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出版者:Phoenix Press

作者:W. B. Yeats

出品人:

页数:133

译者:

出版时间:2003-03-28

价格:USD 6.95

装帧:Hardcover

isbn号码:9780753816653

丛书系列:

图书标签:

• poetry
• Yeats
• 叶兹
• 书，诗，叶芝
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W.B. Yeats 著：《十字架上的飞鸟》 《十字架上的飞鸟》是爱尔兰著名诗人威廉·巴特勒·叶芝（W.B. Yeats）创作的一部诗集。这部作品以其深刻的哲学思考、浓郁的爱尔兰民族情结以及对神秘主义和古代神话的迷恋而闻名。诗集中的每一首诗都如同打磨过的宝石，闪烁着智慧的光芒，带领读者一同探索生命、死亡、爱情、信仰以及爱尔兰民族的精神图腾。 诗集的核心主题之一是对精神与物质世界二元对立的审视。叶芝在诗中常常描绘现实的粗糙与精神世界的空灵之间的张力。他以细腻的笔触刻画了人们在日常生活的琐碎中如何追寻超越性的意义，以及那些在灵魂深处燃烧的永恒的渴望。这些诗篇并非对现实的逃避，而是试图在纷繁复杂的尘世中，寻找那些能触动灵魂、带来慰藉的深层真实。 爱尔兰的土地与灵魂是贯穿《十字架上的飞鸟》的另一条重要脉络。叶芝对自己的民族有着深沉的热爱，这份热爱并非盲目的歌颂，而是包含了对爱尔兰历史的深刻理解、对民间传说和神话的珍视，以及对民族命运的忧虑与期盼。在诗中，古老的凯尔特神话人物、英雄传说、爱尔兰的风景和气候，都化作了生动的意象，承载着民族的记忆与精神。他以一种古老而充满活力的语言，唤醒了沉睡的民族意识，也让读者得以窥见一个独特而充满魅力的文化世界。 《十字架上的飞鸟》也深刻地探讨了爱情与失落的议题。叶芝的爱情诗歌，常常带有执着而又伤感的色彩。他笔下的爱情，既有燃烧的激情，也有无法挽回的遗憾，更有对青春易逝、美好不再的怅惘。这些诗歌并非简单的情爱抒发，而是通过爱情的体验，折射出更广泛的人生哲学，关于选择、关于命运、关于那些曾经拥有却终将失去的珍宝。 神秘主义和象征主义的运用是叶芝诗歌的一大特色，在《十字架上的飞鸟》中更是得到了淋漓尽致的展现。他深受东方哲学、西方神秘学以及占星术的影响，并将这些元素巧妙地融入诗歌的创作中。诗中的意象常常具有多重含义，需要读者细细品味，才能触及其深层的象征意义。例如，他笔下的“飞鸟”可能象征着灵魂的飞升，或是精神的自由；“十字架”则可能暗示着苦难、牺牲，或是宗教的救赎。这种高度象征化的语言，使得诗歌充满了回味无穷的艺术魅力。 叶芝的诗歌语言凝练而富有音乐性。他善于运用押韵、节奏和重复，使得诗歌读起来朗朗上口，如同古老的歌谣。同时，他的词汇选择精准而富有力量，既有古典的庄重，又不失现代的鲜活。他能够用最简单的词语，描绘出最复杂的感受，用最朴素的意象，传达出最深刻的哲理。 《十字架上的飞鸟》不仅仅是一部诗集，更是一次精神的朝圣。叶芝用他非凡的才华，为我们打开了一扇通往内在世界的门。读者在阅读这部作品时，会被带入一个充满想象力的世界，在那里，古老的神话与现代的思考交织，个人情感与民族命运共鸣。诗集中的每一个字句，都仿佛在低语着人生的真谛，引导着读者去探索生命的意义，去感受世界的奇妙，去理解那隐藏在平凡事物背后，不朽的精神力量。 这部诗集适合所有对文学、哲学、历史以及人类精神世界有着深厚兴趣的读者。它提供了一种独特的视角，去理解一个伟大诗人的思想世界，去感受爱尔兰民族独特的文化魅力，更重要的是，去照见我们自己内心深处那些未曾言说的渴望与追寻。

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初次接触这位作家的作品时，我最先被吸引的是他文字中那种近乎宗教般虔诚的对“美”的追求，但读完这本特定的选集后，我才明白，他所描绘的美，往往与某种深刻的、结构性的“失落”紧密相连。这不像是一本单纯的抒情诗集，更像是一部晦涩的炼金术指南，指导我们如何从世俗的泥沼中提炼出纯粹的、带着金属光泽的悲剧性。诗人们常常谈论爱情和自然，但在这里，爱情常常被描绘成一种超越世俗契约的、近乎神谕般的折磨，而自然景象——无论是湍急的河流还是古老的石头——都承载着某种古老的、不愿被遗忘的秘密。我特别欣赏他处理意象时那种古典主义的严谨，每一个形容词都像是经过千锤百炼，绝不浪费。当你读到那些关于“苍白”和“火焰”的对比时，你会意识到，他构建的世界观是二元的，光明与黑暗、肉体与灵魂、现实与梦境，它们互相追逐，却永远无法完全融合。这使得阅读过程充满了张力和悬念，你总是在期待下一个转折，那个能打破现有平衡，将所有元素导向最终审判的时刻。对我而言，这是一次对语言边界的试探，是对“不完美中的完美”的深刻探索。

