敦煌艺术之最 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:甘肃人民美术出版社

作者:谢生保

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1997

价格:0.00元

装帧:精装

isbn号码:9787805880426

丛书系列:

图书标签:

• 敦煌艺术
• 敦煌壁画
• 丝绸之路
• 佛教艺术
• 中国美术
• 艺术史
• 文化遗产
• 石窟艺术
• 历史
• 考古

《丝路驼铃：西域佛教造像的千年变迁》 内容提要： 本书是一部聚焦于丝绸之路上，自犍陀罗艺术传入中原腹地直至唐代中叶，西域佛教造像艺术在不同地域、不同历史阶段所展现的独特风貌、技术演变及文化融合历程的深度研究专著。我们摒弃宏观叙事，转而深入考察那些在历史长河中默默无闻、却蕴含着丰富信息和时代精神的造像实例。全书分为六大部分，旨在勾勒出一幅清晰而多维度的西域佛教造像发展图景。 第一章：犍陀罗之源——印度笈多影响下的早期造像特征 本章溯源至佛教艺术的源头之一——犍陀罗地区。我们首先详尽剖析了古希腊化艺术如何与印度本土审美相互渗透，塑造出早期佛陀形象的“希腊式”面容、衣褶处理的“湿衣透体”风格。重点研究了犍陀罗造像的几种典型手势（手印）及其背后蕴含的宗教语义。随后，我们将目光投向其向东传播的初期阶段，考察在葱岭以西的古小国遗址中发现的残件，如何体现出对本土泥塑传统的初步影响，以及早期受印度笈多王朝艺术风格影响的明显痕迹，如肉髻的塑造、对火焰光背的使用等。我们特别关注了早期造像中对菩萨形象的刻画，这些菩萨造型往往繁复华丽，头戴高冠，兼具世俗王公的气质，与后世中土的清瘦飘逸形成鲜明对比。 第二章：河西走廊的过渡与融合——十六国至北魏早期的“胡汉交融” 河西走廊，作为连接东西方文化交流的咽喉要道，是研究中原佛教造像风格形成的关键区域。本章以莫高窟早期洞窟（如第275窟、254窟）和炳灵寺石窟的造像为核心样本，深入探讨了“胡风”如何与汉地传统雕塑技艺碰撞融合。我们细致对比了北魏早期造像中，犍陀罗风格的残余影响（例如佛像面部的略显方正与深目高鼻）如何逐渐被汉化的“秀骨清像”所取代。书中将大量篇幅用于分析炳灵寺156窟等处的“交脚弥勒”形象，这种造型不仅是佛教造像的创新，更是对西域弥勒信仰的直观体现。我们通过对造像衣纹的“褒衣博带”化过程的量化分析，揭示了中原士大夫审美趣味对造像风格的强势介入。 第三章：云冈的勃发与规范化——北魏中期造像的宏大叙事 云冈石窟被誉为“中国早期石刻艺术的宝库”，本章着重分析了昙曜五窟及后期的“昙曜模式”对后世佛教造像的奠基作用。