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价格:254.00元

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isbn号码:9789628930067

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鉴藏古籍的千年之约：一部关于中国古代手抄本与刻本的史诗 本书并非聚焦于某一特定类别的藏品，如珠宝玉石，而是将目光投向浩瀚的历史长河中，那些凝结着先人智慧与艺术匠心的中国古代书版文献。它是一部深度探究中国印刷术发展脉络，剖析不同历史时期手抄本与刻本艺术特征、流传价值与保存方法的百科全书式著作。 第一卷：翰墨之源——抄写时代的遗珍与工艺 本卷详细追溯了中国古代书籍从竹简、木牍向纸质载体转化的漫长历程。重点阐述了魏晋南北朝至隋唐时期，抄写本作为主流信息载体的地位与技术特点。 纸张的革新与书写媒介的演变： 从东汉蔡伦改进造纸术后，麻纸、皮纸、稻草纸等不同材质在不同地域和用途中的应用，及其对书写质感的影响。 “书手”的技艺与流派： 深入分析了不同朝代著名书写家（书手）的书体风格，如唐代的“欧体”、“颜体”在官方文书和佛经抄写中的普及，以及宋代文人士大夫之间流行的行草趣味。书中收录了大量高清拓片与摹本细节，对比了工整的“经生楷”与飘逸的“文人手稿”在笔法、墨色上的差异。 校勘与装帧的艺术： 详细介绍了古代书籍的初步装帧形式，如卷轴装（“卷”）如何演变为经折装（“册页”）的过程。重点解读了校勘符号体系的形成，这些符号不仅是知识校对的工具，也成为古代抄本独特的视觉元素。探讨了“朱墨套印”在早期抄本校注中的出现，预示了印刷技术的融合。 “秘书”的保护与流传： 考察了古代皇家图书馆（如汉代的天禄阁、唐代的弘文馆）和私人藏书楼（如宋代的秘阁、明代的藏书楼）的典藏制度，以及这些珍贵抄本在战乱和更迭中失散、重聚的历史轨迹。 第二卷：活字之光——雕版印刷的黄金时代与技术飞跃 本卷将焦点完全转移至雕版印刷术的成熟与鼎盛时期，剖析其如何彻底改变了知识的传播格局。 雕版技术的成熟与区域特色： 从唐代的《金刚经》开始，系统梳理了雕版技术在五代、宋代的飞速发展。着重区分了不同地区的雕版风格，例如，四川地区雕版厚重、字口深峻的“蜀版”特色，与江南地区雕版精细、注重插图艺术的“闽刻”、“苏刻”之间的差异。 “宋刻本”的审美标准： 深入解析了宋代（尤其是北宋）刻本之所以被推崇为“古籍之冠”的原因。这不仅是技术上的考究，更是一种文人审美品味的体现。分析了宋版书的用纸（如澄心堂纸、皮纸）、墨色（如“乌金墨”）、版式设计（如“半栏”、“满栏”的取舍）和字体（如宋体初期的“宋搨体”）的综合美学。 雕版插图的兴盛与艺术价值： 探讨了雕版印刷如何催生了独立的版画艺术。书中用大量篇幅分析了宋元话本、医书（如《本草图经》）、类书（如《太平类苑》）中的插图，这些插图不仅是内容的辅助，更是研究当时社会风俗、服饰、建筑的直观图像史料。 刻书家的“流派”与商业模式： 揭示了宋元时期官方（如官刻）与私人（如坊刻、私刻）刻书背后的经济驱动力与学术追求。分析了著名的刻书世家，如浙江的“陈氏家刻”、福建的“涵芬楼”，他们如何通过严谨的校对和精湛的雕刻技艺，确立了自己的品牌声誉。 第三卷：技术与艺术的交融——明清刻本的多元化探索 明清两代，书籍出版进入了一个高度繁荣且风格多元的阶段，雕版技术被推向了极致，并开始与新兴的活字印刷技术进行融合尝试。 明代刻本的复古与创新： 明代初期，为了恢复和补充宋版书的缺佚，大量刻印了“仿宋本”。但随着文人阶层的崛起，私人刻书愈发注重“雅致”。重点分析了“版画的黄金时代”——如《西厢记》、《金瓶梅》等小说插图的成熟，其人物造型、场景描绘的写实程度达到了前所未有的高度。 清代官刻本的集大成与规范化： 考察了清代官方主导的大型文化工程，如《四库全书》的刻印情况。分析了武英殿刻本的特点——版式严谨、字口清晰，体现了清代官方对文化典籍规范化的追求。 活字技术的复兴与试验： 尽管雕版仍是主流，但清代学者如毕沅、闵齐orderEntry（闵齐orderEntry）等人对泥活字、木活字的重新应用和改良进行了详细记录。书中对比了活字本与雕版本在排版灵活性、校对效率上的得失。 藏书印记与流传序列的考证： 这一部分是鉴赏的重点。通过对大量明清旧籍上所见的藏书印（如“江南图书馆”、“某氏珍藏”）、题签、批校文字的辨识，构建起特定善本的流传谱系，教导读者如何通过这些“二手证据”来判断一部古籍的珍贵程度与历史背景。 结语：古籍文献的永恒价值 本书最终强调，无论是流传有序的唐代抄本，还是刻工精妙的宋代版书，亦或是图文并茂的明清刻本，它们都不仅仅是记载文字的载体，更是特定时代社会、政治、经济、美学和技术发展的缩影。本书旨在为古籍收藏家、版本研究者和传统文化爱好者提供一套全面而深入的鉴赏框架，使读者能够穿越时空，与古代的匠人与学者进行一场跨越千年的对话。

