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出版者:机械工业出版社

作者:左家奇 编

出品人:

页数:155

译者:

出版时间:2007-9

价格:16.00元

装帧:

isbn号码:9787111220930

丛书系列:

图书标签:

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好的，这是一本假设的图书的详细介绍，该书内容与《简明艺术欣赏教程》无关。 --- 《跨越时空的声景：二十世纪音乐的结构与演变》 作者： [此处留空，模仿真实书籍的专业风格] 出版社： [此处留空] 装帧： 精装，附赠精选乐谱与录音导览 --- 内容梗概与核心价值 《跨越时空的声景：二十世纪音乐的结构与演变》是一部深入剖析二十世纪音乐（约1900年至2000年）复杂面貌的学术专著。本书并非仅仅是作曲家或流派的简单罗列，而是聚焦于这一百年来，音乐如何响应社会剧变、技术革新以及哲学思潮的挑战，从而实现其本体论上的根本性转变。 本书的核心论点在于：二十世纪音乐的创新并非孤立的审美选择，而是对“调性终结”这一历史性危机的系统性回应，并由此构建起一套全新的听觉认知体系。作者从对传统“美学”的质疑入手，展示了作曲家们如何通过结构主义、序列主义、随机性（偶然性）以及电子媒介的介入，对音乐的本质要素——音高、节奏、音色和织体——进行彻底的重构。 全书结构严谨，论证细密，旨在为严肃音乐爱好者、音乐学专业学生以及对现代社会文化结构感兴趣的读者，提供一个理解这段“声音革命”的权威指南。 卷一：崩塌与重建——调性的黄昏与新秩序的萌芽 (1900-1920) 本卷首先回顾了晚期浪漫主义音乐在瓦格纳和马勒手中达到的极限，并指出“和声的饱和”如何迫使作曲家寻找出路。 第一章：印象主义的微光与色彩的解放。 深入分析德彪西与拉威尔如何利用全音阶、五声音阶以及模糊化的和声，将音乐从功能性束缚中解放出来，使其更接近于感知而非叙事。重点探讨《牧神午后前奏曲》中对织体和音色的细腻处理。 第二章：野蛮的冲动与原始力量的回归。 聚焦斯特拉文斯基的早期“原始主义”时期。通过详细分析《春之祭》的节奏结构，揭示其如何通过非对称的、强烈的节拍动机颠覆了自巴赫以来对节奏的惯性理解。探讨表现主义音乐在维也纳学派的兴起，特别是勋伯格在《期望》中对极端心理状态的音高描绘。 第三章：无调性实验的初期困境。 探讨了勋伯格在放弃传统调性时所面临的结构危机，以及他对表现主义美学“必然性”的坚持。分析了贝尔格和韦伯恩如何在其早期作品中探索半音阶的张力与释放。 卷二：理性的桎梏与序列化的控制 (1920-1950) 本卷是本书的理论核心，系统阐述了如何用数学和逻辑的方法来规范“无调性”的无限可能性。 第四章：十二音技法的诞生与系统化。 详细解读勋伯格的“十二音体系”的底层逻辑，解释了“音列”的横向（旋律）与纵向（和声）应用规则。通过对比不同作曲家对音列操作的差异（如十二音的僵硬与贝尔格的弹性运用），说明该技法的灵活性与局限性。 第五章：新古典主义的回归与历史的对话。 分析斯特拉文斯基在转向新古典主义时期的创作手法，阐释其如何运用巴洛克或古典时期的形式框架（如奏鸣曲式、赋格），却填充以二十世纪特有的、解构性的和声语言。