Vocal Selections from Seesaw

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出版者:Warner Bros Pubns
作者:Fields, Dorothy
出品人:
页数:56
译者:
出版时间:1999-07
价格:USD 18.95
装帧:Paperback
isbn号码:9780769209173
丛书系列:
图书标签:
  • 音乐剧
  • 选曲集
  • 声乐选粹
  • Seesaw
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具体描述

He's (She's) No Good for Me * I'm Way Ahead * In Tune * It's Not Where You Start * My City * Nobody Does It Like Me * Poor Everybody Else * Ride Out the Storm * Seesaw * Spanglish * We've Got It * Welcome to Holiday Inn * You're a Lovable Lunatic.

乐海拾遗:音乐剧选段与声乐艺术的深度探索 本书精选自二十世纪中后期世界舞台上最具影响力的音乐剧作品,旨在为声乐学习者、表演艺术家以及音乐爱好者提供一套系统、深入的声乐选段与表演实践指南。 这部选集并非简单地罗列歌曲,而是深入剖析了音乐剧这一独特艺术形式对演唱技巧、角色塑造和舞台呈现的综合要求,强调声音的戏剧性与情感的真实传达。全书内容聚焦于那些超越时空、至今仍被广泛传唱和研究的经典曲目,它们构成了现代音乐剧声乐学习的重要基石。 第一部分:经典作品的音乐语言解析 本部分将目光投向音乐剧黄金时代的几部标杆之作,如伯恩斯坦的《西区故事》、罗杰斯与汉默斯坦的《俄克拉荷马!》及《南太平洋》,以及桑德海姆的早期杰作。我们着重分析这些作品在音乐结构上如何服务于叙事,以及它们对演唱者提出的特定技术挑战。 一、结构与和声的戏剧张力: 以《西区故事》为例,本书详尽解析了其融合爵士、拉丁节奏和古典对位法的复杂和声布局。这些和声不仅是背景,更是角色内心冲突的外化。例如,分析“Maria”或“Tonight”中旋律线与复杂和弦的互动,探讨演唱者如何在保持音准与清晰度的同时,驾驭这些瞬息万变的调性色彩。我们将探讨如何通过对和声的敏锐感知来指导呼吸支持和声音的共鸣位置,确保高音区的穿透力与中低音区的温暖感能够无缝衔接。 二、角色动机与动机再现: 音乐剧中的旋律动机往往与特定角色或情境紧密关联。本章深入研究了“主导动机”(Leitmotif)在音乐剧中的应用,及其在演唱中的体现。学习者需要理解,每一次动机的重现,无论是略有变奏还是完全重复,都必须承载当前场景下的新情感重量。我们辅以具体范例,指导如何通过细微的音色调整、力度变化和节奏处理,来展现动机在不同情境下的“生命力”。 三、早期音乐剧中的抒情性表达: 针对二十世纪四五十年代的作品,本书强调了其对传统美声唱法中“连贯性”(Legato)和“音色统一性”的继承与创新。这些选段要求演唱者具备强大的气息控制力,以支撑悠长、充满歌唱性的旋律线。我们提供了一系列练习,专门用于增强横膈膜的稳定性,确保在演唱长乐句时,声音的集中度(Focus)和音质(Timbre)不发生衰减,从而完美呈现那个时代对“美声”的舞台化要求。 第二部分:现代音乐剧的声乐挑战与整合 随着音乐风格的演变,现代音乐剧对演唱者的要求更为多元,尤其体现在对“混合声区”(Mixed Voice)的广泛运用以及对歌词的清晰度要求上。本部分关注七十年代至今,那些突破传统界限的剧目中的关键选段。 一、混声的精准定位与平衡: 现代音乐剧的许多高难度片段要求演唱者在高音区保持对话般的自然感,而非生硬的头腔压力。本书提供了一套系统的练习方案,旨在帮助学习者安全、有效地建立和强化混声技巧。重点分析了如何通过口腔形状和喉部空间的调整,使头声和胸声在转换点实现平滑过渡,避免“换声区”的突兀感。我们特别强调了在不牺牲戏剧张力的前提下,保持声音的“开放性”(Openness)。 二、节奏的复杂性与清晰发音: 很多后来的作品,如某些摇滚或流行元素更强的作品,其歌词密度和节奏复杂性远超早期作品。本章指导学习者如何在高难度的节奏型中,依然保证歌词的准确发音(Diction)。我们将解析如何通过预先设计发音位置、利用口腔肌肉的灵活性以及精确的呼吸时机来解决这一难题,确保每一个音节都能被清晰地传达给观众。 三、声音的颗粒感与“说话式”演唱: 探讨音乐剧中如何使用“颗粒感”(Grit)或更具侵略性的音色来增强角色的边缘感或愤怒。这要求演唱者理解声音的强度与健康之间的平衡。我们将分析在不损伤声带的前提下,如何通过改变气流速度和声带闭合程度来营造特定的音色纹理,从而实现从纯净抒情到粗粝戏剧的快速切换。 第三部分:表演实践与情感深度挖掘 声乐技术是工具,而情感表达才是音乐剧的灵魂。本部分超越纯粹的声乐技巧训练,聚焦于如何将技术融于表演之中。 一、从文本到声音的转化: 深入剖析演唱者如何进行“剧本分析”。这包括对角色的背景、目标、障碍、潜台词的全面理解。本书指导读者如何将这些分析结果,具体地转化为声音的元素——例如,恐惧可能转化为更窄的音孔和更高的喉位;决心则可能表现为更紧凑的气流和更饱满的共鸣。 二、舞台呈现与听觉空间: 探讨音乐剧演唱的特殊性——它必须在舞台空间中被清晰地“听见”,而非仅仅是“唱出来”。我们将讨论麦克风的使用、舞台声学环境对音色选择的影响,以及如何在不同大小的剧院中动态调整声音的投射方式(Projection),确保情感的细微之处也能被远处的观众捕捉。 三、建立角色的“声音档案”: 鼓励学习者为每一个选段建立一个完整的“声音档案”。这个档案应包括:理想的音高、情绪色彩的描述词汇(如:绝望的、讽刺的、天真的)、呼吸的标记点、以及关键的“表演意图”标记。这套系统化的记录方法有助于在长期学习和排练中保持表演的连贯性和深度。 总结: 本选集旨在提供一套全面且严谨的音乐剧声乐训练框架。它要求学习者不仅要掌握高超的演唱技巧,更要成为一个敏锐的戏剧解读者,将声音视为塑造角色的终极武器。通过对这些经典与现代选段的深入研究与实践,读者将能够更自信、更有深度地驾驭音乐剧舞台上最激动人心的旋律与情感挑战。

