具体描述
《交响乐艺术(附光盘)》由卞祖善、卞正兰编著，将引领读者走进交响乐艺术的殿堂。
编者首先从广义和狭义解读交响乐的艺术特征出发，用三首交响乐作品——拉威尔的《波莱罗》舞曲、普罗科菲耶夫的交响童话《彼得与狼》和布里顿的《青少年管弦乐队指南》作为“活的乐器法”，为读者打开交响乐艺术之门提供了三把“金钥匙”。
其后从交响乐的边缘作品入手，由浅入深、由简而繁地介绍进行曲、序曲、前奏曲、间奏曲、狂想曲、随想曲、交响诗、组曲、协奏曲和大型声乐一器乐作品的体裁特征，每种体裁分别介绍了十首经典名曲，并附有音乐主题的五线谱谱例。
协奏曲介绍了钢琴协奏曲、小提琴协奏曲和大提琴协奏曲各十首经典名曲，以及现代钢琴协奏曲和现代小提琴协奏曲的参考欣赏曲目各十首。
最后，介绍了古典交响曲和现代交响曲各十二首代表作，引领读者欣赏领会纯音乐的最高表现形式——交响曲的博大精深、恢弘深邃的艺术魅力。本书还附有CD一张，所选之音乐主题与书中各个章节的内容相对应，是一本欣赏外国交响乐艺术的入门手册。
《交响乐艺术(附光盘)》为艺术丛书之一。
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读后感
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用户评价
我阅读这本书时，常常感到一种强烈的代入感，仿佛自己正坐在一个老旧的录音棚里，亲眼见证一部伟大作品的诞生。作者对乐器本身的物理特性有着近乎痴迷的关注，他花了整整一章的篇幅，详细描述了不同材质的小提琴弓毛对手感和音色的微小影响，以及法国号的弯管设计如何影响了其音色的浑厚程度。这种对细节的极致追求，使得全书充满了工匠精神的底蕴。此外，书中对“集体心智”的探讨也十分深刻。作者分析了在大型管弦乐队中，个体演奏者如何自愿地将自我融入一个更大的声场中，这种高度的协作和牺牲，本身就是一种强大的艺术行为。他将指挥家比作是这个“集体心智”的锚点，负责在瞬息万变的音流中保持方向的统一性。阅读这些论述时，我不仅仅是在学习音乐知识，更像是在学习一种关于合作、专注和追求完美的哲学，让人读后心潮澎湃，对自己日常的工作和生活也产生了积极的触动。
评分这本书的语言风格极为典雅，但绝不矫揉造作，它像是一条缓缓流淌的河流，带着读者领略沿途的壮丽风景。作者在开篇就提出一个大胆的观点：我们对旋律的喜爱，可能根植于人类对自然界周期性律动的本能感知。随后，他便从生物学和物理学的角度，巧妙地引入了对奏鸣曲式中“呈示部”与“再现部”的结构分析，这种跨越学科的融汇，极大地丰富了我们对音乐形式的理解。我最喜欢的部分，是关于室内乐的论述，作者细腻地描绘了四重奏中每一个声部之间如对话般精妙的互动，那种既独立又相互依存的关系，被他描绘得如同精密的钟表结构一般。他没有将室内乐置于交响乐之下，而是强调了其在亲密感和即兴性上的独特价值。全书的论证逻辑严密，每提出一个观点，都有详实的历史案例或独特的听觉证据作为支撑，让人信服。读完后，我感觉自己对聆听音乐这件事的态度都发生了微妙的转变，不再是被动地接受，而是主动地去解码其中隐藏的结构与情感线索。
评分老实说，我原本以为这会是一本晦涩难懂的理论书籍，毕竟“艺术”二字往往意味着高深的门槛。然而，这本书的叙事手法极其平易近人，它更像是一部音乐家的成长史和心路历程的记录。作者用了相当大的篇幅去描绘他初次接触交响乐团排练时的震撼感，那种成百上千个呼吸汇聚成一股洪流的体验，被他捕捉得淋漓尽致。他没有过多地纠缠于复杂的配器法细节，反而更关注乐团成员之间的无声交流——眼神的交换、呼吸的同步、指挥家手势中蕴含的巨大信息量。书中收录了几段作者对二十世纪初几位重要指挥家的访谈记录，那些片段的真实感极强，仿佛能听到他们在录音室里略带沙哑的嗓音，讨论着如何平衡铜管组的力度与弦乐组的情感表达。特别令人惊喜的是，作者在谈及浪漫主义时期的作品时，引用了大量文学作品中的意象来佐证音乐的情感深度，比如用雪莱的诗句来比拟马勒交响曲中的那种宏大悲怆。这种跨学科的借鉴，极大地拓宽了阅读的维度，让原本抽象的音乐感受变得具体可感，极大地提升了阅读的乐趣和理解的深度。
评分这部作品的封面设计极具匠心，那种深沉的墨蓝与灵动的金色线条交织在一起，仿佛瞬间将人拉入了一个宏大而又细腻的音乐殿堂。翻开扉页，首先映入眼帘的是作者对于“听觉体验”的独到见解，他没有落入传统乐评的窠臼，而是用一种近乎哲学思辨的方式，探讨了声音是如何构建我们对世界的认知框架。书中大量的篇幅都着墨于早期巴洛克时期赋格曲的结构美学，尤其是对巴赫作品中那种层层递进、严谨而又充满生命力的复调线条进行了深入剖析。我印象最深的是作者对于“沉默”的论述，他认为在宏大的管弦乐织体中，适当的停顿和寂静，其份量甚至超过了最响亮的和弦，那是情绪张力得以积蓄和释放的必要空间。阅读过程中，我不得不频繁地停下来，重新回味那些文字描述的音乐场景，脑海中自动浮现出羽管键琴那清脆的敲击声，以及大提琴低沉的吟唱。这种文字与想象力的完美耦合，使得即便是对古典音乐知之甚少的读者，也能感受到其中蕴含的巨大能量和历史厚重感。作者的文笔流畅自然，仿佛一位经验丰富的指挥家，正手持指挥棒，引导着读者的注意力在不同的乐章间穿梭自如，引人入胜，绝非枯燥的学术说教。
评分这本书的结构安排堪称一绝，它巧妙地避开了传统的“年代顺序”或“作曲家列表”的线性叙事，而是选择了一种主题式的探索路径。比如，有一章专门探讨了“色彩”在管弦乐中的运用，从德彪西对木管乐器的精妙使用，到瓦格纳对和声的模糊处理，作者通过对比不同时代的作曲家如何“着色”，展现了音乐语言的演变。更让我耳目一新的是，作者对“观众参与感”的讨论。他认为音乐会不仅仅是表演者单方面的输出，观众的专注和期待本身也是构成完整艺术体验的一部分。他甚至幽默地分析了音乐厅里各种听众的“生态位”，从认真做笔记的乐迷到偷偷打盹的陪同者，这种略带戏谑却又充满洞察力的观察，使得整本书充满了生活气息。我尤其欣赏作者在处理那些“争议性”乐曲时的平衡感，他既能理解现代作曲家挑战传统听觉习惯的勇气，也能体谅普通听众初次接触时的困惑与不适，处理得鞭辟入里，不偏不倚，展现了极高的职业素养和人文关怀。
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