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出版者:Seigensha

作者:草間 弥生

出品人:

页数:136

译者:

出版时间:2002

价格:JPY 3675

装帧:Paperback

isbn号码:9784916094704

丛书系列:

图书标签:

• 波点情结
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《未来都市的几何交响：解构当代建筑中的极简与繁复》 内容提要： 本书深入探讨了二十世纪中后期至今，全球范围内建筑设计思潮的深刻变革，特别是聚焦于“极简主义”（Minimalism）与“复杂性”（Complexity）这两种看似对立，实则相互渗透的美学哲学如何在当代城市景观中得以体现和融合。作者以严谨的学术视角和丰富的案例分析，剖析了建筑语言如何从早期的功能主义桎梏中解放出来，转向对材料本质、空间感知、光影互动以及社会语境的深层哲学思考。 全书分为四个主要部分：第一部分追溯了现代主义晚期对形式纯粹性的追求，以及后现代主义对历史符号的解构与重构；第二部分聚焦于数字技术如何催生出参数化设计（Parametric Design）的浪潮，使得复杂的曲面和非线性结构成为可能，挑战了传统建筑的直线逻辑；第三部分则深入探讨了“地方性”（Glocality）的回归，考察建筑师如何在高度全球化的背景下，重新激活本土材料、气候适应性和文化记忆；最后一部分，作者将目光投向未来，探讨可持续性、生物形态学（Biomorphism）以及人工智能在建筑设计流程中的潜在颠覆性角色。 第一章：从“少即是多”的黄昏到“复杂”的黎明 本章首先回顾了密斯·凡德罗（Mies van der Rohe）所确立的极简主义的纯粹性原则——对结构逻辑的绝对透明化和对装饰的彻底摒弃。然而，随着消费社会的成熟与信息爆炸，这种纯粹性开始显露出其局限性：它有时显得过于冰冷、疏离，无法完全回应居住者的情感需求和城市环境的内在矛盾。 随后，我们转向对“复杂性”的早期探索。这一阶段的建筑师们，如罗伯特·文丘里（Robert Venturi）和雅克·伯恩（Jacque Buron），开始挑战现代主义的教条，重新引入了矛盾、模糊和“难以忍受的俏皮性”（delightful perversity）。他们主张建筑不应是单一、清晰的宣言，而应是多层次、充满隐喻和文化噪音的场所。本章着重分析了对历史肌理进行碎片化引用的手法，以及色彩和纹理如何在后现代语境下被重新赋予意义。 第二章：参数化革命：算法驱动的形态生成 数字工具的飞速发展是理解当代建筑形态变化的关键。本章详细阐述了“参数化设计”如何从一种计算机辅助工具演变为一种全新的设计哲学。它不再是简单地将草图转化为精确的CAD图纸，而是通过建立一套可变参数的关系系统，让形态的生成服从于一系列逻辑约束——例如风荷载、日光角度、材料的最小浪费等。 我们考察了扎哈·哈迪德事务所（Zaha Hadid Architects）和格雷格·林恩（Greg Lynn）的工作，他们如何利用算法来创造出动态的、流动的、前所未见的双曲面和扭转结构。这种“可塑性”的追求，在美学上是对传统欧几里得几何的彻底颠覆，它要求建筑师思考的不再是固定的“形状”，而是不断演化的“过程”。本章也辨析了参数化设计中潜藏的风险：形式是否可能脱离功能与意义，沦为纯粹的技术炫技？ 第三章：地方的回声：在地性、材料与感官体验 在全球化浪潮下，对建筑“身份”的追问从未停歇。本章探讨了建筑师如何巧妙地平衡全球技术标准与本土文化语境，强调“地方性”（Sense of Place）的回归。这并非简单地复制传统符号，而是一种深层次的对话：如何利用当地特有的材料——如竹材、夯土、特定的石材纹理——来回应特定的气候挑战和生态需求。 案例研究包括南美洲对自然光线和通风系统的精细化处理，以及亚洲对传统榫卯结构在现代钢结构中进行抽象转化的努力。重点分析了建筑的“触感”和“气味”——这些被极简主义长期忽视的感官维度，如何在当代设计中重新占据核心位置，使建筑成为一个可被身体全方位感知和体验的空间叙事。 第四章：生态交织与未来展望：建筑的生命周期 面对气候变化和资源枯竭的严峻挑战，本章将视角转向“可持续性”的定义升级。当代建筑不再满足于“节能”的标签，而是追求与自然系统的深度整合，即“生态共生”。我们分析了“活体建筑”（Living Architecture）的概念，如通过生物反应器立面、绿色屋顶系统，使建筑本身成为一个微生态循环的组成部分。 同时，本书也前瞻性地探讨了AI辅助设计在形态优化和材料选择上的潜力，以及“增材制造”（3D打印）对建筑尺度和复杂度带来的结构性变革。未来的建筑形态，或许不再是单一风格的胜利，而是一个融合了复杂算法、在地智慧和生态反馈的“混合体”。 结语：在张力中寻求平衡 本书的结论指出，当代建筑的活力恰恰源于其内部的张力：极简的清晰逻辑与复杂的形态生成之间的拉锯；全球技术的普遍性与地方文化的独特性之间的张力；以及技术驱动的效率与人文关怀的温情之间的张力。成功的当代建筑，是能够在这些矛盾中找到动态平衡的产物。它既是科技进步的纪念碑，也是人类对宜居环境永恒追求的沉思。本书旨在为读者提供一个清晰的框架，用以理解和批判我们周围正在快速成形的城市环境。

