他將包浩斯(Bauhaus)精神帶入攝影,引發德國當代攝影革命浪潮;
現在,他要挑戰你的攝影眼。
在靈光消逝的年代,
讓理性與感性兼具的系列攝影練習 全面啟動你的攝影眼,
做自己的策展人!
偶爾「撿」到一張不錯的照片,不難;
持續創作一系列扣人心弦的攝影作品,不容易!
你跟大師的差別就在這裡 —
懂得用相機創作專題,完整表達想法與意念,才是真正懂攝影。
創作、教學超過一甲子,德國當代攝影大師、包浩斯(Bauhaus)學派傳人 —哈洛德.曼特(Harald Mante)教授發現:讓攝影天天進步最有效的訓練方法之一,就是「系列攝影」(serial photography)。
承繼了康定斯基(Wassily Kandinsky)、克利(Paul Klee)、伊登(Johannes Itten)等大師的藝術涵養,曼特教授素以其對色彩與構圖之獨到眼光聞名於世;正統藝術訓練出身的他將理性設計思維與感性攝影創作結合,使看似漫無章法的拍攝動作轉化為有條有理的系列攝影,幫助你全面啟動攝影眼,做自己的策展人,天天都從創作中發現樂趣。
台灣人正缺乏的藝術學校專用練功書
從日常生活中的攝影刺點開始,曼特教授在本書中詳細分析系列攝影的理論與實踐,除了從設計理論與色彩理論來探討攝影必備的形式(formal)之美,也針對各種被攝主體的特性分析寫實或抽象表現的無限可能性,深入挑戰你的藝術神經,落實「藝術即生活」的包浩斯精神;更親自示範最適合系列攝影專題呈現的「影像組合」(tableau)技法,讓你從創作端到展覽端一次到位,掌握完整呈現創作思維的佈展策略。
總而言之,這是一本台灣人正缺乏的藝術學校專用練功書!
什麼是「系列攝影」?
曼特教授認為,與其漫無目標地尋找一個看起來吸引人的「決定性瞬間」,系列攝影的練習將更能幫助你提升攝影力。
所謂「系列攝影」,是針對單一或多個主題拍攝一系列照片,每一張照片都要符合該系列的命題重點:某個主題、物體、形體、色彩、情緒,都可以成為創作靈感的來源。其優點是,隨時隨地都可以拍攝,主題不拘、長短不限,作品呈現形式更是自由,不同主題之間更可以混搭出嶄新議題,能夠充分激發攝影者的創造力。
跟著曼特教授的腳步開始練習後,你會發現自己能夠以更獨到、更有趣的方法來觀看這個世界;而藉由持續累積拍攝經驗,你也會發現自己的系列作品天天都有進步!
關於「包浩斯」
影響百年來當代設計與美術甚鉅的包浩斯(Bauhaus),原本只是一所僅維持了14年的德國藝術學校,卻在世界各地的建築、設計、美術、戲劇等領域發光發熱,甚至改變了整個世界的樣貌。
曼特教授求學時,包浩斯學校雖然早已解散,但他在德國工業設計師的搖籃 — 威斯巴登工藝學校(Werkkunstschule Wiesbaden)學習平面設計與繪畫時,便在文森.韋伯(Vincent Weber)的指導下認識了繪畫大師康定斯基、克利與伊登等人的作品,並將包浩斯的精神帶入攝影實踐之中,成為對德國當代攝影影響甚鉅的一代宗師。
包浩斯學校本身就是個大膽的藝術教學實驗。它理論與實務並重,將工藝與純藝術結合,打破了藝術家與工匠之間的藩籬,其教師均為當時各領域之佼佼者;當代攝影大師 — 摩荷里-那基(László Moholy-Nagy)便為其中之一。
【本書特色】
德國當代攝影大師、包浩斯第二代傳人親傳,理性設計思維與感性攝影的結合
自設計理論與色彩理論切入,借用古典繪畫基礎的養分,強化攝影人的藝術實踐基礎
35個攝影專題的深入分析,8個影像組合展示示範,還有2個親切的佈展重點叮嚀,創作端與展覽端一次到位
適用領域:藝術創作 / 報導攝影 / 婚紗攝影 / 劇照攝影 / 紀實攝影 / 旅遊攝影
攝影初學者與進階者都適用的藝術學校專用練功書
哈洛德.芒特Harald Mante
1936年生於柏林,德國當代重要攝影家、包浩斯(Bauhaus)學派第二代傳人,因將康定斯基(Kandinsky)、克利(Klee)等藝術家熱愛的構圖與色彩設計元素帶入攝影中而聞名。
芒特早年於德國工業設計師的搖籃 — 威斯巴登工藝學校(Werkkunstschule Wiesbaden)學習平面設計與繪畫,後於多特蒙工藝與應用藝術學校(Dortmund Polytechnic)及特理爾(Trier)的歐洲藝術學院(European Art Academy)教授攝影設計(Photographic Design),亦在諸多講座與工作坊(workshops)中授課。
芒特教授已出版過許多藝術類書籍及教科書,攝影作品曾在世界各地許多博物館及私人收藏中展出,他的書與月曆也是許多收藏家競相蒐羅的對象。
官方網站: www.harald-mante.de/
