《论中国戏曲及其他》前面部分是关于中国戏曲方面的论文,后面部分是有关中国古代诗文的一些论文,当中还选了少数赏析性的文章、书评与序跋。作为王(季思)门弟子,作者秉承衣钵,治学谨严,在中国戏曲与关汉卿研究诸方面,发掘新意余蕴,钩玄析疑,真知灼见与隽思妙语,时见其中。
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我对作者对于舞台美术设计趋势的梳理感到非常受用。他对于“极简主义”在当代话剧舞台上的应用,提出了一个很有趣的观点:这种看似“空无一物”的空间,实际上对演员的身体提出了更高的要求,迫使观众的注意力完全聚焦于形体表达的张力之上。他引用了某位当代先锋导演的访谈片段,来佐证自己的论点,这种引经据典的扎实功底令人信服。不过,我个人觉得在讨论到数字媒体技术介入舞台布景时,讨论略显保守,似乎没有充分考虑到技术本身所能带来的叙事潜力,或许可以更开放一些,探讨技术与传统美学冲突或融合的可能性。总体而言,作为一份对视觉艺术的系统回顾,它提供了坚实的理论框架。
评分这本书的语言风格在不同章节间存在着显著的跳跃,这既是优点也是需要适应的地方。在评论某些欧洲古典戏剧时,作者的笔触是典雅而克制的,充满了学院派的严谨性,如同在解读一份珍贵的羊皮卷。然而,当他转向对新兴的数字影像艺术与戏剧边界的探讨时,语言突然变得犀利、充满批判性的活力,甚至带着一种近乎“挑衅”的姿态。这种风格的剧烈转换,初读时可能会让人感到突兀,但细想之下,这或许恰恰反映了作者试图用最合适的“声调”去捕捉不同艺术形式的“本质频率”。这种多声部、多维度的叙述策略,使得整部作品的阅读体验像是在听一首结构复杂的交响乐,需要耐心去分辨每一个声部的独立主题和它们交织出的和声。
评分翻开这本汇集了作者对世界各地戏曲艺术深刻洞察的文集,我仿佛被带入了一个光怪陆离的剧场。作者对西方歌剧的结构解析,尤其是对瓦格纳宏大叙事的复杂情感层次的剖析,着实令人拍案叫绝。他并非仅仅停留在文本的罗列或简单的历史回顾,而是深入到音乐与戏剧语言的交汇点,探讨它们如何共同构建起一个超越日常经验的精神空间。尤其对某些早期巴洛克歌剧在舞台调度上的创新性尝试的描述,细致入微,让人仿佛能嗅到油彩和旧木材的气味。读到这些片段时,我忍不住要查阅一些相关的历史资料,试图在脑海中重构那些失落的舞台景象。这种引导式的阅读体验,让学术探讨变得异常鲜活和引人入胜,它成功地架起了一座沟通古老艺术形式与现代审美的桥梁。
评分这本书的散文部分,那些关于旅行见闻的记录,展现了作者极其敏锐的观察力和一种近乎哲学家的沉静气质。特别提到他在某东南亚小岛上偶遇的一场民间祭祀仪式,并将其与他所熟知的古典戏剧的“场域性”进行类比,这种跨文化的比较视角极为新颖。作者并没有急于下结论,而是用一种近乎诗意的语言描摹了光影、声音乃至空气的湿度如何共同塑造了仪式感,这种对“在场性”的探讨,远比单纯的剧目评论来得深刻。我尤其欣赏他对“偶然性”在艺术发生过程中作用的强调,仿佛每一个瞬间的定格都是无数因缘巧合的结果,而非刻意安排。这种对艺术“生命力”的捕捉,让整本书的基调保持了一种跳动的、未完成的美感。
评分书中关于“观众参与性”的讨论,无疑是全书中最具前瞻性的部分之一。作者没有停留在传统意义上对“第四堵墙”的打破,而是深入探讨了沉浸式戏剧如何重塑了社会关系和个体身份认同。他详细描述了一场特定的沉浸式体验如何模糊了表演者与观看者的界限,使个体行为成为集体叙事的一部分,这种论述非常具体,充满了第一手的观察细节。最让我印象深刻的是,他提出了一个问题:当艺术的“完成度”被无限期推迟,让渡给观众的即时反应时,艺术品的价值核心究竟在哪里?这个问题非常尖锐,引导我重新审视了自己作为消费者和体验者的角色,这本书的价值就在于它能持续地向读者提出挑战,而非提供安逸的答案。
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