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出版者:George Braziller

作者:Meyer Schapiro

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1995-03

价格:USD 12.50

装帧:Paperback

isbn号码:9780807613702

丛书系列:

图书标签:

• 视觉转向
• 艺术
• Mondrian
• ArtHistory
• *English*
• %艺术史相关
• 现代艺术
• 抽象艺术
• 几何艺术
• 荷兰艺术
• 风格主义
• 皮特·蒙德里安
• 20世纪艺术
• 绘画
• 设计
• 艺术史

《Mondrian》这本书，如同其名，是对艺术大师皮特·蒙德里安（Piet Mondrian）一生及其艺术创作的一次深度探索。蒙德里安，这位荷兰画家，是抽象艺术的先驱之一，他以其标志性的“新造型主义”（De Stijl，意为“风格”）而闻名于世。这本书深入剖析了蒙德里安艺术生涯的演变，从他早期受荷兰传统风景画影响的写实作品，到他逐渐走向纯粹抽象的各个阶段。 书中详细描绘了蒙德里安在不同时期所经历的艺术理念上的转变。读者将了解到他是如何从印象派、象征主义等艺术流派中汲取养分，最终发展出一种完全基于直线、直角和原色（红、黄、蓝）以及非色（黑、白、灰）的独特视觉语言。这种语言，他称之为“新造型主义”，不仅仅是一种绘画风格，更是一种哲学观，一种对宇宙和谐秩序的追求。 本书的亮点之一在于它详尽地梳理了蒙德里安创作过程中所面临的思想斗争与艺术突破。例如，他对于“纯粹的现实”的探索，他如何相信通过简化和抽象，能够触及到事物更本质、更普遍的真理。书中会引用蒙德里安本人的文字、信件以及他对艺术的思考，让读者直接感受这位大师的内心世界和创作驱动力。 此外，《Mondrian》也关注了蒙德里安的个人生活经历，以及这些经历如何潜移默化地影响了他的艺术。从他在荷兰的生活，到他移居巴黎、伦敦，再到他最终定居纽约，这些经历中的文化冲击、社会变迁以及他与时代巨匠们的交流，都在书中得到了细致的展现。特别是他在两次世界大战期间的流离失所，以及他对艺术在动荡时代中作用的思考，都为理解他的抽象艺术增添了更深厚的背景。 本书还特别强调了蒙德里安的“新造型主义”对后世艺术、设计、建筑乃至时尚产生的深远影响。读者将看到，蒙德里安的几何抽象风格是如何突破了绘画的界限，渗透到现代主义设计、广告、服装等各个领域，成为一种具有强大生命力的视觉符号。书中可能会收录一些与蒙德里安作品风格相呼应的当代艺术和设计案例，以展示其不朽的艺术遗产。 《Mondrian》不仅是一本艺术史的学术著作，更是一次深入的文化之旅。它旨在带领读者超越那些简单的黑白线条和红黄蓝方块，去理解蒙德里安所构建的那个追求普遍和谐、精神纯粹的艺术世界。通过这本书，你可以更深入地认识这位将艺术提升到哲学高度的伟大艺术家，理解他如何用最纯粹的视觉语言，表达了对现代世界最深刻的洞察。本书适合所有对现代艺术、设计史以及哲学思考感兴趣的读者。

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这本书的阅读体验非常独特，它不像教科书那样板着面孔，也不像通俗读物那样轻飘。它拥有散文的灵动和哲学的深度。我是在一个长途旅行的飞机上开始读的，起初只是为了打发时间，没想到一投入进去，窗外的云卷云舒都成了我脑海中那些色块的背景。作者的文字极具画面感和节奏感，尤其擅长使用排比和对比的手法来强调某一观点，读起来有一种音乐般的韵律。有一段描述艺术家如何从对自然具象的描摹转向对纯粹关系的追求，那段文字我足足读了三遍，它精准地捕捉到了那种从具象到抽象的“飞跃”时刻的微妙心理变化。这本书的价值在于，它教你如何“看”，而不是仅仅告诉你“是什么”。它强迫你放慢速度，去关注那些我们日常生活中忽略掉的比例、对齐和留白。对于那些觉得现代艺术晦涩难懂的人，这本书提供了一个非常友好且富有洞察力的入口，绝对值得反复品味。