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这本诗集，坦白说，一开始我抱着一种近乎朝圣般的心情去翻开的，毕竟名字摆在那里，带着爱尔兰文学那股特有的迷雾和宿命感。然而，真正让我沉浸其中的，是它对时间和记忆那近乎残酷的捕捉。我记得读到关于“长夜”和“黄昏”的那些篇章时，那种感觉就像是站在一片荒凉的海岸线上，海风凛冽，试图将你吹回某个再也触碰不到的过去。诗人的笔触非常细腻，他似乎并不急于讲述一个完整的故事，而是像一个精心的钟表匠，将每一个瞬间——一朵凋谢的花、一个模糊的面容、一段被遗忘的旋律——拆解、打磨，然后重新镶嵌在永恒的结构里。这种对瞬间的执着，反而构建了一种宏大的、令人敬畏的永恒感。他没有给我一个明确的答案，也没有提供一个温暖的慰藉，更多的是一种清醒的、近乎痛苦的觉知：美丽必然逝去，而我们能做的，只是用语言为它铸造一座冰冷的纪念碑。我花了很长时间去消化那些意象，那些反复出现的符号，它们像迷宫一样，每深入一层，都感觉离世界的真相更近一步，却也更孤独一分。这本书不是用来“读完”的，而是用来“经历”的，每次重读，都能从中舀出新的苦涩和清泉。

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我得承认，这本书的阅读体验是相当“沉重”的，它需要你放慢呼吸，甚至需要你暂时放下日常的喧嚣。它不像那些轻快的、能让你在咖啡馆里快速消化的作品，它更像是一件需要被放置在安静的书房里，在壁炉微弱的火光下，一句一句细细咀嚼的古老文本。我注意到，作者似乎痴迷于“蜕变”和“循环”的主题，但这种循环并非乐观的再生，而是一种带着宿命感的重复，仿佛历史的车轮碾过，留下的只有灰烬和依稀可见的轮廓。书中对爱尔兰神话和民间传说的引用是如此自然而然，它们不是生硬的插叙，而是与诗人的个人情感融为一体，共同编织成一个既地方性又具有普世意义的悲剧景观。这种将个人体验提升到史诗高度的手法，令人既敬畏又感到一丝无力——因为我们都是这宏大叙事中的微小尘埃。每一次阅读，都像是在与一位智者进行漫长的、略带忧郁的对话，他并不提供安慰，只是以一种近乎冷峻的清晰度，揭示了存在本身的本质结构。

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这本书的节奏感，简直可以用“音乐性”来形容，但那绝非我们通常理解的流畅小调，而更像是巴赫晚期赋格曲那种复杂、层叠、充满了内在线索的结构。我发现自己常常会不自觉地朗读某些段落，不是为了理解，而是为了感受那些元音和辅音在口腔中碰撞产生的独特韵律。语言的密度非常高，你很难找到“填充物”，每一个词语似乎都担负着双重甚至三重含义。这种精密的构造，使得即便是最简单的自然意象——比如风吹过茅草的声音，或者月光洒在水面上的斑驳——都被赋予了一种近乎形而上学的重量。我感受到了作者在构建这些意象时的那种近乎偏执的完美主义，仿佛他不是在“写”诗，而是在“雕刻”语言的骨架。这种风格要求读者付出极高的注意力，因为稍有走神，你可能就会错过诗句间微妙的转折和呼应，而那些转折正是通往深层意义的关键。对我来说，这本书的价值，很大程度上在于它对语言潜能的极限探索，它证明了诗歌可以达到何种精炼和厚重的程度。

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读完这本诗集，我脑海中留下了一个非常清晰的画面：一个身着深色长袍的人，站在一座古老石塔的顶端，凝视着远方，那远方既是即将到来的黎明，也是永不消逝的往昔。这本书的基调，是那种饱经风霜后的沉静，没有歇斯底里，只有一种接受了所有矛盾和悖论的成熟。它探讨了艺术家的责任，以及面对历史洪流时，个体存在的脆弱与尊严。我注意到作者非常善于运用对立统一的概念，比如“火焰中的冰冷”，“永恒的瞬间”，这些看似矛盾的组合，恰恰构成了理解其世界观的钥匙。它不像某些现代诗歌那样追求打破一切既有秩序，相反，它似乎在试图找到一种古老的、更坚固的秩序，一种即使文明崩塌也无法撼动的精神支柱。这让我重新审视了许多我曾视为理所当然的事物，比如勇气、忠诚，以及“美丽”本身的定义。它不是一本轻松的读物，但它提供的精神滋养却是持久而深刻的，像一种需要时间来发酵的陈年佳酿，后劲十足。

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在Greenwich的一家旧书店里买到，只为了When you are old

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