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出版者:甘肃人民（甘肃人美）

作者:邢天杰编绘

出品人:

页数:0

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出版时间:

价格:12.0

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isbn号码:9787805885070

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雕塑入门：从泥土到不朽的塑形艺术之旅 本书不包含《素描起步》中的任何素描技巧、透视原理或人物速写练习。 本书是为渴望踏入三维艺术殿堂的初学者量身定制的、详尽而实用的雕塑入门指南。它聚焦于物质的触感、体积的构建以及空间的处理，引导读者将脑海中的构想转化为具有实体重量和存在感的艺术品。 --- 第一部分：雕塑的基石——材料与工具的对话 雕塑，不同于平面的绘画，它要求艺术家与材料进行直接的、物理的互动。本书的第一部分将带你深入了解支撑雕塑艺术的物质基础，帮助你理解每种材料的脾性与潜力。 第一章：认识你的伙伴——雕塑材料概览 我们不会讨论纸张的纤维结构或石墨的硬度。本章的重点在于那些能够被塑形、切割、粘合和铸造的实体材料。 粘土（Clay）：基础与可塑性 详细区分陶瓷土（陶土、瓷土）、油基粘土（Plasticine）和聚合物粘土。 讲解粘土的含水量控制，如何避免开裂和塌陷。 介绍粘土的“记忆性”——可回收利用的特性及其在创作过程中的优势。 石膏（Plaster）：从液态到固态的瞬间定格 聚焦于不同类型石膏的特性（如巴黎石膏、水硬性石膏）及其凝固时间。 安全操作指南：粉末与水的混合比例，避免呛咳和过快凝固。 石膏在模具制作中的初步应用——为后续的铸造打下基础。 木材（Wood）：温暖的纹理与挑战 不同硬度木材（如椴木、胡桃木）的选择标准，及其对细节雕刻的影响。 木材的纹理方向性：如何顺着纹理雕刻以防止崩裂，以及“逆纹”带来的特殊肌理效果。 软金属与蜡（Wax）：熔化与注入的魔法 介绍铸造过程中至关重要的“失蜡法”所需的主要材料——雕塑蜡。 蜡的熔点与粘稠度对精细造型的影响。 第二章：掌控你的工具箱——从粗加工到精修 本章详述了与上述材料相配合的专用工具，这些工具是实现雕塑家意图的延伸手臂。 粘土工具的精妙运用 木制和金属环形工具（Loop Tools）：如何利用不同形状的金属环精确地移除或堆积材料。 骨塑工具（Ribs）：用于平滑表面、检查曲率的工具选择。 压花与刻划工具：为作品增加表皮肌理（如皮肤、岩石、织物）的方法。 木雕与石雕的动力系统 手工凿（Chisels）的选择与打磨：不同角度的刃口如何影响木材或石头被移除的效率和干净度。 气动和电动工具（如雕刻机、角磨机）的安全操作规范和附件更换。 磨削与抛光：从粗砂纸到镜面抛光所使用的专业研磨剂。 支撑结构与骨架的构建 强调雕塑的稳定性：如何用铁丝、木条或铝管制作“内骨架”（Armature）。 处理大型作品时，骨架与粘土重量之间的平衡计算，防止重力导致的结构性破坏。 --- 第二部分：从二维构思到三维实现 雕塑创作并非盲目堆砌，它需要严谨的空间思维。本部分侧重于如何将概念转化为可触摸的实体。 第三章：形式的诞生——体块的建立与动态平衡 本章完全摒弃了平面透视的概念，转而探讨“体块感”和“空间占据”。 