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出版者:河南大学

作者:马俊芳

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2004-10-22

价格:18.00元

装帧:

isbn号码:9787810912495

丛书系列:

图书标签:

• 声乐
• 音乐理论
• 基础知识
• 音乐教学
• 声乐教学
• 音乐入门
• 艺术类
• 高等教育
• 专业课程
• 音乐

《声乐理论基础》 本书旨在为广大声乐学习者、音乐爱好者以及从业者提供一套系统、严谨且易于理解的声乐理论基础知识。本书并非一本教授演唱技巧的实用指南，而是着重于构建学习者对声乐艺术更深层次的认知框架，帮助大家从理论层面理解声音的产生、发展与艺术表现的内在规律。 本书内容概要： 1. 人声发声机制的生理学基础： 呼吸系统： 详细阐述肺部、膈肌、肋间肌等在呼吸运动中的作用，以及呼吸的类型（胸式呼吸、腹式呼吸、胸腹联合呼吸）在声乐中的生理机制与训练意义。我们将深入探讨如何通过科学的呼吸训练来获得稳定、持久且富有控制力的气息支持，这是声音产生最根本的能量来源。 喉部发声器官： 重点分析声带的结构、功能及其在振动发声过程中的作用。我们将讲解声带的闭合、张力调节、厚度变化如何影响音高、音质和音量，并介绍声带的生理限制与保护。 共鸣腔体： 细致地剖析胸腔、喉腔、咽腔、口腔、鼻腔等共鸣器官的形态、空间变化及其对声音的增益作用。本书将说明如何通过调整共鸣腔体的形态来塑造丰富、饱满且富有色彩的声音，实现声音的放大与美化。 发声的动力链： 整合呼吸、喉部发声与共鸣腔体之间的协同关系，解析声音产生过程中各环节的能量传递与转化，帮助读者建立起对整个发声过程的整体认知。 2. 音高、音质与音量的科学解析： 音高（Pitch）： 解释声带振动频率与音高之间的关系，阐述泛音列的构成及其对音高的感知影响。本书将深入探讨音程、音阶的理论基础，以及在实际演唱中如何精准地把握和控制音高。 音质（Timbre/Tone Color）： 揭示音质的本质是基频与泛音的组合比例，分析不同发声器官的共鸣特点如何塑造出独具特色的音色。我们将探讨如何通过调整发声状态和共鸣位置来丰富声音的色彩，使其更具表现力。 音量（Loudness/Intensity）： 阐述音量与气息压力、声带振动幅度的关系，解析声音的强弱变化是如何实现的。本书将引导读者理解在保证音质的前提下，如何科学地控制和变化音量，以适应不同的音乐表现需求。 3. 声乐艺术中的重要理论概念： 音准（Intonation）： 深入探讨绝对音准与相对音准的概念，分析影响音准的生理与心理因素，并介绍校准音准的理论方法。 音色（Timbre）： 区别于音质，音色在声乐艺术中更侧重于个体声音的独特辨识度与审美价值。本书将探讨如何通过理解和运用发声原理来发展和优化个人音色。 共鸣（Resonance）： 再次强调共鸣在声乐中的核心作用，详细介绍胸腔共鸣、头腔共鸣、混合共鸣等不同共鸣状态及其对声音效果的影响。 吐字与咬字（Diction）： 从发声与共鸣的角度，分析元音和辅音的发声机制，讲解清晰、准确的吐字如何与声音的连贯性、穿透力相互促进。 连接（Legato）与断奏（Staccato）： 从声音的流动性与连贯性角度，解释legato的声学原理，并分析staccato在声音短促化处理中的发声要领。 颤音（Vibrato）： 探讨颤音的生理产生机制，解析其在声音情感表达和丰满度增强方面的作用，以及如何通过科学练习获得自然的颤音。 音区（Vocal Range）与换声（Passaggio）： 详细讲解不同音区的发声特点，深入剖析换声区（Passaggio）的生理生理学与声学难点，并提供理论指导以理解和克服换声过程中的问题。 乐句（Phrase）与乐句的处理（Phrasing）： 从呼吸、气息支持与声音的连贯性出发，阐述乐句的形成及其在演唱中的呼吸安排与声音线条的处理，强调音乐性与情感表达的统一。 4. 声乐的生理与心理训练原则： 循序渐进原则： 强调所有声乐训练应符合生理发展规律，避免急于求成。 科学性原则： 训练方法应基于对人体发声器官功能的科学认知。 整体性原则： 训练应注重呼吸、发声、共鸣、咬字等各环节的协调与统一。 个体化原则： 认识到每个人的生理条件和嗓音特点不同，训练方案应具有针对性。 心理因素与训练： 探讨自信心、注意力、记忆力等心理因素对演唱表现的影响，并提供一些基本的心理调适建议。 本书的特色： 理论严谨： 采用生理学、声学等科学原理作为支撑，对声乐发声现象进行客观的解释。 系统全面： 覆盖了声乐理论的核心知识点，构建了一个完整的知识体系。 逻辑清晰： 内容编排循序渐进，从基础到应用，便于读者理解和掌握。 语言平实： 尽量使用通俗易懂的语言，避免过多的专业术语，让非音乐专业人士也能轻松阅读。 注重理解： 强调通过理论理解来指导实践，而非仅仅罗列技巧。 适用读者： 声乐初学者：帮助建立正确的声乐学习观念和理论基础。 有一定基础的声乐学习者：深化理论认知，解决实践中遇到的困惑。 声乐教师：为教学提供坚实的理论支持。 音乐爱好者：增进对声乐艺术的理解和欣赏能力。 对人声发声机制感兴趣的读者。 通过阅读本书，您将能够更深刻地理解声音是如何被创造出来的，如何被塑造和美化，以及如何通过科学的理论指导来优化您的声乐学习与实践。本书将为您打开一扇通往更深层声乐理解的大门，让您在音乐的海洋中，拥有更强大的认知力量。

