工笔花卉翎毛画法 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:天津杨柳青画社

作者:谢呈祥

出品人:

页数:33

译者:

出版时间:2007-8

价格:32.00元

装帧:

isbn号码:9787807382478

丛书系列:

图书标签:

• 工笔花卉
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• 技法

《宋代山水画的演变与审美取向》 导言 宋代，一个在中国艺术史上璀璨夺目的时代，其绘画艺术达到了前所未有的高峰。尤其在山水画领域，随着理学思想的深入和院体画派的成熟，山水画不再仅仅是文人墨戏或对自然景象的简单描摹，而是成为了一种承载哲理、寄托情怀、体现时代精神的独立艺术门类。本书旨在深入剖析宋代山水画在题材、技法、风格及审美取向上的深刻演变历程，力求展现一个宏大而细腻的宋画世界。 第一章：北宋山水画的恢弘气象与时代精神 北宋（960年—1127年）是中国山水画的第一个高峰期。这一时期的画家们，面对广袤的北方山河，其创作风格呈现出雄伟、博大、深邃的特点，这与当时国家统一、文化自信心高涨的时代背景息息相关。 1.1 范宽的“近观险绝，远观浑厚” 范宽，作为“北宋三大家”之首，其画风独树一帜。他长期深入秦陇一带，师法自然，形成了标志性的“雨点皴”或“钉头皴”。这种技法不仅描绘了北方山体的坚硬质感和厚重感，更体现了一种近乎宗教般的对宇宙洪荒之力的敬畏。他的代表作如《溪山行旅图》，以高耸入云的山峰占据画面主体，体现了人与自然之间，人在自然面前的渺小与崇高并存的复杂情感。本章将详细解析范宽在构图上如何运用“三远法”（高远、深远、平远），以营造出吞吐宇宙的磅礴气势。 1.2 郭熙与“可行、可望、可游、可居”的境界营造 郭熙，身居宫廷画院高位，其理论贡献与实践成就并重。他的《林泉高致》是研究宋代山水画理论的必读经典。郭熙的画风相较于范宽，多了一份灵动与氤氲之气。他擅长用“大斧劈皴”和“卷云皴”，尤其对云雾的描绘达到了出神入化的地步。这些云雾不仅是自然现象的再现，更是作为连接山体、调节画面虚实、营造诗意氛围的关键元素。本书将重点探讨郭熙如何通过对光影和气候的把握，实现其“可行、可望、可游、可居”的理想山水境界。 1.3 李成的寒林与文人情怀的渗透 李成，被誉为“唐宋八大家”之一的李唐之先导，其画风以北方平原上的寒林、枯木、雪景著称。他的笔法苍劲，线条瘦硬，墨色层次丰富。他笔下的景物往往带有萧瑟、清寂的意味，这被认为是早期文人画精神在山水画中的一种体现，预示着对自然更加内敛和主观的观察。 第二章：南渡之后的水墨变革与院体画的精微 靖康之变后，宋室南迁，山水画的重心也随之转移到江南。这一时期的画作，在气象上虽不如北宋雄浑，但在笔墨的精细化和写意精神的探索上，则迈向了新的高度。 2.1 李唐与马远、夏圭的“一角两角” 李唐将北宋的皴法向更具个人倾向的线条运用发展，他的画风影响了南宋院体画的奠基人——马远和夏圭。南宋院体画最大的特点是“意境的凝练”和“空间的截取”。马远的“边角式”构图和夏圭的“半边式”构图，被称为“一角两角”。这种极端的构图方式，通过截取自然的一部分，反而激发了观者对画面之外广阔空间的无限想象，达到了“虚实相生”的艺术效果。本书将深入分析这种构图在审美上如何契合南宋偏安一隅、沉郁内敛的时代情绪。 2.2 南宋院画的精微与“界画”的成熟 南宋画院对写实的追求达到了极致，尤其在描绘宫殿、楼阁等建筑时，界画技术得到了极大的发展。院画家们不仅要掌握传统的水墨技法，更要精通精确的几何透视，以保证建筑结构的严谨性。这种精微之处，反映了官方艺术对“格律”和“规范”的重视。 第三章：文人山水画的勃兴与笔墨的自觉 与院体画的写实和规范相对立的，是文人画的兴起。文人士大夫阶层通过绘画来表达“胸中丘壑”，强调“以书入画”。 3.1 米芾、米友仁的“米点”与墨戏的开端 米芾父子是文人山水画发展中的关键人物。他们摒弃了传统的细致皴擦，开创了“米点皴”，即以横点、竖点、斜点等墨点来表现江南烟雨迷蒙的湿润山势和云气。这种技法极大地解放了笔墨的表现力，将绘画推向了更强调主观感受和墨法趣味的领域，是后世写意画的先声。 3.2 禅宗思想对山水画的影响 宋代，特别是南宋，禅宗思想深入人心。禅宗“顿悟”、“直指人心”的观念，促使一些画家追求画面的即时性、直观性和不可言说的意境。山水画开始更多地承载哲学和宗教的思辨，强调“理”在“景”中，而非简单的“形似”。 结论：宋代山水画对后世的深远影响 宋代山水画，从北宋的雄浑气魄到南宋的精微内敛，再到文人画的笔墨自觉，完成了中国山水画从描绘物象到表达精神的质的飞跃。它确立了山水画在中国绘画史上的核心地位，并为元、明、清乃至近现代的绘画发展，提供了技法、理论和审美上的不竭源泉。本书通过对这些流派和个案的深入分析，力图还原一个充满活力与深邃思考的宋代艺术图景。

