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出品人:

页数:113

译者:

出版时间:2007-6

价格:50.00元

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isbn号码:9787112091966

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好的，这是一份关于《建筑模型制作》这本书的简介，但内容完全不涉及建筑模型制作本身，而是聚焦于其他看似风马牛不相及但同样引人入胜的领域： --- 浮光掠影：探寻记忆的几何与光影的诗意 导言：时间的尺度与微观的宇宙 本书并非关于粘合剂的配比，亦非关于等比例尺度的精确运算。它是一部关于“构建”的哲学思辨，是关于“捕捉”瞬间的艺术实践。我们试图将目光从三维的实体模型转向更抽象、更具渗透性的领域：人类记忆的结构、光线在不同介质中的行为，以及日常生活中那些被忽略的、转瞬即逝的场景。 《浮光掠影》将带领读者进行一场横跨艺术史、物理学、心理学和城市哲学的深度漫游。我们相信，任何“构建”的冲动，其内核都源于对世界的认知和对时间流逝的抗争。因此，本书将从以下几个核心板块，构建起一个与实体建筑模型完全不同的知识景观。 --- 第一部分：无形的基石——记忆的建构与解构 第一章：记忆的误差与重塑 人类的记忆并非硬盘式的精确存储，而更像一座时刻在被修缮和改造的临时建筑。本章深入探讨认知心理学中关于“错误记忆”的现象。我们会分析记忆如何被情感、叙事结构和后来的信息所“污染”或“增补”。 我们将引入“心灵的景观图”（Mental Landscape Mapping）概念，讨论个体如何利用想象力来填补记忆中的结构性空缺。这其中不涉及任何实体模型，而是专注于大脑皮层中信息处理的非线性路径。我们甚至会模拟一套理论框架，用以衡量某一特定历史事件在不同代际人群中的“记忆损耗率”，如同分析一座古老建筑因风化而损失的表面细节。 第二章：非欧几里得的日常空间 我们日常所处的空间是具有明确边界和拓扑结构的，但当这些空间被经验化、被情感浸染后，其几何性质便开始扭曲。《浮光掠影》将借鉴非欧几里得几何的某些概念，来描述“归属感”与“疏离感”如何影响我们对房间、街道乃至城市的感知。 例如，一个充满创伤的房间，其内部的“空间体积”在心理上会急剧收缩，尽管物理尺寸未变。本书将通过对文学作品中空间描写的细致分析（例如卡尔维诺的《看不见的城市》），来阐释这种主观尺度的弹性。我们关注的不是如何精确地复制一座建筑的平面图，而是如何捕捉一个场景在特定心境下呈现出的“非理性几何形态”。 --- 第二部分：光语与材料的对话 第三章：色散：光谱中的情绪解码 光线是所有视觉构建的基础，但我们常常只关注其功能性（照明），而非其本质——信息载体。《浮光掠影》将深入探讨光的物理特性，特别是色散现象（Dispersion）在不同介质（如棱镜、水滴、大气层）中的表现。 本章将详细解析不同波长光线进入人眼后引发的生理及心理反应。例如，短波长（蓝光）与专注力的关联，以及长波长（红光）对时间感知的加速效应。我们不会讨论如何用灯光来照亮一个模型，而是讨论光本身如何“构建”出一种持续流动的、不可触摸的“时间建筑”。 第四章：半透明的哲学：阴影、雾与界限的模糊 如果说实体模型强调清晰的边界，那么本章则聚焦于边界的消融。阴影不再是缺乏光线的区域，而是一种积极的、参与构建场景的“负形结构”。 我们将分析艺术家如何利用半透明材料（如宣纸、薄纱、烟雾）来表达存在的脆弱性或潜藏的真相。这种对“不确定性”的拥抱，与严谨的比例尺模型追求的确定性形成了鲜明的对比。我们探究的是，当一个物体的轮廓变得模糊时，我们对“它是什么”的定义是否也随之改变。这部分是对信息不完整状态下人类感知系统的深度剖析。 --- 第三部分：时间的刻度与微动力的诗学 第五章：熵增与缓慢的衰变：材料的生命周期 建筑模型通常追求永恒的静态美。然而，本书关注的是材料在时间面前的不可避免的“衰变”过程。我们不探讨如何保护模型，而是研究腐蚀、氧化、风化本身的美学价值。 本章将引入热力学第二定律（熵增原理）的概念，并将其映射到日常物品的物理变化上。例如，旧报纸的泛黄、金属表面的铜绿、木材的开裂纹路——这些都是时间留下的“构造痕迹”。我们将其视为一种“有机模型”，其结构的变化过程本身就是一种叙事。 第六章：瞬间的捕捉与永恒的张力 最后，我们将讨论“微动态”——那些肉眼难以察觉的、极其短暂的运动。这包括液体表面张力的微小波动、空气中尘埃颗粒的布朗运动，或是布料在微风中形成的褶皱。 如何用静止的媒介（如文字或静态图像）来“构建”这种运动的感受？本书提出了一种“张力点分析法”，用于识别和描绘这些瞬间的临界状态。我们尝试在叙事中重构出那种“即将发生，但尚未发生”的结构美感，这是一种对纯粹潜能的构建，完全剥离了对实际物理结构的依赖。 --- 结语：从可触及到可感知 《浮光掠影》是一次对“构建”概念的溯源。它邀请读者将焦点从对物质形态的复制与精确转移到对经验、感知和时间本质的捕捉与理解上来。我们构建的不是房屋，而是理解世界的方式；我们描绘的不是立面，而是潜意识的河流。本书旨在提供一套全新的工具箱，用以测量那些无形的空间、解读那些流动的光线，并聆听时间自身的低语。 ---