体积的感知与表达 学习如何观察和理解物体在三维空间中占据的实际体积，而不是其轮廓线。 “体块分解法”：将复杂形态分解为基本几何体（球体、立方体、圆柱体），并以此为基础进行堆叠和融合。 正形与负形（Positive and Negative Space）：理解雕塑周围的“空气”是如何定义雕塑本身的。如何通过处理负形来增强主体雕塑的张力。 动态与平衡的力学 重心分析：如何确保雕塑在物理上能够稳定站立或悬挂，即便是在动态的姿态下。 平衡线的运用：设计人物或抽象形态时，如何通过倾斜的轴线来传达运动、稳定或不安感。 “视觉重量”：即使质量相同，深色、密集的区域看起来比浅色、稀疏的区域更重，如何利用这一点来引导观众的视线。 第四章：表面处理——光影、肌理与叙事 雕塑的美感很大程度上取决于它如何与光线互动。本章着重于表面的“语言”。 光线的“捕捉”与“反射” 不同光照下，曲面的处理方式：光滑的表面强调光线的反射轨迹，粗糙的表面则将光线散射。 如何通过渐变的曲率（如高光区到中间调的过渡）来暗示体量的膨胀或收缩。 肌理的语言学 详细示范如何使用工具制造出模仿自然界中不同质感的表面——粗粝的岩石、光滑的皮肤、风化的木头。 肌理与情感表达：粗糙的肌理常用于表现痛苦或原始力量，光滑的肌理则倾向于永恒与冷静。 锈蚀、风化与时间的痕迹 对于最终需要铸造或永久陈列的作品，如何预先在模型上雕刻出“时间流逝”的痕迹，为成品增添历史感和故事性。 --- 第三部分：从模型到永恒——铸造与完成技艺 真正的雕塑艺术往往涉及将脆弱的临时模型转化为持久的艺术品。本部分是关于复制、转化和最终呈现的专业流程。 第五章：模具制作——分离与复制的艺术 这是雕塑创作中最具技术性的一环，决定了最终作品的精度。 单体与复合模具的区分 讲解制作简单模型的分体式模具（Two-Part Mold）的步骤，包括如何设置分模线和使用脱模剂。 硅胶模具的奥秘：为何硅胶是捕捉精细细节的最佳选择，以及如何控制其流动性和气泡的排除。 石膏外壳的强度支撑 制作支撑石膏壳（Mother Mold）的必要性，以抵抗铸造材料的压力。 定位销（Keys）的设计与嵌入，确保分模时各部分精准对齐。 蜡模的脱蜡过程（适用于青铜铸造） 详解如何将石膏模具中的蜡模取出，并进行“修模”（Chasing the Wax）以修正铸造前留下的瑕疵。 第六章：材料的转化——铸造基础与表面着色 本章不再涉及铅笔的硬度，而是聚焦于高温熔化与冷却的工业美学。 低温铸造入门（树脂/石膏） 介绍浇注（Pouring）的技巧，如何缓慢注入材料以避免产生空隙或气泡包裹在内部。 树脂塑形的基础知识：固化剂与基材的配比及其对透明度和强度的影响。 青铜铸造的初步概念（概念性介绍，不包含冶金细节） 简述失蜡法（Investment Casting）的流程，强调高温焙烧模具和金属浇注的危险性与专业性。 锈色与包浆（Patina）：赋予雕塑灵魂的化学反应 详细介绍铜、铁等金属表面处理的化学方法，包括硝酸铁、硫化钾等常用化学制剂的使用。 如何通过加热和化学喷洒来控制颜色和纹理，实现从深黑到翠绿的色彩变化。 有机材料的保护：木材和粘土作品的最终密封、打蜡或上油处理，以抵抗环境侵蚀。 --- 结语：雕塑的持续探索 本书为你提供了从零开始建立三维思维和物质操作能力的框架。雕塑的乐趣在于其不可逆转的物质性，每一个移除的切口、堆积的泥团，都将伴随作品直至最终完成。拿起你的工具，感受材料在你手中发生形变的力量，开启你对体积和空间的全新理解。