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读完这本书,我最大的感受是它真正摆脱了器材崇拜的窠臼,将重点完全回归到了“影像的本质”上来。书中关于构图理论的探讨,颠覆了我以往对黄金分割或三分法的那种僵硬理解。作者强调,真正的构图服务于叙事,而不是为了形式上的美观。它花了大量篇幅讨论“留白”在东方美学中的意义,以及如何通过视觉重量的平衡来引导观者的视线流向,从而讲述一个完整的故事。这种人文精神的融入,让这本书的厚度一下子增加了好几层。它引导我去思考,我的照片到底想对观众说什么?如果仅仅是清晰、曝光准确,那充其量只是一个记录,而非“摄影作品”。这种从技术到哲学的跨越,非常难得,它逼迫读者走出按快门的舒适区,进入到更深层次的审美思考之中。
评分这本书的装帧设计真是让人眼前一亮,那种低调的奢华感扑面而来。内页的纸张质感也处理得非常到位,厚实且带有微微的纹理,翻阅起来有一种沉甸甸的、对内容尊重的仪式感。印刷的色彩表现力尤其令人称赞,即便是最微妙的灰阶过渡,也能展现出丰富的层次感,使得那些复杂的曝光和影调变化清晰可见,而不是简单地堆砌色块。这种对物理媒介的极致追求,无疑提升了阅读体验的层次。我尤其喜欢它在版式布局上的克制与精准,文字与留白的平衡把握得恰到好处,阅读的舒适度极高,不会有那种信息爆炸带来的压迫感。封面设计上,虽然没有使用华丽的图案,但那种极简的排版和恰当的字体选择,已经传达出一种专业且深邃的内涵,让人忍不住想立刻翻开探索一番。总而言之,从拿到书的那一刻起,就能感受到出版方在细节打磨上所付出的心血,这绝对是一本值得珍藏的视觉艺术品。
评分这本书的配套资源和延伸阅读建议部分做得相当用心,这显示了作者和出版团队对读者学习路径的长期关怀。它并没有在最后一页就戛然而止,而是提供了一系列可供进一步探索的资源链接和推荐书目,这些推荐跨越了摄影史、艺术史甚至心理学领域,形成了一个相互支撑的知识网络。我发现,作者对其他艺术门类的涉猎之广,也反过来滋养了他的摄影观点。比如,他对电影蒙太奇手法的引用,就极大地拓宽了我对序列影像叙事的理解。这种跳出摄影圈的视野,为我打开了看待光影世界的新大门。更实用的是,书后附带的几个小小的“自查清单”,非常适合在实际拍摄中快速回顾关键点,相当于一个便携式的检查工具,让学到的知识能够有效地固化下来,而不是停留在纸面上。
评分我花了整整一个周末的时间来仔细研读这本书的理论部分,它的叙事逻辑简直是教科书级别的流畅。作者似乎有一种天赋,能将那些原本晦涩难懂的光学原理和复杂的曝光三角关系,用一种近乎诗意的语言娓娓道来,让人在不知不觉中就领悟了其中的精髓。特别是关于景深控制和焦外成像的章节,阐述得极其透彻,不再是那种干巴巴的数学公式堆砌,而是结合了大量的实际案例进行反向推导,使得理论与实践的结合点异常清晰。我发现,以前困扰我的许多“为什么”——比如为什么在特定光线下需要使用特定的滤镜——在这本书里都找到了令人豁然开朗的解答。这种知识的结构化梳理能力,非常强大,它不是简单地罗列技巧,而是构建了一个完整的认知框架,让你知道每一步操作背后的底层逻辑是什么,从而能够举一反三,应对各种突发状况。对于想要系统性提升自己摄影思维的爱好者来说,这本书提供的底层逻辑训练是无价的。
评分这本书的案例分析部分处理得非常巧妙,它没有采用那种人人都拍过的“标准大片”作为范例,而是选择了一些看似普通,实则暗藏玄机的日常生活场景。通过对这些场景的深度剖析,作者展现了如何从平凡中提炼出不凡的视觉语言。比如,书中对一个雨后街角的描述,光线如何被湿漉漉的路面反射和漫射,以及如何利用小小的窗帘缝隙中的光束来塑造主体,这些细节的捕捉和解读能力令人叹服。更重要的是,作者没有止步于“拍到了什么”,而是深入挖掘了“为什么这么拍能打动人”。这不仅仅是技术演示,更像是一次深入心灵的对话,探讨创作者在按下快门前的瞬间,内心是如何进行取舍和判断的。我感觉自己不是在看一本技术手册,而是在观摩一位大师的创作手稿,那些犹豫、尝试和最终决定的过程,都清晰地展现在眼前,极具启发性。
评分有趣的寻常摄影之术,摄影师就是拥有鹰眼的人。
评分选图不错,难度较低,适合初学者。
评分有趣的寻常摄影之术,摄影师就是拥有鹰眼的人。
评分很实用的练习方案,要多出去拍系列。就像书里说的,一张照片看的时候,往往觉得还好,可是一组相同主题的照片放在一起就变得有意思起来。
评分有趣的寻常摄影之术,摄影师就是拥有鹰眼的人。
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