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这本关于“材料的语境学”的著作，简直是为那些痴迷于触感和纹理的读者量身定做的圣经！它的笔触极其细腻，那种对不同材质——无论是粗糙的未加工木材、冰冷的拉丝金属，还是带有年代感的做旧皮革——的描述，几乎达到了**通感**的境界。作者没有把材料仅仅看作是实现功能的载体，而是将其视为一种具有自身历史和情感的“叙事者”。书中通过对比分析了不同文化背景下对同一种材料（比如竹子或石头）的不同处理方式，清晰地勾勒出了环境、气候、宗教信仰是如何潜移默化地塑造了我们对“质感”的偏好。我特别喜欢它对“光与影在表面上的相互作用”的专题分析，图文并茂地展示了在不同的光源下，同一件家具是如何呈现出截然不同的情绪和氛围。这本书让你学会用手指去“阅读”物体，去感受那些肉眼可能忽略的微小凹凸和颗粒感。它让我明白了，一个优秀的设计，不仅要美观，更要能提供一种丰富的、多层次的**触觉反馈**，从而加深人与空间之间的亲密连接。

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我必须承认，这本书的理论密度非常高，它更像是一部深奥的**现象学在室内环境中的应用指南**。作者专注于探讨“被居住的空间”是如何反过来塑造我们的“自我认知”的。它避开了对风格和流派的追溯，而是直接进入了最根本的哲学层面：我们如何在一个被家具界定的空间里感知“存在”？书中对“边界”的讨论非常深刻，比如门框、窗台、墙壁与家具边缘的交汇点，这些“界限”是如何定义了我们的行动自由和心理安全区的。我尤其欣赏作者对“家”这个概念的解构，它不是一个固定的容器，而是一个不断在家具的重新排列和更换中被“再确认”的过程。阅读过程中，我常常需要停下来，盯着自己房间里的某个角落，反思那张沙发、那个书架是如何潜移默化地影响了我的日常姿态和情绪起伏。这本书没有提供任何即学的技巧，但它提供了一种**看待世界的全新视角**，一种要求我们对我们日常被包围的物体保持持续、审慎的“在场感”的哲学训练。

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天呐，我简直不敢相信我刚刚读完的这本关于“装置艺术与空间叙事”的书！它完全颠覆了我对传统雕塑和静态展示的认知。作者没有仅仅停留在对某个著名艺术家的作品进行机械的罗列和风格分析，而是深入探讨了艺术家如何利用现成品、光影、以及观众的移动轨迹来构建一个**临时的、可被体验的微观宇宙**。尤其让我印象深刻的是其中关于“时间的物质化”的论述，书中举例分析了几个晦涩难懂的装置，如何通过材料的老化、腐蚀或者预设的机械运动，将抽象的时间概念转化为观众可以感知到的物理存在。书中对空间心理学的引用也极为精妙，探讨了在一个被特定艺术品重构过的环境中，人的安全感、疏离感是如何被微妙地操控和引导的。这本书的排版设计本身就是一种艺术，那些跨页的大幅图解，尤其是对复杂机械装置的剖面图的解析，清晰到让你仿佛能听到齿轮转动的声音。我甚至产生了一种冲动，想立刻去一个废弃工厂或空旷仓库，亲手搭建一个属于自己的，充满意想不到的视听效果的“环境”。这本书读完后，我再看任何展览，都会不自觉地寻找背后那些看不见的“规则”和“权力结构”，它真的打开了我观察世界的一扇新的窗户，不再满足于表面的美感，而是渴望探究其深层的逻辑和意图。

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这本书，说实话，更像是一本关于**后现代设计哲学与日常用品异化**的深度田野调查报告，而不是我们通常理解的“艺术史参考书”。我最欣赏它的地方在于，它极其勇敢地挑战了“功能性”的至高无上性。作者花了大量的篇幅去解构那些我们习以为常的家具——椅子、桌子、柜子——是如何在特定的历史语境和文化符号的叠加下，逐渐脱离其原始用途，演变成一种**社会身份的符号载体**。书中对20世纪中叶“极简主义”运动的批判性重读尤其犀利，作者认为，那种看似冷静克制的线条背后，其实隐藏着对中产阶级消费欲望的某种隐秘的迎合和颂扬。我特别喜欢它对“非人尺度设计”的探讨，例如那些为了展现设计理念而牺牲了人体舒适度的椅子，它们存在的意义究竟是为了“坐”，还是为了“被观看”？书中引用的那些设计师的访谈录，言辞间充满了对实用主义的嘲讽和对形式纯粹性的执着，读起来让人既感到振奋又有些许不安。这本书的语言风格是那种带着学者严谨和诗人般敏感的混合体，它迫使你重新审视自己家里那些毫不起眼的物件，思考它们身上承载了多少我们未曾察觉的文化代码和意识形态的烙印。

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如果用一个词来形容这本书的阅读体验，我会选择“**结构主义的解构迷宫**”。它的叙事结构非常跳跃和碎片化，仿佛作者在导引你穿梭于不同的历史切片和理论分支之间，每走一步都需要极高的专注度。它没有给我们一个清晰的“答案”，而是提供了无数个深入提问的工具箱。书中对“模因”（Meme）在视觉文化中的传播机制的讨论，尤其让我感到震撼。作者巧妙地将一个原本属于生物学和互联网领域的概念，嫁接到了对特定设计元素——比如某种特定的灯罩形状或柜门拉手的演变——的分析上，揭示了它们如何在潜意识层面迅速复制和扩散，并最终固化为一种“经典”。我对其中关于“制造的消失”那一章印象极深，它探讨了在高度工业化和自动化生产的背景下，手工的价值和“物的在场感”是如何被系统性地削弱的。读完后，我感觉自己像刚跑完一场智力马拉松，虽然疲惫，但对美学和设计的理解维度被彻底拓宽了，它让我意识到，设计不再是关于“创造”新事物，而是关于如何“**重新诠释**”旧有的结构和意义。

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