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我最近沉迷于建筑速写，跑遍了城市里的大街小巷，却发现传统的人体或静物素描基础很难直接迁移到复杂的建筑场景中。幸运的是，我找到了这本《透视与结构：城市风景素描指南》。这本书完美地弥补了传统素描教材在“空间感”和“结构精确性”上的不足。它从一开始就将透视原理与实际建筑场景紧密结合，不是抽象地讲解三点透视，而是直接展示如何快速捕捉街角、远处的山丘、以及高楼大厦的消失点。书中对比例的把控技巧非常实用，教你如何通过参照物快速确定物体在画面中的相对大小，避免了因为比例失调导致的“头重脚轻”的尴尬。更让我惊艳的是，它不仅教你画“看得见”的结构，还教你如何处理“看不见”的结构，比如屋顶的内部结构、门窗的深度等，这些细节的补充让我的建筑速写瞬间“活”了起来。作者还专门介绍了几种快速勾勒城市轮廓的笔法，那种果断、自信的线条，极大地提高了我的速写效率，让人在面对复杂的城市肌理时不再手足无措。

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我之前买过几本号称“速成”的素描书，结果要么是成品图堆砌，要么是理论讲得高深莫测，完全不知道从何下手。但《艺术家的眼睛：素描的深度观察》这本书，完全走了一条不寻常的路线。它更像是一本关于“如何看待世界”的哲学书，而不是一本纯粹的技法手册。作者非常强调观察力的培养，提出了许多独特的视角和练习方法，比如“负空间”的训练，让我开始关注物体周围的空白区域，这极大地提升了我对构图平衡的敏感度。书中对线条的运用分析得极其深刻，它不仅仅是边界的标记，更是一种情感的表达和结构的支撑。有一章专门讲了“线条的情绪”，分析了不同运笔力度和速度如何传达出坚硬、柔软、流动或静止的感觉，这对我启发非常大。而且，书里收录了大量大师素描的局部放大解析，不像其他书只是简单地展示成品，而是深入到笔触的肌理和排线的方向，让你能感受到艺术家创作时的思考过程。读完这本书，我感觉自己不只是学会了怎么画，更学会了怎么“看”，这对于任何一个想在视觉艺术上有所建树的人来说，都是无价的宝藏。

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这本《基础素描教程》简直是为我这种零基础小白量身定做的！书里从最基础的工具介绍开始，讲得细致入微，什么铅笔的硬度、纸张的选择，甚至握笔的姿势都有图文并茂的示范，让我一下子就找到了方向感。最让我惊喜的是，它并没有直接跳到复杂的静物写生，而是花了大量的篇幅讲解“光影”和“形体”的构成原理。书中的光影分析图简直是神来之笔，清晰地展示了物体表面亮部、暗部、反光和投影之间的微妙关系，让我明白了素描不是简单的描摹轮廓，而是对三维空间在二维平面上的还原。那些关于立方体、球体、圆柱体这些基本几何体的素描练习，虽然看似简单，但却是构建后续一切复杂形体的基础。我跟着书里的步骤一步步尝试，第一次画出有点“立体感”的球体时，那种成就感是无可比拟的。作者似乎非常理解初学者的困惑和瓶颈期，在讲解透视法时，没有用晦涩的几何学术语，而是通过实际的例子来阐述近大远小的原理，非常实用。这本书的编排逻辑非常清晰，像一个循序渐进的阶梯，每爬一级都能巩固前一级的知识，让我对素描的世界充满了信心和探索的欲望。

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如果说市面上大多数素描书是教你“如何描绘”，那么这本《光影的魔术师：高级素描技法精讲》则专注于“如何塑造”。这本书显然是为已经掌握了基础，想要冲击更高表现力的学习者准备的。它的核心在于对材质的表现技巧，这一点在我看来是市面上许多入门书籍严重缺失的环节。书中用了大量的篇幅来解构不同材质的固有色、反光率和纹理结构，比如如何用细腻的排线表现丝绸的柔滑，如何用厚重的炭笔对比来捕捉金属的冷峻质感，以及如何通过湿擦和叠压来模拟皮肤的温润。尤其是关于“炭笔与石墨的混合运用”那一章节，提供了许多非常实用的混合技法，让我突破了单一媒介的局限。此外，作者对“氛围感”的营造也有独到的见解，他不仅仅关注主体，更关注背景与主体之间的关系处理，如何通过环境光和空气透视来增加画面的空间纵深感和叙事性。这本书的难度不低，需要学习者有一定的耐心和重复练习，但一旦掌握了其中的精髓，作品的表现力绝对会提升一个档次。

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这本书的装帧设计本身就透露出一种古典的美感，翻开后发现其内容也同样沉稳而扎实，它更像是一本关于“素描的哲学与历史”的读物，而非单纯的技巧指南。我欣赏作者在开篇对“素描”一词的溯源，以及它在西方艺术史中扮演的核心角色。书中穿插了大量文艺复兴到印象派时期大师们素描手稿的深度分析，这些分析不是停留在表面的技巧层面，而是深入探讨了素描如何作为“思想的草稿”来指导最终油画或雕塑创作的思路。比如，书中对比分析了达芬奇的解剖素描与伦勃朗的光影素描，前者追求结构和精确，后者则更侧重于瞬间的情感捕捉，这种历史维度的对比让我对素描的多种可能性有了更宏大的认知。此外，书中对“比例与和谐”的论述非常精彩，引用了黄金分割等经典美学原理，教导读者如何在看似随性的线条中构建起内在的秩序感。阅读它，就像是和一位博学的导师进行了一场跨越时空的对话，它教会我的不仅仅是如何用铅笔，更是如何带着历史的厚重感和审美的深度去进行创作。

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