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我是一个刚踏入艺术评论领域的研究生，对于如何构建一套连贯且具有批判性的分析框架感到十分迷茫。这本书就像是一座灯塔，指引了我前进的方向。它的结构安排极其考究，每一章的过渡都仿佛是经过精密计算的齿轮咬合，环环相扣，逻辑链条几乎无懈可击。我尤其欣赏作者在处理不同时期作品演变时所采用的“主题追踪法”，而不是简单地按时间顺序罗列，这使得读者能够清晰地把握住艺术家思想脉络的连续性和断裂性。书中引用了许多一手文献和私人信件的片段，这些资料的挖掘深度令人佩服，让原本严肃的理论分析瞬间变得鲜活起来。那些关于艺术品在特定历史背景下被公众接受或误解的社会学观察，也为我撰写关于艺术传播的论文提供了坚实的理论基础和丰富的案例支持。坦白讲，阅读过程中，我多次停下来，拿起笔在笔记本上勾画出作者描述的那些复杂的空间关系图，试图用自己的方式去理解那种极简背后的无限张力。

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说实话，我最初抱着一种比较功利的心态来翻阅这本大部头，毕竟我的工作涉及到建筑设计领域，希望能从中找到一些关于空间秩序感的理论支撑。结果，这本书完全超出了我的预期，它提供给我的，远不止是规范化的设计原则。作者对于“白色的重量”这一概念的阐述简直是点睛之笔，这在传统美学中是很少被如此深入剖析的。我发现，书中对音乐与视觉艺术之间跨界联系的论述，与我正在进行的一个关于声场设计与平面布局平衡性的研究不谋而合，这给了我极大的启发。全书的叙事节奏把握得非常巧妙，在学术性的论述中穿插着一些极具画面感的场景描述，让人在枯燥的理论推导中不至于感到疲惫。更让我惊喜的是，作者并未将艺术家的创作过程浪漫化，而是非常写实地展示了他们面对材料限制、市场压力以及自我怀疑时的挣扎，这种坦诚让我对这些艺术巨匠产生了更深层次的共鸣。对于任何试图在形式美学中寻找永恒真理的人来说，这本书都是一本不可多得的指南。

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这本书的封面设计简直就是一场视觉盛宴，那种强烈的几何构图和色彩对比，立刻抓住了我的眼球。我是一个对现代艺术，特别是抽象表现主义有深厚兴趣的读者，所以毫不犹豫地就决定要读它。装帧的质感也非常好，拿在手里沉甸甸的，让人感觉这是一部厚重且有分量的作品。我非常欣赏作者在开篇部分对“结构与非结构”之间辩证关系的探讨，那种思辨的深度着实令人震撼。特别是关于色彩如何在二维平面上产生三维错觉的章节，作者引用了大量鲜为人知的艺术史案例进行比对分析，逻辑清晰，论证严密，看得我如痴如醉，仿佛自己也站在了画架前，思考着每一条黑线的意义。我尤其喜欢作者在描述艺术家心路历程时，那种克制而又充满激情的笔触，没有过度的渲染，却能让人真切感受到创作的煎熬与突破。这本书无疑为我提供了一个全新的视角去审视那些看似简单的几何形状背后所蕴含的哲学思考。读完前三分之一，我已经迫不及待地想去博物馆重温那些经典原作了。

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坦率地说，我并不是科班出身，对艺术史的了解仅限于一些大众化的知识层面。因此，在开始阅读之前，我还有些担心这本书会不会过于专业和晦涩。然而，这本书的表现令人刮目相看。作者的叙事风格非常具有亲和力，他擅长将复杂的美学原理转化为日常生活中的类比，这极大地降低了阅读门槛。例如，他对“平衡感”的解释，竟然联系到了古老的东方哲学中的阴阳调和，这种跨文化的融会贯通，让我这个外行人也能迅速抓住核心要义。书中对艺术家助手和早期合作者的描述也十分生动，让我们看到了那些伟大的作品是如何在团队协作和市场运作的复杂环境中诞生的，这为我们理解艺术的社会属性提供了新的维度。阅读这本书，感觉就像是受邀参加了一场由学识渊博的朋友主持的、关于形式哲学的深度对话，轻松却不失干货。我强烈推荐给所有对“秩序之美”有好奇心的普通读者。

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Absolutely brilliant. Schapiro defends the humanity of abstract painting never lost if one judges from the standpoint of artists who see even the simplistic geometric figures, lines, color patches, expressive and inventive. It is these simple forms that render the artistic subjective tangible.

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Absolutely brilliant. Schapiro defends the humanity of abstract painting never lost if one judges from the standpoint of artists who see even the simplistic geometric figures, lines, color patches, expressive and inventive. It is these simple forms that render the artistic subjective tangible.

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这本书最重要的部分是清楚地阐述了抽象绘画与后印象派之间的联系。这对理解80年代初期国内抽象画家近乎自发的抽象之路探索很有启发。

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