规划一次有效的即兴独奏。 关键要素： 主题的提炼与发展 (Theme Extraction and Development): 学习如何从主旋律或核心动机中提取元素，并在独奏中对其进行变奏、分解和重建，确保独奏与歌曲的整体性。 张力-释放模型 (Tension-Release Model): 建立一个清晰的框架，指导乐手何时引入高密度、高张力的乐句（如快速音阶跑动或高把位音符），以及何时回归简洁、解决性的乐句，从而控制听众的情绪。 “空间”的价值 (The Value of Space): 强调沉默和休止符在即兴中的关键作用。如何利用空隙让听众消化已演奏的内容，并为接下来的爆发做铺垫。 第七章：摇滚即兴的词汇库 (The Vocabulary of Rock Soloing) 本章着重于跨越流派的、有效的吉他演奏“短语”或“口头禅”。 连接音与导音的使用 (Passing Tones and Leading Tones): 展示如何利用特定的连接音符来平滑地跨越不协调的和弦，使即兴听起来流畅自然。 节奏型驱动的独奏 (Rhythmically Driven Solos): 探讨那些不依赖速度，而是依赖复杂且引人入胜的节奏型来构建独奏的技巧。 双轨演奏的理论基础 (The Theory of Dual-Track Playing): 分析如何有效使用双轨和声（Harmony/Counterpoint）来增强独奏的厚度和复杂性，而非仅仅是齐奏。 本书的每一章节都旨在提供可被立即应用于演奏的知识，通过对通用音乐原理的深度挖掘，帮助读者建立一个坚实且具有创造性的摇滚乐演奏思维框架。它是一本关于“如何构建和理解摇滚音乐”的工具书，而非对任何特定音乐作品的复制或模仿指南。

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这本书的封面设计简直是视觉的盛宴，那种暗色调的背景与乐队标志的冷峻字体形成了强烈的对比，一下子就抓住了我的眼球。我记得当时在音像店里，它就那么静静地立在那里，散发着一种不容忽视的专业气息。拿到手里掂量了一下，厚度就知道分量十足，那种纸张的质感也相当不错，即便是印刷复杂的六线谱，看起来也清晰锐利，没有丝毫的模糊感。对于我这种对手写稿或者老旧乐谱有“洁癖”的吉他手来说，高质量的印刷是起码的要求，而这本《Start Something》的吉他记谱版无疑交出了一份令人放心的答卷。装帧上那种硬挺的感觉，保证了它在练习过程中可以平摊在谱架上，不用费力去按住翻页，这在使用体验上简直是加分项，毕竟谁都不想在Solo的关键时刻，谱子自己合上了。我立刻联想到过去使用那些廉价乐谱时，翻页时的那种挫败感，而这本教材的精良制作，至少在物理层面，就让你感觉自己手上的不仅仅是一堆纸，而是一套专业的训练工具。它完美地营造出一种“准备好迎接挑战”的氛围。

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我是一个非常注重细节的人，尤其是在学习一首技术含量高的歌曲时，哪怕是连音（Hammer-on/Pull-off）的力度不符，都会让整个律动垮掉。这套记谱版的准确性，让我可以把时间和精力集中在“演奏”上，而不是反复猜测“原曲到底弹了什么”。举个例子，专辑中那首标志性的快歌，它的节奏型变化极其细微，快到稍有迟疑就会错拍。我过去尝试过听了好几遍然后自己扒带，结果总是在某个转折点上露出破绽。而这本教材，它把每一个十六分音符之间的重音和弱音都标注得清清楚楚，甚至连滑音（Slide）的起止音高都有明确标记。这种近乎偏执的精确度，使得练习过程中的“试错成本”大大降低。我感觉自己像是在跟原乐队的吉他手面对面学习，每一个指法上的“潜规则”都被它毫不留情地揭示了出来，这对于想精确还原作品氛围的乐手来说，是无价的财富。

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这本书带给我的，不仅仅是学会弹奏几首歌的技能，更是一种对音乐编排哲学的理解深化。通过深入研究这些专业记谱，我开始意识到，Lostprophets在构建歌曲层次感时所下的苦心。比如，副歌的吉他旋律线是如何巧妙地避开了主唱的最高音区，却又能提供足够的和声支撑，而不是简单地重复主歌的Riff。这些在普通听觉中可能一扫而过的信息，在这套精细的记谱中被清晰地“解构”了。它强迫你慢下来，去欣赏那些被掩盖在强大鼓点和贝斯线之下的吉他声部是如何巧妙运作的。这套教材无疑是献给那些不满足于“会弹”而追求“理解”的吉他学习者的绝佳资源。它帮你搭建起一座从模仿者到创作者之间的桥梁，让你在学习经典作品的同时，也偷偷地吸收了成熟乐队的创作智慧。

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说实话，我最初购买这套记谱版本，是冲着对Lostprophets乐队的深厚情感去的，特别是《Start Something》这张专辑，简直是我青春期的BGM。但当我翻开内页，看到那些密密麻麻的五线谱和六线谱并排排列时，一种近乎朝圣般的敬畏感油然而生。这套谱子的编排逻辑非常清晰，它不仅仅是简单地把音符照搬下来，而是深入到了吉他声部编排的精髓。例如，在处理主歌那种颗粒感十足的Riff时，它会精确地标注出扫弦的上下方向和拨片用力的小细节，这可不是随便一个在线Tab网站能提供的精确度。最让我惊叹的是对那些复杂的失真音色和效果器的标注，你知道，Prophets的吉他音色是他们的灵魂之一，光有音符没用，你得知道什么时候该用延时，什么时候该切入法兹。这本书在这方面做得极其到位，每一个音符背后，似乎都能听到原曲中那种充满能量的嘶吼和律动，这已经超越了“学习”本身，更像是一种“解码”乐队创作密码的过程。

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从纯粹的教学角度来看，这本书的排版布局充分考虑了长期使用的耐用性和阅读的舒适度。不像有些乐谱把左右声部紧紧地挤在一起，让人眼花缭乱，这本教材在分栏处理上非常得体，留白恰到好处。特别是对于那些需要用到开放和弦与封闭和弦快速切换的部分，它会用清晰的图示来提醒你换把位的方式，而不是仅仅依赖枯燥的数字。我尤其欣赏它在某些技术难点部分的附注，比如涉及扫弦的特定扫法，它会配上一个小的示意图，解释手腕的动作轨迹。这体现了编者并非只是一个记录者，更是一个理解吉他演奏物理过程的老师。对于进阶乐手来说，这些“软信息”往往比音符本身更重要，它们关乎于如何更省力、更有效地完成一个高难度段落，让你的演奏听起来更“自然”，而不是机械地敲击。

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