初级色彩画技法.2 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:人民美术出版社

作者:于久洵

出品人:

页数:38

译者:

出版时间:1998-1

价格:13.00元

装帧:

isbn号码:9787102017679

丛书系列:

图书标签:

• 色彩绘画
• 绘画技法
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《初级色彩画技法.2》是一本旨在为初学者和有一定基础的绘画爱好者提供系统性色彩学习指导的画册。本书聚焦于色彩在绘画中的应用，通过深入浅出的讲解和丰富多样的实例，帮助读者建立对色彩的敏锐感知，掌握色彩的基本原理和运用技巧。 本书内容涵盖了色彩的基础理论，包括色相、明度、饱和度这三个基本属性的详细阐述，以及色彩的冷暖关系、对比关系、和谐关系等。读者将学习到如何运用色彩来塑造形体、营造氛围、表达情感。从基础的色彩混合到复杂的色彩搭配，本书都提供了清晰的指导和实践方法。 在技法层面，本书详细介绍了多种常见的色彩表现技法，例如水彩的晕染与叠色，油画的厚涂与薄涂，丙烯的覆盖与肌理，以及彩铅的细腻叠加等。每一种技法都配有步骤清晰的示范教程，让读者能够直观地理解和模仿。本书不仅仅教授“怎么画”，更注重教授“为什么这么画”，引导读者理解色彩技法背后的原理和目的。 本书的一大特色在于其对色彩的观察与感知训练的重视。书中提供了大量的色彩练习，鼓励读者从日常生活中捕捉色彩，分析色彩，例如分析不同光线下静物的色彩变化，观察天空和水面的色彩过渡，甚至尝试复刻自然界中的色彩搭配。这些练习旨在培养读者独立思考和解决色彩问题的能力，而非仅仅依赖书本的示范。 《初级色彩画技法.2》同样关注色彩在不同绘画题材中的运用，例如风景画中的色彩营造，人物画中的肤色表现，静物画中的质感体现等。通过对不同题材的案例分析，读者可以学习到如何根据描绘对象和想要表达的效果来选择和运用色彩。 本书的语言风格力求平实易懂，避免使用过于专业和晦涩的术语，确保初学者能够轻松阅读和理解。同时，书中配有大量精美的插图和绘画作品，这些作品不仅是技法的示范，也为读者提供了丰富的视觉灵感。 总而言之，《初级色彩画技法.2》是一本实用性极强的色彩画入门书籍，它循序渐进地引导读者走进色彩的世界，掌握驾驭色彩的工具与方法，最终能够自信地运用色彩来表达自己的艺术构思，提升绘画作品的表现力。无论你是刚刚拿起画笔的新手，还是希望系统性地提升色彩能力的爱好者，本书都将是你宝贵的学习伙伴。

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这本书的插画简直是色彩的盛宴！那种光影的处理方式，特别是对环境光的捕捉，让我这个业余爱好者都感觉自己仿佛站在了那个场景之中。作者对于色彩过渡的细腻描绘，简直是教科书级别的。我尤其欣赏它在讲解冷暖色调对比时所用的那些看似简单的范例，但当你真正去尝试模仿的时候，才会发现其中蕴含的巨大学问。比如，书中对于“如何用高饱和度的暖色来烘托主体在阴影中的存在感”的论述，我翻阅了市面上好几本同类书籍，都没有像这样深入浅出地给出清晰的步骤和理论支撑。作者似乎非常懂得初学者的痛点，总能在关键时刻提供一个“啊哈！”的顿悟瞬间。而且，书中的版面设计也十分考究，色彩搭配和图文排版本身就构成了一种和谐的视觉体验，让你在学习技术的同时，也在潜移默化地接受着美学熏陶。如果说有什么遗憾，可能某些特定材质（比如金属反光或湿润的皮肤）的深入讲解略显不足，但瑕不掩瑜，对于打下坚实的色彩基础来说，这本书无疑是极佳的起点。