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作为一个有着多年绘画经验的爱好者，我对于市面上泛滥的“速成”类画册大多持保留态度，它们往往只重“像”而轻“意”。然而，这本《工笔花卉翎毛画法》显然走的是另一条路。它在基础技巧教授之外，花费了相当大的篇幅来探讨“意境的营造”。书中对“花气”和“鸟韵”的哲学探讨，引导读者去思考如何通过笔墨的虚实变化来表达对象的情感温度。例如，在描绘竹子叶片时，作者强调了留白不仅仅是背景，更是为了衬托出叶片在微风中摇曳的“空灵感”。这种由表及里的引导，让我重新审视了自己过去对工笔画的刻板印象，认识到工笔的精微并非束缚，而是通往更高层次精神表达的路径。这本书更像是一位严谨的导师，他不仅教你如何使用工具，更教你如何思考。美中不足的是，对于一些需要用到矿物颜料（如朱砂、石青）的特例，如果能增加一些关于材料特性的稳定性说明和保护建议，那对于想要长期保存作品的学习者来说，会更有参考价值。

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拿到这本书时，我的第一反应是它装帧得非常典雅大气，充满了古典韵味。我主要关注的是翎毛部分的教程，因为我总觉得画鸟的眼睛和羽毛是最难捕捉灵动感的环节。这本书在这一块的处理上，简直可以说是教科书级别的示范。它详细讲解了如何用极细的“衣纹笔”勾勒出燕子腹部绒毛的层次感，以及如何通过“分染法”层层叠加，画出金丝雀头部亮丽的色彩光泽，而不会显得板滞僵硬。特别是关于“活眼点睛”的那几页，作者竟然能用寥寥几笔，就让原本静止的画中之鸟仿佛有了呼吸。这种对细节的极致追求，配合清晰的步骤图，让人仿佛置身于古时的画室之中。唯一让我感到略有不便的是，书中对于一些较为稀有的热带花卉的色彩参考相对较少，如果能增加一些不同季节、不同光照下花卉色彩变化的时令对照表，那就更加完美了。

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这本画册，简直是写给所有喜爱传统国画的初学者的一剂强心剂！我原本对工笔画那种精雕细琢的细节望而生畏，总觉得那不是我能轻易驾驭的领域。然而，当我翻开这《工笔花卉翎毛画法》时，那种高高在上的距离感瞬间消失了。它没有上来就抛出一堆晦涩难懂的术语，而是用非常亲切、甚至可以说是带着老艺术家手把手教学的口吻，将复杂的晕染、勾勒技巧分解成了一个个可以轻松消化的步骤。比如，对于花瓣边缘的“提白”处理，书里清晰地展示了不同力度和角度的笔触是如何影响最终的立体感和光泽度的，配图的清晰度和细节展示简直无可挑剔。我尤其欣赏它对“神态”的强调，不仅仅是形似，更是在教我们如何捕捉到花朵盛开时的那股“精气神儿”，读完第一部分的描摹练习，我已经迫不及待想动笔了。如果说有什么小小的遗憾，也许是对于色彩的调配上可以再更详尽一些，不过瑕不掩瑜，对于入门者来说，这本书的结构安排和耐心引导，已经足够让人信心倍增了。

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我是一位资深的写意画家，平日里最爱那份挥洒自如、一气呵成的快意，对工笔的拘谨向来敬而远之。这次尝试翻阅这本《工笔花卉翎毛画法》，纯粹是出于对国画各流派全面了解的好奇心驱使。坦率地说，这本书的理论深度远远超出了我的预期。它并非流于表面的技法罗列，而是深入探讨了历代名家在处理翎毛结构和花卉骨架时的核心理念。书中对“墨分五色”在工笔中的创新应用进行了独到的解析，提出了将写意的笔法融入工笔皴擦中的可行性，这对我这个偏爱写意的人来说，无疑打开了一扇新的大门。书中对于不同鸟类羽毛的纹理差异分析得极为精辟，比如如何区分绶带鸟的丝状长羽和孔雀的覆羽，所用的笔法和渲染顺序有着明确的逻辑链条。虽然部分章节的语言略显学术化，需要反复揣摩，但其提供的思想高度和技术深度，绝对值得所有希望在传统绘画领域有所突破的严肃学习者细细品味。

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这本书的实用性强到让我几乎把它当成了工具书来用。我并非科班出身，只是业余爱好，过去常因为找不到可靠的参考资料而感到迷茫。这本书的优势在于它的“可操作性极强”。它把复杂的步骤拆解得非常琐碎，比如画一朵重瓣牡丹，从底稿的疏密布局到初次的“平涂”，再到后续的“罩染”上色，每一个阶段的用笔力度和颜料浓度都有明确的数值或经验参考。最令我惊喜的是，它提供了一套非常实用的“常见错误及修正”章节，直接指出了初学者在勾线时容易犯的“线条断裂”和“过度描边”的问题，并给出了对应的挽救措施。这比单纯地教你怎么做要有效得多，因为它提前预判了我的困难。不过，如果能提供一些配套的视频资源链接作为辅助，让我们可以直观地看到笔尖在纸上的运行轨迹，那这本书的价值将能得到指数级的提升。

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