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说实话，这本书的排版设计本身就是一件艺术品。我通常对国内出版物的审美要求不会太高，能清晰易读就好。但这本书的版式设计团队显然下了大功夫。它的分栏处理极其巧妙，常常是在左侧用大面积的留白和极其简洁的文字引导你进入一个复杂的概念，而右侧则配上了一张极具冲击力的、往往是黑白的老照片或者手绘草图，两者形成一种强烈的对比和呼应。这种视觉节奏的掌控力，比我见过的很多设计杂志都要高明。而且，它对插图的选择非常讲究，选用的不是那种标准化的、教科书式的流程图，而是充满个性和实验性质的微缩景观。读到后面，我甚至开始怀疑，这本书的作者究竟是位建筑师，还是一位策展人？它成功地将理论的严肃性和阅读的愉悦性结合在了一起，让你在吸收知识的同时，眼睛也得到了极大的享受。

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我接触建筑设计圈子也有好几年了，手头上的相关书籍堆起来都能当个小小的书架了。但这本书给我的感觉是，它彻底颠覆了我对“模型制作”这个环节的理解。我原以为它会详细介绍3D打印的参数设置，或者最新激光切割机的操作流程，毕竟现在是数字化的时代嘛。结果呢？它花了整整四章的篇幅来讨论“手工温度”的重要性，深入挖掘了纸张纤维的方向性对最终视觉效果的影响，甚至还花了近百页的篇幅对比了不同粘合剂在极端环境下的老化特性——你敢信吗？它居然在讨论胶水的“时间性”！这让我不得不重新审视我过去那些用快干胶随便粘起来的模型。作者的笔触极其细腻，他没有回避工具的局限性，反而将这种局限性视为一种创作的张力。阅读过程中，我时不时会停下来，去摸摸我桌上那个半成品模型，试图找出那些被我忽略的、细微的材料纹理和结构逻辑。这书的价值，不在于教你如何模仿，而在于教你如何“感受”材料与形式之间的对话。

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这本书，说实话，刚拿到手的时候，我心里还真有点打鼓。封面设计得挺朴实的，那种带着点年代感的深蓝色调，让我想起以前在图书馆里翻那些老旧的工具书。我本来是想找本能快速上手、图文并茂的教程，结果翻开目录一看，嚯，内容涉猎得挺广，从基础的材料学讲到复杂的结构力学分析，中间还穿插了不少历史案例的深度剖析。我记得我刚翻到第三章“光影与空间叙事”那块时，差点就把手里的咖啡洒了。作者的文字功底扎实得吓人，他不仅仅是在教你怎么把一块泡沫板切割成想要的形状，更是在探讨光线如何塑造空间感知，如何通过比例的微妙变化来传达建筑的情感。这简直不是一本“怎么做”的手册，而更像是一篇关于建筑本体论的深度散文，用模型制作作为载体，去探讨设计哲学的核心。对于一个只是想学点快速制作技巧的新手来说，这书的门槛可能有点高，里面的专业术语和理论推导需要你静下心来，泡上一壶好茶，才能慢慢消化。它要求你不仅仅是一个操作者，更是一个思考者。

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这本书的阅读体验非常“慢热”。初读时，你会感觉内容过于宏大和抽象，仿佛作者在云端指点江山，和你手中那把小小的美工刀有点脱节。我花了三天时间才读完第一部分，期间不得不反复查阅好几个名词的定义。然而，当你真正沉浸进去后，你会发现它像是一部精心编排的交响乐，所有的主题和材料知识点，都在后半部分以一种令人拍案叫绝的方式交汇融合。特别是关于“材料的诚实性”那章，作者用非常诗意的语言描述了木材的收缩与膨胀如何影响结构的稳定性，以及这种“不完美”如何成为一种审美价值。读完这本书，我最大的收获不是学会了什么新的技术，而是对“模型”这个媒介产生了敬畏之心。它不再是一个简单的比例复刻品，而是一个浓缩了时间、材料和思想的微缩世界。这本书，更像是一位老教授在你耳边低语，耐心引导你进入一个更深层次的思考领域。

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我当初买这本书，主要是冲着它名字里那个“制作”二字，希望找到一些关于模型维护和展示的实战经验。结果，我发现自己像是不小心闯入了一个建筑史学者的私人书房。它对现代主义建筑师如密斯·凡德罗和勒·柯布西耶的模型处理手法的考证，细致到令人发指的地步，甚至引用了他们档案中那些模糊不清的会议记录来推断某些结构细节的决策过程。这本书的“制作”不是指简单的组装，而是一种对历史语境和设计意图的深度重构。它让我意识到，每一个被放置在模型上的小石子、每一条用铅笔勾勒的线条，背后都承载着设计师对建筑与场地关系的深刻思考。对于那些希望在设计生涯中走得更远的人来说，这本书提供的“根基”是无价的，但对于只想快速产出几个好看毕业设计模型的人来说，这本书可能会让你感到有些“杀鸡用牛刀”的困惑。

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其实很不喜欢颜色不统一的模型，少了种力量

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