我们不再停留在对五大佛的描述性介绍，而是聚焦于其背后的政治与宗教意图。通过对云冈中期造像（如第9、10、11窟）中佛像面相的群体性特征进行分类研究，我们发现工匠群体开始形成相对稳定的风格群落。重点剖析了“一佛二弟子三菩萨”组合的演变，以及北魏统治者对“三世佛”体系的推崇，如何直接影响了造像的尺度和气势。本章还包含了对云冈开凿技术的研究，探讨了早期匠师如何运用分层开凿、减地平整等技术处理巨大的岩体，以达到纪念碑式的庄严感。 第四章：龙门的气韵与“秀骨清像”的巅峰 从云冈的雄伟转向龙门的秀逸，是佛教造像史上一次重要的审美转向。本章将龙门石窟，尤其是古阳洞、宾阳洞的造像作为研究的中心。我们详细辨析了北魏晚期“秀骨清像”风格的内涵——如何通过拉长面部比例、削瘦颈部、强调躯干的S形曲线，来体现出“超凡脱俗”的宗教理想。通过对宾阳中洞的勒铭造像和罗谢尔洞造像的细致对比，揭示了皇室与民间供养模式对造像风格的微妙影响。本书提出，龙门造像的艺术成就，已不再是单纯的“外来风格的模仿”，而是达到了中国化、哲学化的极致，奠定了魏晋风度在佛教艺术中的基调。 第五章：东魏、北齐的“雕塑的革命”与“肉感的回归” 东魏和北齐时期，尽管国祚短暂，却是佛教造像艺术史上一次剧烈的风格变革期。本章将探讨以襄阳、响堂山为代表的造像群，如何突破北魏晚期的清癯与程式化，重新注入了一种强烈的、充满生命力的“肉感”与“世俗力量”。我们分析了北齐造像面容圆润饱满、嘴角微翘的“微笑”特征，并将其与当时的玄学思潮及社会动荡背景下的精神需求联系起来。响堂山石窟的力士和天王造像，其动态的姿势和夸张的肌肉线条，标志着造像技术从平面感向立体感、从超脱向现世力量的重大突破，为隋唐的丰满风格埋下了伏笔。 第六章：隋唐过渡期的成熟与多元并存 本书的收官部分聚焦于隋代至唐初（约公元581年至705年）这一关键的整合期。隋代造像，如洛阳的“隋代标准佛”，体现了对北魏晚期风格的继承，同时在体态上追求更为稳健、端庄的过渡形态。进入唐代初年，特别是武德、贞观时期的造像，开始展现出唐人特有的健康、自信与饱满。我们考察了这一时期在吸收前代精华后，如何形成“褒衣博带”的新程式，以及菩萨形象如何从雍容华贵转向典雅端庄。本章以唐初西安、洛阳地区出土的几组重要金铜造像为例，总结了西域佛教艺术元素在中土的最终“定型化”过程，标志着敦煌艺术之外，中国佛教造像艺术体系的全面成熟。 研究方法： 本书采用图像学分析、类型学对比以及材料科学初步分析相结合的方法。我们对不同时期的造像进行了细致的线描对比，着重分析了三维造型的比例变化、衣褶的简化与复杂化趋势，以及地域性审美在面部特征上的烙印。所有引用的造像实例均附有详细的尺寸、质地及出土（或开凿）信息，力求提供扎实的实物证据，以支撑对艺术史演变脉络的论证。