探讨保罗·欣德米特的新客观主义（Neue Sachlichkeit）及其对“实用音乐”的追求。 第六章：节奏的解放与复调的复兴。 关注节奏复杂性的发展，如巴托克的民间音乐吸收如何深化了复调结构，以及梅西安对印度和印尼音乐节奏模式的借鉴。深入分析梅西安对“增值节奏”和音色（“和弦的颜色”）的独特理论构建。 卷三：战后声音的拓扑学：新世界的声学探索 (1950-1970) 二战后，音乐界进入了前所未有的“阵地战”时期，技术与哲学的碰撞催生了激进的实验。 第七章：来自真空管的革命——电子音乐的黎明。 详细区分了“具体音乐”（Musique concrète）和“电子音乐”（Elektronische Musik）。对比皮埃尔·舍费尔对录音带和日常声音素材的剪辑重组，与德国科隆工作室对纯粹电子声波的合成。探讨声音的“物质性”如何取代了音高在音乐中的中心地位。 第八章：序列的无限延伸与概率的介入。 重点分析了达姆施塔特学派的发展，特别是布列西的“总序列主义”（Gesamtsériellismus），探讨其如何试图将节奏、力度、音色等所有参数都纳入序列控制的尝试，以及由此带来的听觉上的过度密度问题。 第九章：偶然性的美学与开放形式。 约翰·凯奇的颠覆性贡献被置于本章核心。深入分析《4分33秒》的哲学基础——对“声音事件”的无选择接收。同时，探讨了股票、利盖蒂和巴比特作品中，如何通过概率论和数学模型来决定音乐的展开，以及“开放性作品”（如巴洛克的乐谱）如何要求听众或演奏者参与到最终形式的建构中。 卷四：后现代的语境：回归与消解 (1970-2000) 本卷考察了对激进现代主义的反思与整合，音乐开始重新面对听众、历史与“可理解性”的问题。 第十章：极简主义的呼吸与时间感知的重塑。 深入分析莱尚、赖利和史蒂夫·莱克的早期极简主义。通过对重复、相差（Phase Shifting）和过程音乐的细致剖析，展示了音乐如何从“变化”驱动转向“过程”驱动，从而改变了听众对时间流逝的主观体验。 第十一章：新浪漫主义的幽灵与后现代的拼贴。 探讨在经历了序列主义的严酷考验后，作曲家们如何重新引入“旋律”和“调性暗示”。分析“新晚期浪漫主义”的特征，以及后现代主义对历史素材的戏仿、引用和解构（Pastiche）。 第十二章：音色景观的构建——声场空间的深化。 关注格拉斯和廷尼西等作曲家如何利用宏大的音块和缓慢的展开，创造出沉浸式的“声景”。探讨微音音乐（Micropolyphony）在声场中如何创造出密度极高但内部结构模糊的“声音云雾”。 结论：二十世纪的遗产与二十一世纪的展望 本书的结论部分总结了二十世纪音乐对我们理解“音乐是什么”的根本性冲击。它并非对传统美学的背弃，而是对美学范畴的极大拓宽。通过对这些结构、技术和思想的全面梳理，读者将能够以更具洞察力的视角，去聆听和分析当今仍然活跃在各个角落的当代音乐实践。本书强调，理解二十世纪的音乐，就是理解现代艺术如何从对“内容”的执着转向对“过程”和“系统”的探索。 本书特点： 深度分析： 结合了音乐本体论、结构主义哲学与声学物理学知识。 详尽图表： 包含大量乐谱分析图、音列结构图及和声演变路径图。 跨学科视野： 探讨了艺术哲学、社会历史背景对音乐形式的决定性影响。 --- 本书适合希望系统掌握二十世纪音乐发展脉络，并对现代艺术思潮有浓厚兴趣的读者群。

