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出版者:

作者:傅德岷

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页数:368

译者:

出版时间:2012-2

价格:20.00元

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isbn号码:9787807528593

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《锦绣河山：中国古典山水画的意境与流变》 内容提要： 本书旨在系统梳理和深入剖析中国古典山水画的发展脉络、核心美学思想及其在不同历史时期的艺术表现。通过对历代名家作品的细致解读，结合哲学、文学、诗歌等相关文化背景，本书力求揭示中国山水画“可行、可望、可游、可居”的独特审美体验，探讨其如何超越单纯的物象描摹，成为寄托文人情怀、实现天人合一理想的艺术载体。全书不仅关注技法流变，更侧重于对画作背后“胸中丘壑”的探求，展现中国古典艺术精神的深邃与广博。 --- 第一章 肇始与萌芽：先秦至魏晋的意象初探 中国山水画的源头并非突兀出现，而是根植于先秦时代对自然万物的朴素崇拜与哲学思考。《道德经》中“道法自然”的思想，以及庄子对逍遥游的向往，为后世山水艺术奠定了超验的哲学基础。在这一时期，山水尚未成为独立的画科，多以壁画、帛画的背景形式存在，如马王堆汉墓帛画中的云气、山峦的描绘，已初具气韵生动的雏形。 魏晋南北朝时期，随着玄学思潮的兴起，士人阶层开始关注个体生命与宏大宇宙的关系。士大夫们将隐逸思想付诸实践，山水不再是世俗生活的点缀，而是他们精神避难所的象征。东晋顾恺之虽以人物画著称，但其“以形写神”的理论，为后人如何捕捉山川的内在精神指明了方向。 真正将山水提升至独立画科地位的，是南北朝的宗炳和王微。宗炳在《画山水序》中明确提出“卧游”的概念，认为绘画的意义在于“以形写山，以寄我思”，山水画成为文人表达隐逸之志、寄托高远情怀的载体。王微的《叙画》则更进一步，强调山水画的艺术独立性，主张“气”的表达高于对实景的逼真再现。这些理论奠定了中国山水画重“意”轻“形”的核心审美取向。 第二章 气韵生动与笔墨初成：唐代的转折与奠基 唐代，社会经济的繁荣和文化的多元融合，使得山水画迎来了第一次高峰。此时期的山水画开始摆脱纯粹的背景附属地位，逐步成熟为一个独立的艺术门类。 李思训父子的金碧山水： 盛唐的山水画以“青绿山水”为代表。李思训及其子李昭道，以石青、石绿敷染山石，辅以金线勾勒，描绘出雄伟壮丽、富丽堂皇的皇家气象。这种风格，注重细节的精细描摹与色彩的装饰性，体现了唐代盛世的自信与气魄，但相较于后世，其写意性略显不足。 王维的革新与水墨初兴： 诗画合一的典范王维，是山水画发展史上绕不开的关键人物。他开创了水墨山水画的先河，将禅宗的“空灵”思想融入笔墨之中。王维主张“诗中有画，画中有诗”，用水墨的浓淡干湿来表现山川的烟岚雾霭，追求一种“不着一笔，尽得风流”的自然意境。水墨的运用，极大地拓展了山水画的表现力，使其更贴近中国哲学的“虚实相生”之道。 唐代的山水画，确立了“用笔”的重要性，为五代十国的变革积蓄了力量。 第三章 范式确立与五代盛世：写实精神与笔墨语言的成熟 五代是山水画的黄金时代，是前代探索的集大成者，也是后世所尊崇的“正宗”范式确立的时期。这一时期的画家们，不再满足于描绘意象，而是深入自然，以写生为基础，将笔墨技巧推向极致。 