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坦率地说，初翻开这本书时，我有点被其学术的严谨性所震慑，我担心自己可能无法完全理解那些复杂的符号学和图像学分析。然而，阅读后发现，作者的功力在于，他能将最深奥的理论，用一种近乎散文的优美笔法表达出来。例如，他对“水月观音”的描绘，不再是简单的“菩萨坐在水边”，而是上升到了对“空性”与“圆满”哲思的视觉化呈现，那种文字描绘出的空灵和寂静，让我感觉自己的心绪都被净化了。书中配图的选择也十分考究，很多细节图是第一次在公开出版物中看到，对于研究者而言，这些高分辨率的局部特写无异于新的研究材料。我特别欣赏作者对“笔触”的研究，他如何通过分析线条的粗细、转折的角度，来判断画师的师承和心理状态，这已经接近于艺术“心理侧写”的层面了，非常精彩。

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这本《敦煌艺术之最》读完后，我最大的感受就是对那个遥远而辉煌的艺术宝库有了近乎身临其境的体验。书中对壁画色彩的描摹简直是神来之笔，那些矿物颜料历经千年依然散发出的生命力，被作者用极其细腻的笔触捕捉了下来。尤其让我震撼的是，书中对“飞天”形象的剖析，不只是简单地罗列了不同时期飞天的造型变化，而是深入挖掘了这种形象背后所蕴含的宗教信仰的演变和世俗审美的渗透。我仿佛能看到，那些飘带是如何在莫高窟的幽暗中，被匠人赋予了超越时间的力量。作者没有停留在对艺术形式的表面赞美，而是将敦煌艺术置于其历史、文化和丝绸之路的贸易背景下进行解读，那种宏大的叙事视角，让我对敦煌不再仅仅是“看了一堆精美的壁画”，而是理解了它作为东西方文明交汇点的核心意义。对于那些对佛教艺术史感兴趣的读者来说，这本书提供了极为坚实和深入的学术支撑，但行文又不失文学的美感，阅读过程是一种享受而非负担。对于那些不熟悉敦煌的初学者，这本书的图版质量极高，注释详尽，绝对是入门和深入研究的双重宝典。

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说实话，我本来以为这又是一本“图册大于文字”的艺术书，没想到这本书的文字功底如此扎实，简直是一部微型的敦煌通史。它最让我惊喜的地方在于，它敢于触及一些相对“冷门”但极其重要的方面，比如那些早期洞窟中尚未完全定型的佛教造像风格，以及敦煌石窟在不同朝代所受到的官方和民间赞助体系的变化。作者在论述唐代鼎盛时期的恢弘气势时，那种文字的张力和节奏感，完全模仿了壁画的层次感，读起来酣畅淋漓。但更绝的是，书中对莫高窟“保护”与“修复”的历史也进行了梳理，这部分内容在国内同类书籍中非常少见，它让我们意识到，敦煌的“存在”本身就是一个奇迹，背后是无数代人的守护与坚持。我特别喜欢作者在描述某个特定的“经变画”场景时，会不自觉地代入当时的社会生活场景，比如商人、农夫、贵族，他们的形象是如何被巧妙地融入到佛教故事中，这让原本高高在上的宗教艺术变得如此“接地气”，充满了人间的烟火气。

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这本书的结构安排非常巧妙，它没有采用传统的“朝代顺序”或“主题分类”，而是采取了一种更像是“探险日记”的叙事方式。每章节都围绕一个特定的主题洞窟或一组核心壁画展开，仿佛是带着读者在九层楼洞窟中穿梭。这种“沉浸式”的阅读体验，极大地弥补了纯粹的学术著作往往缺乏的代入感。比如，当作者详细分析第257窟的“涅槃经变”时，他不仅分析了构图，还引用了当时流行的诗歌意象来佐证其艺术手法，这种跨领域的融汇贯通，让解读的层次一下子提升了。我个人对其中关于“西夏时期”的论述尤为赞赏，因为很多资料在这方面的阐述都比较简略，但这本书却深入挖掘了西夏王朝的独特宗教艺术语言，如何与中原艺术相互影响又保持独立性，那种文化上的“张力”被刻画得淋漓尽致，读罢让人对这段历史的理解豁然开朗。

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这本书带给我的震撼是多维度的，它不只是一本关于敦煌的艺术鉴赏指南，更像是一扇通往古代精神世界的窗户。最让我印象深刻的是，书中对敦煌艺术中“世俗化”趋势的探讨。它清晰地展示了佛教艺术是如何从最初的庄严、肃穆，逐渐融入到普通民众的日常生活、服饰、甚至娱乐活动之中。作者甚至挖掘出了一些壁画中描绘的民间戏曲或乐舞的场景，通过这些细节，我们能重建起那个时代人们的“声音”和“律动”。这种将宏大叙事与微观生活结合的能力，使得敦煌艺术不再是孤立于历史之外的精美物件，而是鲜活地存在于那个时代的社会脉络之中。读完此书，我感觉自己不仅是欣赏了艺术，更像是与那些千年之前的画师进行了一次跨越时空的对话，那种情感上的共鸣，是其他同类书籍难以给予的深度体验。

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