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出版者:辽宁美术

作者:李荣光

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2006-09-01

价格:158.0

装帧:

isbn号码:9787531433781

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《中国古代书画鉴赏》 本书是一本深入浅出、内容翔实的中国古代书画鉴赏指南。全书分为五个章节，旨在为广大书画爱好者、收藏家以及艺术专业学生提供一个系统性的学习平台，帮助他们掌握鉴赏中国古代书画的必备知识和核心技能。 第一章 溯源与脉络：中国书画艺术的历史长河 本章将带领读者一同回顾中国书画艺术波澜壮阔的发展历程。从史前时期的陶器纹饰，到商周的金石铭文，再到春秋战国时期的漆器图案，追溯书画艺术的萌芽与早期形态。随后，重点阐述秦汉时期书法的隶变与绘画的飞扬，魏晋南北朝时期书法的“尚韵”之风与绘画的宗教题材兴盛，隋唐时期书法的雄浑与绘画的盛唐气象，宋代书法的尚意与绘画的文人化、理性化，元代书法的行草之变与绘画的文人画高峰，明清书法的多样化发展以及绘画的市民趣味与世俗化倾向。每个时期都将选取代表性的书画家及其作品进行介绍，分析其时代背景、艺术风格和历史地位，让读者能够清晰地理解中国书画艺术的时代演变与内在联系。 第二章 笔墨乾坤：书画艺术的基本技法与语言 本章将深入剖析中国书画艺术赖以生存和发展的基本技法与艺术语言。在书法方面，我们将详细介绍中国书法的基本笔画、结构布局、用笔、用墨、行气等要素，并对篆、隶、楷、行、草五种主要书体进行深入的解析，从历史演变、风格特征、代表人物等多角度进行讲解。同时，还将介绍书法创作中的“二王”传统、颜筋柳骨、苏黄米蔡等各家各派的风格特点，以及不同纸、墨、笔的特性对书写效果的影响。在绘画方面，将重点阐述中国画的“十八描”等线条运用技法，勾勒、皴擦、点染、设色等造型手段，以及中国画独特的“墨分五色”的运用之道。还将介绍中国画的章法、布局、皴法（如披麻皴、斧劈皴、解索皴等）、点法、苔点等构图与表现元素，以及水墨画、工笔画、青绿山水等不同画种的艺术特点。 第三章 审“纸”辨“墨”：书画真伪的鉴别之道 鉴别书画真伪是收藏与研究的关键环节。本章将系统性地介绍书画鉴定的基本原理与方法。内容包括：纸张的鉴别（年代、质地、工艺）、墨的鉴别（成分、色泽、光感）、印章的鉴别（材质、刻工、印泥、年代痕迹）、款识的鉴别（字体、风格、年代、墨色）、装裱的鉴别（年代、工艺、材料）以及作品的风格与笔墨特征分析。我们将结合具体的案例，展示如何通过综合运用这些鉴定方法，辨别书画的真伪。同时，还将介绍历史上著名的伪作与鉴伪事件，以及现代科技在书画鉴定中的应用，如X光、红外线、碳十四测年等，为读者提供一个科学、严谨的鉴定思路。 第四章 意境与格调：理解中国书画的艺术审美 中国书画的魅力不仅在于技法，更在于其背后蕴含的深刻意境和高雅格调。本章将带领读者走进中国书画的艺术世界，理解其独特的审美哲学。我们将探讨中国书画中“天人合一”的哲学思想，以及“写意”精神在书画创作中的体现。通过分析历代名家作品，讲解如何从构图、笔墨、色彩、题材等方面体悟书画作品的意境，如山水的幽静、花鸟的生机、人物的传神等。同时，还将介绍中国书画中“气韵生动”等中国画“六法”的内涵，以及文人画的“逸、清、雅、淡”等审美追求。通过对作品的赏析，引导读者提升自身的艺术品味，感受中国书画艺术的精神力量。 第五章 藏品之道：书画的收藏与养护 对于书画爱好者和收藏家而言，了解如何收藏与养护珍贵的书画作品至关重要。本章将提供实用的收藏指导与养护建议。内容涵盖：如何选择具有潜力的书画作品、如何建立个人收藏体系、如何进行书画作品的收购与交易、书画作品的储存与环境控制（温度、湿度、光照）、书画作品的日常清洁与维护、以及书画作品的修复原则与方法。我们将重点强调“宁藏勿动”、“藏为主，用为辅”的收藏理念，并介绍一些常见的书画损坏原因及预防措施，例如潮湿导致的霉变、虫蛀、装裱脱落等。通过学习本章内容，读者能够更科学、更有效地保护自己珍藏的书画艺术品，使其得以长久流传。 本书旨在为所有对中国书画艺术感兴趣的人士提供一份全面而深入的指导。通过学习本书，读者将能够更自信地欣赏、理解和鉴别中国古代书画，并从中获得艺术的滋养和精神的启迪。