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作为一名数字绘画工作者，我原本以为纸本媒介的色彩理论对我帮助有限，但这本书彻底颠覆了我的固有观念。它对于“色彩心理学”和“色彩情绪引导”的阐述极其到位。作者通过分析不同文化背景下人们对特定颜色的本能反应，教导我们如何更有目的地选择配色方案来服务于故事的主题。例如，书中花了大量篇幅讨论了如何使用低饱和度的莫兰迪色系来营造出一种怀旧、疏离的叙事氛围，这种分析的深度远超一般市面上的调色指南。我发现，很多我过去凭感觉选择的颜色，现在都有了明确的理论支撑。它教会我的不是“用什么颜色”，而是“为什么用这个颜色”。书中引用了大量古典绘画的例子来佐证观点，这使得整个学习过程充满了历史的厚重感和艺术的魅力。对于那些希望自己的作品能够“说话”的创作者来说，这本书提供的不仅仅是技术指导，更是一种高级的视觉语言构建思维框架。

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我最近一直在琢磨如何让我的水彩画作品看起来更有“空气感”，那种通透清新的感觉一直抓不住。这本书的第三章，专门分析了透明度与层次感的构建，对我来说简直是醍醐灌顶。作者没有停留在基础的“薄涂、厚涂”这种概念层面，而是引入了“视觉密度”这个概念来解释色彩的叠加效果。他用一系列对比鲜明的案例展示了，即使使用相同的颜料和工具，仅仅是调整干燥时间和笔触方向，最终呈现出的空间深度和空气流动感会产生天壤之别。我试着按照书里提到的，先用极淡的底色铺设远景的冷色调，然后逐步增加前景的对比度，效果立竿见影。最让我印象深刻的是，书里还提供了一个关于“如何利用色彩的纯度来区分焦点和非焦点区域”的技巧，这让我的画面一下子从平面化变得立体起来，不再是那种平铺直叙的色彩堆砌。这本书的理论深度是毋庸置疑的，但它的表达方式却异常接地气，完全没有那种高高在上的学院派做作感。

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这本书的装帧质量和印刷效果简直是艺术品级别的。要知道，讨论色彩的书籍，如果印刷效果不好，那所有讲解都成了空谈。然而，这本书的每一个色块、每一个渐变过渡，都忠实地再现了作者想要表达的色彩倾向，几乎没有出现偏色或墨点问题。这对于我们这些依赖屏幕和印刷品学习的读者来说至关重要。更值得称赞的是，它对“光线”的解析。作者不像某些教材那样，仅仅停留在“光源色、物体色、环境色”这老三样上打转，而是深入探讨了光线在不同天气条件（比如阴天、黄昏、正午）下的色温变化以及对物体固有色的“侵蚀”或“强化”作用。我特别喜欢它用几幅风景画案例来演示如何用极少的颜色变化来模拟出“薄雾弥漫”的效果，那份克制和精准，让人读来拍案叫绝。这本书与其说是一本技法书，不如说是一本关于“如何观察世界”的视觉哲学指南。

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我之前学习色彩总是陷入“调色盘焦虑”，总觉得自己的颜色不够多，调配出来的总是不够丰富。这本书第三章关于“色彩的再构成”给我带来了巨大的解放。作者的核心观点是：真正的色彩深度来自于对比和并置，而不是单纯的颜料种类。他详细演示了如何利用“补色的对比”来提升相邻色块的纯净度，以及如何通过“灰调子的巧妙运用”来让画面中的高光显得更加耀眼。这套方法论极大地简化了我的调色过程，让我能够更加专注于构图和情感表达。此外，书中还穿插了一些关于“不同绘画材料的固有色彩倾向”的分析，比如油画颜料的厚重感和水彩颜料的轻盈感如何影响最终的色彩感知，这种跨媒介的对比分析非常独到。读完之后，我感觉自己对颜色的理解不再是零散的知识点堆砌，而是一个系统、完整、可以随时应用于实践的色彩系统。它真正做到了“授人以渔”，让我能够跳出固定套路，创造属于自己的色彩语汇。

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