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读后感

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用户评价

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收到这本乐谱集时,我最先关注的是它的“实战性”。毕竟,很多出版物在学院派的严谨性上做得很好,但在实际搬上舞台或在小型排练时,总会遇到一些不便。这部作品集在这方面表现得令人惊喜。它似乎平衡了原汁原味与实用操作之间的鸿沟。那些和声部分的标记,精准而不过分密集,既能引导经验不足的演奏者,又不会干扰到资深乐手的即兴发挥。我特别欣赏它在处理那些需要乐队与演唱者之间紧密互动的段落时,所展现出的那种清晰度。它不是那种冷冰冰的文本,而更像是一位经验丰富的导师,站在旁边,用最恰当的方式为你指明方向,让你在追求技术完美的同时,不忘音乐最核心的——那就是情感的真挚流露。这种平衡感,是很难得的。

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老实说,这本书的装帧设计虽然中规中矩,但内页的排版却体现出一种对演奏者的尊重。清晰的指引、适中的行距,甚至连那些需要快速切换和弦标记的地方,都考虑到了视觉上的流畅性。我试着随手挑了一段相对复杂的段落进行“演奏”——当然,只是在心中默唱和指尖的轻点——那种节奏的推进感和旋律的呼吸点都把握得恰到好处。它没有那种廉价感,仿佛每一页纸都经过了审慎的考量,确保读者在沉浸于音乐的海洋时,不会因为排版的小瑕疵而被打断思绪。这种细节上的打磨,往往是区分一本“合格”乐谱集和一本“优秀”乐谱集的关键所在。它提供了一个坚实的基础,让学习者可以放心地将精力投入到音乐的情感诠释上,而不是纠结于那些本不该出现的技术障碍。这种内敛而扎实的工作态度,让我对整部作品集的内容更加信服。

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回顾我翻阅的整个过程,这部精选集给我留下最深刻印象的,是一种跨越时空的“共鸣感”。即便你对这部特定的音乐剧并不十分熟悉,那些旋律中蕴含的普世情感——爱恋的甜蜜、失落的苦涩、对未来的期盼——依然能轻易地击中人心。它像是一份精心挑选的“情感语汇库”,每一种和弦进行都对应着一种独特的心绪状态。我试着将其中一些乐句与其他不同年代、不同风格的音乐进行比对,发现其内在的戏剧逻辑竟有着惊人的相似性。这证明了优秀的音乐创作是超越流派和时代的。这本书,与其说是一套乐谱,不如说是一份情感研究报告,它用音符构筑了一个可以反复探寻、总能带来新发现的内心世界。它让人不仅想“弹奏”,更想“生活”在这些旋律之中。

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这部作品集,初翻开时,那种扑面而来的音乐气息真是让人心头一震。它不仅仅是乐谱的堆砌,更像是一扇通往那个特定时代和情感世界的窗口。从那些熟悉的旋律线条中,我仿佛能听见舞台上演员们饱满而富有张力的嗓音,每一个音符都承载着角色的挣扎、渴望与释然。编排的用心可见一斑,那些对位和和声的层次感处理得极其精妙,即便是初次接触的人,也能从中感受到作曲家驾驭复杂情感的功力。翻阅过程中,我不由自主地在脑海中为这些旋律配上了画面——或许是昏黄的灯光下,主角深沉的独白,又或许是群像戏中情绪爆发的瞬间。这不仅仅是技术上的展示,更是一种情绪的冶炼,让人在阅读乐谱的同时,也进行了一次深刻的内心对话。对于任何一个热爱音乐剧,渴望深入理解其核心魅力的学习者或爱好者来说,这无疑是一份宝贵的财富,它要求你调动起所有的感官,去捕捉那些潜藏在五线谱背后的戏剧张力。

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我总觉得,好的音乐作品集,不仅要记录“是什么”,更要暗示“为什么”。这部作品集在这方面做得相当出色,虽然它没有冗长的文字说明,但通过对不同场景和情绪段落的音乐处理方式,你完全可以推导出创作者在构建戏剧张力时的精妙布局。例如,某一段落中突然引入的、略微不和谐的音程,立刻就能让人感受到角色之间关系紧张的微妙变化,那种克制中的暗流涌动,比任何直白的歌词描述都要来得有力。我甚至可以想象,如果将这些片段串联起来,它们如何构成一个完整的叙事弧线。它仿佛是一份音乐的“剧本解析”,通过音符的起承转合,无声地讲述着角色的心路历程。对于想要深入理解音乐剧结构和戏剧性的学生来说,这简直是教科书级别的范例,它教会你如何用“听觉”来“阅读”故事。

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