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老实说，当我打开这本书时，最初的印象是它带来的那种宁静的力量。现在很多艺术品都追求强烈的视觉冲击力，试图在第一时间抓住你的眼球，但这里的作品却像是久经风霜的古琴，需要你静下心来，才能听到它最纯粹的音色。尤其欣赏其中几幅小品尺幅的作品，它们以极简的构图，承载了极其丰富的情感和哲思。这让我联想到了中国古典园林的设计理念——于方寸之间见天地。这些作品的“留白”不仅仅是空间上的留白，更是情感上的留白，它把解读和想象的空间留给了观者，让每个人都能在其中投射自己的心境。这种双向互动的艺术体验，是很多直白的作品所不具备的。而且，这本书的选材非常均衡，既有大气磅礴的长卷风格，也有精巧细致的扇面形式，让人全面地了解创作者的艺术光谱。对于那些试图理解中国文人精神内核的读者来说，这本书提供了一个极佳的窗口，它展现了艺术是如何与哲学、诗歌以及日常生活紧密交织在一起的。

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我必须赞叹这本书在文化传承方面的巨大贡献。它所展示的艺术风格，是建立在对传统精髓了如指掌的基础上的，但绝不是简单的复刻。真正的继承，是理解其精神后，用自己的语言去表达。这本书里的作品就完美地体现了这一点——它们既能让你感受到盛唐气象的恢弘，又能体味到宋人那种内敛而细腻的情感张力。特别是关于“意境”的营造，简直是教科书级别的示范。那种朦胧的、诗意的氛围，不是通过技术可以简单复制的，它源于创作者对自然、对人生的长期体悟。翻阅过程中，我常常会停下来，不仅仅是看画，更是去“读”画中的题跋和印章，它们如同作品的注解和心灵独白，将视觉艺术与文学思考融为一体。这本书对不同载体（如立轴、屏风、册页）的展示处理得非常到位，能让读者清晰地感受到不同形式对艺术表达的影响。总而言之，这是一本值得反复阅读、细细体味的艺术宝典，它不仅仅记录了几位艺术家的作品，更像是一部关于如何在中国传统语境下进行当代创造的思考录。

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作为一名痴迷于传统工艺的爱好者，我必须指出这本书在对细节的还原度上做得非常出色。很多时候，印刷品远不能展现原作的笔触肌理，但在这本画册里，我似乎能“摸”到宣纸的纹理和墨汁的层次。特别是那些需要展现“飞白”技巧的作品，墨迹的干枯和迅疾，那种转瞬即逝的动态美，居然能在纸面上被捕捉到并清晰地呈现出来，这对于研究用笔技法的人来说，简直是一份宝贵的资料。我花了好长时间对着其中一幅关于人物的速写进行临摹，发现即便是最简单的几笔勾勒，其中也蕴含着对人体结构和动态平衡的深刻理解。它不是那种僵硬的、学院派的教条式描绘，而是充满了文人画特有的那种洒脱与真诚。整本书的编排逻辑也很有趣，它似乎没有采用完全线性的时间顺序，而是将不同时期的、主题上相互呼应的作品巧妙地穿插在一起，创造出一种跨越时空的对话感。这种策展般的编辑手法，极大地提升了阅读的趣味性和学术价值。

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这部画册，简直是把中国传统水墨的精髓挖掘到了一个令人惊叹的深度。每一次翻阅，都像是一次心灵的洗礼。它不仅仅是作品的简单汇集，更像是一部无声的艺术史诗。那些泼墨的浓淡干湿，那些线条的刚柔并济，无不透露出创作者对笔墨特性的深刻理解和驾驭能力。尤其让我震撼的是，在那些看似写意的山水间，却蕴含着极为精微的结构感。它不像某些流派那样一味追求形式的突破而失了根基，而是扎扎实实地立足于古人的笔法，却又用一种极为现代的、甚至可以说是充满生命力的视角去重新诠释传统。比如有几幅描绘竹林的场景，竹枝的姿态仿佛下一秒就要随风摇曳，那种动态的张力，是通过极其克制的笔触达成的，这种收放自如的功力，不是一朝一夕可以炼成的。观者如果只是走马观花地看，可能会错过其中无数的“机关”——那些看似随意的留白，实则暗藏着对空间和光影的精妙布局。这本书的装帧设计也十分考究，纸张的质感和印刷的精度，都为作品增色不少，让人在触摸和翻阅的过程中，就能感受到制作者的诚意与敬畏之心。这本书的出现，无疑为当代书画的探索提供了一个极具重量级的参照物。

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这本书的装帧和排版，透露出一种低调的奢华和对艺术家的由衷尊重。我特别喜欢它在展示作品时的那种“呼吸感”。很多艺术画册为了塞进更多的内容，往往把作品挤得满满当当，结果适得其反，画面失去了原有的气场。但这里不同，每一幅画作之间都有足够的留白，让你的眼睛可以得到充分的休息，从而以一种更专注、更平和的心态去迎接下一件作品。这种对观展体验的细腻考量，显示出编辑团队的高水准。再说到内容本身，虽然我不是科班出身，但能明显感觉到作品中那种深厚的文化底蕴。它不像那些追求奇特的“新潮”艺术那样浮于表面，而是根植于对中国文化内核的深刻洞察。我注意到有几幅花鸟题材的作品，对花瓣的微妙色彩变化处理得极其到位，那不是简单的色彩堆砌，而是仿佛能听到花开的声音，感受到露水的微凉。这种对生命细微之处的捕捉和表达，是需要极高艺术修养才能达到的境界。这本书与其说是一本画册，不如说是一份对“格物致知”精神的生动诠释，非常值得收藏和细品。

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