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这本书最让我感到惊喜的是它讲解艺术理论的方式，完全没有传统教科书那种晦涩难懂的学术腔调。它没有上来就堆砌复杂的术语，而是选择了一种非常生活化的叙事角度。记得有一章专门讲“形式主义”与“表现主义”的区别，作者竟然从我们日常生活中看到的建筑线条和室内装饰的风格差异入手，来比喻艺术作品中“结构”和“情感”的主导地位。这种类比的技巧非常高明，一下子就让那些抽象的概念变得具象可感。我原本对康定斯基那些后期的抽象作品总是感到一头雾水，但读完这一部分后，我开始能从线条的运动感和色彩的张力中，体会到作曲家般的韵律感。它真正做到了“化繁为简”，但这种简化并非牺牲深度，而是在保留核心精髓的基础上，为读者搭建起一座可以自由探索的知识桥梁。

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这本书的选材非常平衡，没有过度偏爱某一个时期或地域的艺术。它并没有把目光仅仅锁定在西方的文艺复兴到现代这段“主干道”上，而是巧妙地穿插了一些非西方艺术的案例作为参照。例如，在讨论“留白”的哲学意蕴时，作者没有停留在水墨画的传统解读上，而是引入了日本枯山水的空间哲学，甚至隐晦地触及了某些早期现代主义设计中对极简的追求。这种全球化的视角，让艺术欣赏不再是一个孤立的西方美学实验，而成为了人类文明在不同地理环境下对“美”和“意义”的共同探索。这使得我的知识体系感到更加扎实和立体，不再是对历史的碎片化记忆，而是一张相互连接的文化地图。

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这本书的语言风格是其最大的魅力之一，它有一种独特的、近乎诗意的叙述感，但又保持了极高的准确性。阅读起来完全没有“上课”的感觉，更像是与一位博学而风趣的导师在私下交流。作者在描述那些难以言喻的艺术体验时，总能找到那个“刚刚好”的词汇，既不矫揉造作，又足够精准。比如形容塞尚对形体的重构时，他用到了一个“在稳定与崩塌之间犹豫的结构”，这个描述瞬间就让我明白了画家内心的挣扎和创新。这种高质量的文字表达，使得原本就充满魅力的艺术作品，通过文字的再现，获得了新的生命力。它不仅教会了我“看”艺术品，更教会了我如何用更富有洞察力的语言去“感知”和“表达”我的所见所感，这对于提升个人的审美表达能力，具有长远的益处。

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我必须得提一下它在不同艺术媒介之间的穿插对比做得非常出色。很多艺术入门书往往会把绘画、雕塑、建筑分得清清楚楚，导致读者在脑海中形成割裂的认知。然而，这本书却常常将它们并置讨论。比如，在介绍巴洛克风格时，它不仅展示了卡拉瓦乔充满戏剧性的光影，紧接着就引用了贝尼尼雕塑中那种动态的、仿佛下一秒就要“活过来”的瞬间感，甚至还联系到了同期歌剧的结构特征。这种跨媒介的联想，极大地拓宽了我的欣赏维度。我意识到，艺术风格的本质是一种时代精神的体现，它不会只局限于画布之上，而是渗透到那个时代人们对空间、光线和情感表达的共同理解之中。这种宏观的视野，是很多专注于单一门类的书籍难以给予的。

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这本书的装帧设计真的很有意思，封面那种留白和色彩的搭配，初看平淡，细品之下却能感受到一种克制的现代感。内页的纸张质量也相当不错，触感温润，即便是长时间翻阅，手指也不会感到疲惫。我尤其欣赏它在排版上的用心，文字和图片的间距处理得恰到好处，使得阅读的节奏非常流畅。比如，当讲述到印象派的色彩运用时，书中采用的那种小幅、但解析度极高的原作图，配合旁边简洁有力的文字注释，让人能迅速捕捉到画家那一瞬间的笔触和光影变化。这种视觉上的舒适感，极大地降低了艺术欣赏的门槛，让一个对艺术史知之甚少的人也能轻松地沉浸进去。而且，它在章节过渡的处理上也十分巧妙，没有生硬的跳跃感，就像是引导者带着你，一步步从古典的严谨走向现代的奔放，整个阅读过程就像是一场精心编排的漫步。

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