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这本书的阅读体验，坦白地说，非常“干燥”。它就像一本用学术语言精心编纂的词典，每一个句子都力求准确无误，但却缺少了活力和感染力。我注意到，书中几乎没有引用任何现代流行音乐的例子来佐证其理论，这使得那些关于音准控制和音色统一的论述，显得与我日常接触的音乐世界有些脱节。例如，当讨论到“圆润的音头”时，作者推崇的是一种非常内敛、均匀的音色，这与摇滚乐中那种需要冲击力和颗粒感的“嘶吼”或“金属感”的音色形成了鲜明的对比。我尝试将书中的一些气息训练方法应用到我的日常练习中，发现虽然在唱一些慢板抒情曲时有所帮助，但一旦我尝试进行高强度的演唱或者需要快速换气的高难度段落，书中的指导就显得力不从心了。更让我感到困惑的是，书中对于如何选择适合自己的声部和音域的指导非常模糊，似乎默认了所有学习者都将遵循一个标准的声乐发展路径，这忽略了个体声学差异的巨大性。这本书更像是一个理想化的“标准人声”的蓝图，而不是适应现实世界多样化声音的指南。

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这本书的封面设计得非常朴素，甚至有些过时，让人第一眼看上去会觉得它是一本陈旧的教材。内页的排版也略显拥挤，字体和行距都没有现在流行的设计那么舒适。刚翻开的时候，我其实是抱着很大的疑虑的，毕竟在这个信息爆炸的时代，一本看起来如此传统的书籍，其内容的更新度和实用性实在让人担忧。我原本期望能从中找到一些关于现代流行音乐演唱技巧的深入分析，或者至少是针对如何利用数字音频工作站（DAW）进行人声处理的实际操作指导。然而，这本书似乎完全聚焦于古典声乐的范畴，从气息的控制、共鸣腔的使用，到维也纳美声学派的传统发声方式，每一个章节都像是一次对历史的追溯。例如，书中花了大量的篇幅来探讨18世纪意大利美声学派的“美声”概念，引用了许多我闻所未闻的早期音乐学家的论述，这对于一个主要想提升自己流行唱功的读者来说，无疑是有些“跑偏”了。我不得不承认，阅读过程需要极大的耐心去消化那些晦涩的术语和冗长的理论阐述，感觉更像是在上大学时的专业基础课，而不是一本能快速带来实际提升的“工具书”。我对它期望的那种“立竿见影”的效果，完全没有得到体现，更多的是一种对“正确”发声方式的哲学探讨。

