具体描述
本書是沈從文教授歷年來發表於報刊上的討論中國各種傳統工藝和歷史、文物考據等文章的結集，內中亦有未發表過的文章。
作者研究文史是從結合文物方法入手，文筆獨特，常有精警的個人見解，對從事於工藝創作者常提出語重深長的建議，彌足珍貴。書中還有幾篇抒情的散文，用輕鬆筆法描繪湘西打歌和走馬風俗、北京建築風貌等，細細道來，親切感人。
作者简介
沈从文（1902-1988），小说家、散文家。原名沈岳焕，湖南凤凰人。1918年小学毕业后，随本乡土著部队在沅水流域各县生活，后正式参加军队。 1922年受五四运动影响离开军队到北京，学习写作。1924年起开始在北京《晨报》副刊、《现代评论》、《小说月报》发表作品。1934年至1935 年，在北京、天津编辑《大公报》文艺副刊。抗战爆发后在昆明西南联大任教。新中国成立后，在中国历史博物馆和故宫博物院工作。著有长篇小说《边城》、《长河》等，散文集《湘行散记》、《湘西》等。
目录信息
读后感
这本《龙凤艺术》具编者后记说，是在原商务香港版38篇的基础上增删而成，收了沈先生的文物论文48篇。在网上搜了一下商务香港版的目录，似乎香港版的38篇这本里面都有，只是重新编了顺序，不知编者所谓的“删”是指什么，我猜是指插图吧。 《龙凤艺术》在这版之前据说出过...
评分前日购得此书。这套十月文艺的《沈从文集》从08年开始，用了将近两年，陆陆续续出齐了6本，编者用心，装帧也是极好，总以为是除了麓院和江苏教育前后两版《沈从文别集》之外，目前最好的从文先生的选集了。 可昨日晚间打开塑封套，翻到最后的编后记一读，着实使人大跌...
评分这本《龙凤艺术》具编者后记说，是在原商务香港版38篇的基础上增删而成，收了沈先生的文物论文48篇。在网上搜了一下商务香港版的目录，似乎香港版的38篇这本里面都有，只是重新编了顺序，不知编者所谓的“删”是指什么，我猜是指插图吧。 《龙凤艺术》在这版之前据说出过...
评分前日购得此书。这套十月文艺的《沈从文集》从08年开始，用了将近两年，陆陆续续出齐了6本，编者用心，装帧也是极好，总以为是除了麓院和江苏教育前后两版《沈从文别集》之外，目前最好的从文先生的选集了。 可昨日晚间打开塑封套，翻到最后的编后记一读，着实使人大跌...
评分前日购得此书。这套十月文艺的《沈从文集》从08年开始，用了将近两年，陆陆续续出齐了6本，编者用心，装帧也是极好，总以为是除了麓院和江苏教育前后两版《沈从文别集》之外，目前最好的从文先生的选集了。 可昨日晚间打开塑封套，翻到最后的编后记一读，着实使人大跌...
用户评价
我得说，这次阅读经历像是一场**高概念的哲学思辨之旅**，只不过载体是抽象的符号和结构，而非具象的绘画或雕塑。这本书探讨的不是“美不美”，而是“为什么存在”以及“意义如何构建”。它从符号学的角度切入，分析了西方现代主义建筑中对“极简主义”的推崇，将其置于后工业时代人类对纯粹形式的回归需求的大背景下进行解码。书中关于“负空间”的讨论尤其引人入胜，作者巧妙地将建筑中的负空间概念类比到音乐的“休止符”和文学中的“留白”，指出这些看似“无”的部分，恰恰是定义和承载意义的关键。我跟随作者的思路，穿梭于康定斯基的抽象画作和密斯·凡德罗的玻璃幕墙之间，感受那种理性至上的冷峻美感。文风犀利而富有穿透力，充满了批判性的思辨，几乎没有一句多余的形容词。它挑战了读者对“装饰性”的固有偏见，迫使我们去思考，在信息爆炸的时代，我们如何筛选和定义那些真正能与我们进行深度对话的“形式语言”。读完后，我发现自己看任何平面设计或空间布局时，都会下意识地去寻找其背后的“逻辑骨架”。