荆浩与关仝的北方山水： 生活在北方战乱时期的荆浩，以其《匡庐图》和《匡庐记》奠定了雄伟壮阔的北方山水画风。他创造了“大斧劈皴”，以侧锋破笔，表现山石的坚硬、雄强与崇高感，极具力量与气势，体现了对北方山势的深刻体验。关仝继承了荆浩的宏大叙事，将山势描绘得更加险峻，并注重表现云雾变幻中的空间感。 董源与巨然的江南烟雨： 与北方山水相对，江南地区以董源和巨然为代表，开创了“平远”和“水墨为上”的柔美画风。董源的画风被称为“平淡天真”，他以披麻皴描绘江南丘陵的温润与厚实，注重墨色的层次变化和整体的湿润感。巨然则在董源的基础上，增添了禅意的空寂与氤氲，形成了“江南烟雨”的独特意境，为后世的“南宗”山水奠定了基础。 五代画家对皴法的运用已臻化境，皴、擦、点、染，诸法齐备，使得山石的质感、树木的生命力以及空气的湿度，都能通过笔墨语言精准传达，标志着中国山水画基本图式与技法语言的全面成熟。 第四章 宋代的理论深化与文人画的兴起 宋代是中国文化艺术的集大成时期，理性精神高涨，对山水画的理论研究也达到了新的高度。 “院体”与“写生”： 宫廷画院系统培养出如李成、范宽等大家。李成注重枯木寒枝的表现，营造萧瑟的意境；范宽则将北方山势的崇高感推向极致，其《溪山行旅图》以巨大的山体占据画面主体，展现出“可行、可望、可游、可居”的理想境界。这一时期的山水画强调“格物致知”，注重观察与写实，但其写实是建立在高度概括的笔墨基础之上的。 苏轼与“论画”： 北宋文人苏轼提出著名的“论画”观点，强调绘画的价值在于“意”，而非“形似”。他认为画家应以胸中之丘壑为本，而非眼中之实景。这一理论成为区分“文人画”与“院体画”的理论基石，标志着画家主体精神对艺术创作的决定性影响。 米芾父子的“米家山水”： 米芾和米友仁父子在水墨表现上大胆创新，他们使用“横点”和“抹”的手法，创造出朦胧迷茫、烟云缭绕的“米家山水”，极大地解放了水墨的物质性，向着抽象写意迈进，为元代文人画的抒情笔法提供了重要借鉴。 第五章 元代的复古与抒情：文人画的正宗确立 元代，蒙古族的统治使得传统士大夫阶层退居幕后，山水画不再需要迎合宫廷审美，转而成为表达民族气节、寄托怀古之思的主要方式。文人画由此正式确立为主流地位。 “元四家”的探索： 以黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙为代表的“元四家”，共同构建了元代山水画的美学体系。他们共同推崇董源、巨然的平淡天真，反对南宋院体的雕琢之气。 黄公望 追求“平淡”中的自然天趣，他的笔法温润含蓄，用墨变化微妙，强调笔墨本身的韵味。 倪瓒 走到极致的简淡，画面常常只留大片空白，以干笔皴擦，描绘疏林寒水，体现出高洁孤傲的文人气质。 吴镇 融合了黄公望与水墨禅意，笔法老辣，画风沉郁，富含书卷气。 王蒙 则集前人之大成，以繁密细致的笔法（如“牛毛皴”）构建出层次丰富的“罩染”山水，意境深邃。 元代山水画的核心，是从“再现自然”转向“表现自我”，山水成为文人精神世界的投射，笔墨的运用彻底摆脱了对实景的依附，进入了高度的个人化和符号化阶段。 结语：天人合一的永恒追求 中国山水画的发展史，本质上是一部文人精神史与笔墨哲学史。从唐代的“气势磅礴”到五代的“法度森严”，再到宋代的“格物致知”，直至元代的“抒发性灵”，山水画始终承载着中国人对宇宙本源的叩问与回归自然的终极渴望。它所追求的“气韵生动”，并非仅仅是技法的娴熟，更是画家生命体验与天地精神相融后的自然流露，是东方哲学“天人合一”思想最直观的艺术体现。本书所探讨的，正是这条从有形到无形，从写景到抒情的漫长而精妙的艺术旅程。