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与其他专注于单一领域的鉴赏书籍不同，这本书的跨学科视野令人耳目一新。它巧妙地将地质学、物理光学，甚至涉及到一定的艺术史论，进行了一次成功的融合。我特别喜欢它对“文化符号学”的探讨，即一块玉石的价值是如何被社会共识和文化传统所赋予的。书中引用了许多古代文献的记载，将现代的鉴定标准与历史的审美偏好进行了横向的对比，这让玉石的鉴赏不再是冷冰冰的科学分析，而变成了一种与历史对话的文化探索。这种深度的文化挖掘，极大地丰富了阅读体验，让人在学习“如何看”的同时，也明白了“为何要看重”。读完这一部分，我感觉自己对收藏这件事的理解上升到了一个新的层次，它不再是单纯的物质积累，而更像是在收藏一种流动的文化记忆和历史沉淀。

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这本书在实战应用方面的案例分析，简直是教科书级别的干货。我最欣赏的是它对不同历史时期和地域风格的玉料特征进行了细致的梳理。比如，它对清代宫廷玉雕的审美倾向、民国时期海派玉雕的创新手法，以及当代新工的理念冲突，都做了详尽的图文对照。我记得其中有一章专门对比了不同“色根”在不同光照下的表现，配上了近百张不同角度的高清实拍图，这种细致程度在以往的出版物中是极其罕见的。这对于我这样的业余爱好者来说，极大地拓宽了视野，让我明白了“美”的标准是流动的、是与历史文化深度绑定的，而不是一成不变的。书中的“避坑指南”部分也十分接地气，它没有回避市场上的常见陷阱，而是直接将那些高仿和优化处理的特征细节放大展示，提供了直接有效的辨别思路，让人读完后信心大增。

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这本书的编排结构非常适合我这种需要随时查阅资料的读者。它的索引做得极为详尽和科学，检索效率极高。我曾经为了确认一个特殊的“雪花棉”纹理特征，在其他资料中花费了近半小时，但在本书中，通过交叉引用的方式，我只用了不到两分钟就定位到了相关的讨论页码，并且那页的注释信息量非常饱满。此外，它还附带了一些非常实用的辅助材料，比如不同光源下的色彩校准建议，这在实际操作中简直是雪中送炭。很多书籍在讨论完理论后就戛然而止，但这本书像是为读者准备了一整套“工具箱”，从理论到实践，从宏观到微观，提供了完整的支持体系。可以说，它真正做到了“手边常备，时常翻阅”的实用价值，是案头不可或缺的鉴赏辞典。

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我花了整整一个周末，才算把这本书的理论基础部分粗略地通读了一遍，感受最深的是其逻辑构建的严密性。作者并非简单地罗列知识点，而是构建了一个清晰的知识体系框架，从矿物学的起源讲到现代优化技术的辨析，层层递进，深入浅出。特别是关于“种水”的界定部分，作者并没有使用那种晦涩难懂的行话，而是通过大量形象化的比喻和对比案例，将那些抽象的物理概念具象化了。我特别留意了它对“刚性”与“柔性”光泽的区分，书里给出的图例和描述，让我对以往模糊的认知有了颠覆性的理解。这本书的价值在于，它不仅仅告诉你“是什么”，更细致地解释了“为什么是这样”，这种溯源式的讲解，极大地提升了读者的理论深度，让人在面对市场上层出不穷的新概念时，能够保持清醒和批判性的思考，而不是盲目跟风。

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这本书的装帧设计简直是艺术品，封面那一抹温润的翠绿，触感光滑细腻，光是放在书架上，就如同陈列着一件珍贵的古董。内页的纸张选择也十分考究，厚实且带有哑光质感，即便是长时间翻阅，眼睛也不会感到疲劳。尤其值得称赞的是，书中对色彩的还原度极高，那些经过历史沉淀的皮壳光泽、冰种的通透水头，以及不同色系的翠色分布，都清晰可见，仿佛能透过图片触摸到实物的质感。我之前买过几本图录，要么是色彩失真，要么是印刷粗糙，但这本书完全没有这个问题。它在视觉体验上带来的享受，已经超越了一本工具书的范畴，更像是一本高端的摄影画册。无论是对于初学者还是资深藏家来说，这种精良的制作工艺本身就是一种价值的体现，能让人在鉴赏内容之前，就对作者的专业和用心程度给予高度肯定。这种对细节的执着，也预示着内容部分的严谨性。

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