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这本书的结构安排也让我感到有些不知所措。它并没有采用我们通常期待的那种“从易到难”、“循序渐进”的模块化结构。相反，它更像是一系列相互关联的、但又独立存在的论述的集合。有时候，一个在第三章提出的观点，其背后的支撑理论却要等到第八章才被完整阐述清楚，这迫使我不得不频繁地前后翻阅，打断了阅读的流畅性。我希望它能有一个明确的“阶段性目标”，比如“完成本章练习后，你将能稳定地处理中高音区的换声点”。然而，这本书的章节划分更多是基于理论领域的划分，比如“呼吸的空气动力学”、“元音的纯度与圆度”等，这些标题本身对于初学者来说就足够令人望而却步了。我购买这本书的初衷是想找到一个明确的“路线图”，告诉我该如何一步步构建我的歌唱技能体系。很遗憾，这本书提供的是一个完整的知识地图，但没有清晰的导航标记，我感觉自己迷失在了理论的森林中，很难确定下一步该聚焦于哪个具体的技能点进行突破。

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我对这本书的期望值其实是建立在它标题所暗示的“基础”二字上的。我本以为“基础”意味着系统性地涵盖从声带生理结构到基础乐理在声乐中的应用，最好能配有一些清晰的图解，比如声带振动模型或者口腔、咽腔的剖面图，这样即便没有老师指导，读者也能自行对照理解。但这本书给我的感觉是，它跳过了很多我认为至关重要的“硬核”科学解释，直接就进入了“如何做”的层面，而且这个“如何做”是建立在一套非常严格的、带有强烈时代烙印的教学体系之上的。书中对于“情感表达”的论述倒是不少，但是这种表达往往被束缚在特定的歌剧角色或艺术歌曲的语境下，对于现代音乐中更即兴、更个人化的情感流露，几乎没有着墨。我试图在其中寻找一些关于如何处理复杂节奏型或者如何进行即兴装饰音的章节，但那些内容显然超出了这本书的范畴。它更像是一份为有志于走专业美声道路的青少年准备的入门手册，对于已经有一定演唱经验、希望拓展视野的成年学习者来说，其帮助性显得非常有限，甚至有点故步自封的味道。那种渴望获得的“普适性”声乐知识，在这里是找不到的。

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我花了很长时间才读完这本书的前半部分，主要原因在于它的语言风格太过凝练，且缺乏必要的视觉辅助。想象一下，一本关于声音的书，却几乎没有提供任何可以量化的、可视化的数据或图表来辅助理解。所有的概念，比如“头腔共鸣的定位”、“喉位的高度保持”，都完全依赖于文字的描述和想象。我非常期待能看到声波图或者频谱分析的例子，哪怕只是简单的示意图，来说明不同发声方法在物理层面上的区别。但这本书似乎更偏爱古典的、纯粹的文字传承方式。这使得许多抽象的概念，如“声音的色彩”或“歌唱的内在线条感”，在没有实际声音范例配合的情况下，变得难以捉摸。对于我这样习惯于通过视觉反馈来修正自身练习的人来说，这种纯粹的文本轰炸显得非常吃力。我甚至尝试去网上搜索书中的一些关键术语，希望能找到配套的示范视频或音频，但收效甚微，这进一步证实了这本书似乎是面向一个已经建立在传统教学体系之下的学习群体的，而不是为“自学者”设计的。

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