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我必须得说，**《宋代词人传略与风格演变》**这本书简直是为词学爱好者量身定制的深度导读。我过去对宋词的认知大多停留在“豪放”与“婉约”的简单二元对立上，读完这本书后，视野豁然开朗。作者采用了清晰的编年体和地域风格相结合的叙事结构，详尽地梳理了从晚唐五代到南宋衰亡期间，词坛上主要词人的生平轨迹、主要际遇以及他们如何将个人命运融入到词风的蜕变之中。例如，书中对于柳永“凡有井水处，皆能歌柳词”现象的社会文化背景分析，就非常到位，揭示了市民阶层对词体普及化的推动作用。而在风格的演变上，作者并没有简单罗列，而是通过对比分析，比如苏轼的“以诗为词”的开创性与辛弃疾“集大成”式的铺陈对比，展现了词体在不同历史阶段如何不断自我超越和丰富内涵的过程。这本书的学术性很强，但行文流畅，不落窠臼，对于想要深入研究宋词发展脉络的读者来说，它提供了清晰而坚实的理论框架和大量的实例支撑，绝非泛泛而谈的入门读物。

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我是在一个周末的午后，抱着消遣的心态翻开了**《宋词意象的地理空间分析》**，结果却被它新颖的研究角度深深吸引住了。这本书跳脱出传统的文学批评，转而运用地理学和空间叙事的视角来解读宋词。它将词人所描写的空间进行分类：既有北宋都城汴京的繁华气象、江南烟雨的水乡意境，也有边塞词中苍凉壮阔的边关景象。书中通过大量的图表和地图标注，清晰地展示了不同地域的意象是如何固化并成为特定词风的标志的。比如，它深入分析了“月”这一意象在词中出现的空间位置和情感投射，发现“闺中月”与“边关月”在心理距离上存在着显著差异。这种将文学作品“空间化”的处理方式，极大地增强了文本的可感知性和现场感。它让我意识到，词人们描绘的场景不仅仅是背景，它们本身就承载着强烈的情感信息和时代印记。这本书的创新性在于，它提供了一种全新的、可量化的方式去理解和欣赏宋词对环境的细致捕捉与情感投射。

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这本**《宋代词牌考源与格律详解》**简直是为那些试图自己动笔填词的“发烧友”准备的“武功秘籍”。我一直对词牌名那些充满画面感的名称感到好奇，比如“蝶恋花”、“水龙吟”究竟源自何处？这本书详尽地考证了每个重要词牌的起源故事、最初的曲调性质，甚至包括其在不同朝代的使用频率变化。更具实用价值的是，它对每一个词牌所要求的平仄格式、句式长短、换韵位置等格律要求，做了近乎于刻板的、精确到每一个字的表格说明。这种对规则的尊重，恰恰是古典艺术魅力的重要组成部分。书中不仅给出了标准范例，还列举了“破格”或“变体”的例子，并分析了大家是如何在不破坏整体美感的前提下进行微调的。对于一个想从单纯的欣赏者转变为创作者的人来说，这本工具书的价值无法估量，它让那些看似繁复的音律之美，变得有迹可循，有法可依。

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说实话，我对**《中国古典诗词中的时间观念研究》**这本书的阅读体验，更像是一场沉浸式的哲学思考之旅。它关注的焦点非常独特，不是具体的篇章解读，而是抽离出来，探讨古代文人在创作中对“时间”这一抽象概念的处理方式。作者从屈原的“溯洄从之”对永恒的追问，到陶渊明的“采菊东篱下，悠然见南山”中对当下瞬间的把握，再到李清照“寻寻觅觅，冷冷清清，凄凄惨惨戚戚”对逝去时光的无尽挽回，层层递进地构建了一个古典诗词的时间地图。尤其是书中对“逝者如斯夫”与禅宗“当下即永恒”思想在宋代词作中融合的论述，提供了非常深刻的文化洞察力。这本书的行文逻辑严密，论证过程充满了思辨色彩，让我开始用一种全新的维度去重新审视那些耳熟能详的篇章。它成功地将文学研究提升到了美学和哲学的交汇点，读完后感觉自己的精神世界被拓宽了许多，让人回味无穷。

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这本**《唐诗三百首精选与鉴赏》**的装帧设计真是让人眼前一亮，封面采用了典雅的宣纸质感，烫金的字体在光线下低调地闪烁着，透着一股古朴而高雅的气息。我原本以为这又是一本老生常谈的诗选集，但翻开内页才发现它的用心之处。排版布局非常考究，每一首诗的篇幅都留出了足够的留白，让人在阅读时不至于感到拥挤，心绪能够随着诗句的韵律自然舒展。更难得的是，编者对于选篇的考量十分独到，并非单纯堆砌那些耳熟能详的篇目，而是巧妙地穿插了一些流传度稍逊但艺术成就极高的佳作。比如对王维《辋川集》中几首山水田园诗的选取和解读，就跳脱出了以往教材中常见的视角，挖掘出了其中蕴含的禅意和隐逸情怀。注释部分也做得极为细致，不仅解释了生僻字词的含义，还对诗句中涉及的历史典故和地理背景做了简要的背景补充，让初学者也能轻松跨越阅读的障碍，直接领略到盛唐气象的磅礴与婉约。这本书的整体质感，从纸张到印刷，都体现出对传统文化的尊重与敬畏，绝对是案头常备的佳品。

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