评分这本书的叙事风格非常**贴近生活，充满了市井的烟火气和生动的对话**。它聚焦于二十世纪中叶，在某个南方沿海小镇上，一群民间手工艺人如何应对工业化浪潮冲击的故事。作者没有采用宏大的历史叙事，而是通过几位主要人物——一个会做面塑的小贩，一个坚持手工打铁的师傅，和一个靠织补为生的老奶奶——的视角，展现了他们在传统技艺面临被机器取代时的挣扎、坚守与妥协。我印象最深的是关于“色彩”的描述，那位面塑师傅对于不同季节特定水果颜色的调配秘诀，完全是靠经验积累和口耳相传，书中将这些瞬间定格，写得极其细腻入微，仿佛能闻到面团发酵的甜味。这种文学性的描绘，使得技术性的内容完全被情感和人性的温度所包裹。它不像是一本严肃的学术著作，更像是一部温暖的、关于“失落的美好”的纪实小说。通过这些小人物的命运沉浮，我看到了传统文化在社会转型期所经历的阵痛，那份朴素的、对美好事物近乎本能的追求，比任何宏伟的宣言都更具感染力。
评分这本书的书名是《龍鳳藝術》，但我的阅读体验却完全围绕着**古代器物修复与传承**这个主题展开。 我原本以为会看到一些关于龙凤图腾在艺术史上的演变，或者是什么流派的理论探讨，结果完全出乎意料。这本书深入剖析了宋代汝窑瓷器的胎土配方和釉面烧制过程中温度控制的微小差异是如何影响最终呈现的“天青色”的。作者花了整整三章的篇幅，细致地描述了文物修复师在面对一块残破的明代刺绣时，如何运用古籍中记载的天然染料，进行色彩的精准比对与再现。那种对待传统工艺近乎痴迷的严谨态度，让人在阅读时仿佛能闻到实验室里药剂和泥土混合的气味。尤其让我震撼的是，作者引用了大量口述史料，记录了几位国家级非遗传承人对于“手感”的描述——他们如何仅凭指尖的触感，就能判断一块玉器的年代和雕刻手法。这不仅仅是技术手册，更像是一部关于时间、耐心与匠人精神的史诗，让我对“艺术”的理解从视觉转移到了触觉和历史的厚重感上。全书的叙事节奏沉稳，引用数据详实，读起来需要极大的专注力，但收获的知识密度极高，让我重新审视了“保护”本身就是一种至高的“创作”。
评分这是一部**极度偏向于跨文化交流与符号移植的比较研究**。这本书的大部分篇幅都在追溯某些特定的图案元素，比如螺旋纹或几何网格，是如何在不同地理区域和文明体系中被挪用、重构并被赋予了全新的宗教或社会含义的。作者用严谨的考据方法，对比了古希腊米诺斯文明的陶器纹样与北欧维京时期的金属工艺中相似的螺旋结构，试图寻找一种可能存在的、史前人类共同的宇宙观表达。书中的图版和注释多到令人目眩，每张图片后面都附有详尽的来源和不同的释义版本。这种多角度、多层次的解析方式，极大地拓宽了我对“文化借用”的理解——它不再是简单的模仿，而是一种深层次的、有时甚至是无意识的文化“共振”。文风偏向于严谨的田野调查报告与学术论文的结合体，逻辑链条清晰，但阅读难度较高，需要读者具备一定的古代文明史基础知识才能完全跟上作者的论证步伐。但正是这种“百科全书式”的广度，让我领略到人类文明在不同角落里，对同一基本形态的惊人默契。
评分读完这本书，我感觉自己仿佛经历了一次**深入探寻“材料本性”的感官之旅**。作者的核心论点似乎是：艺术的最终表现力，源于对材料自身物理属性的极致尊重和开发。书中详细描述了不同种类木材（如椴木、橡木、乌木）在被雕刻和上漆后，其耐久性、纹理的自然走向如何反过来“指导”雕刻家的创作方向。篇幅集中在建筑木构件和大型家具的制作工艺上，特别是关于榫卯结构的力学美学分析，令人叹为观止。作者用近乎诗意的语言描述了木材的“呼吸”——水分的吸收与释放如何影响艺术品的稳定。更引人入胜的是，作者还探讨了矿物颜料中“颗粒大小”对色彩饱和度的决定性影响，例如，石英颗粒未被完全研磨透的青金石，会因为光线的散射而产生一种比精细研磨更深邃的“幽光”。整本书的论述非常注重实证，充满了对材料科学的敬畏，没有过多地进行主观的美学判断，而是通过科学的视角，揭示了那些看似神秘的工艺背后的硬核逻辑。这是一种非常务实，但又极其迷人的叙事方式。
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