Live Sound (Performing Musicians) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Sanctuary

作者:Paul White

出品人:

页数:250

译者:

出版时间:1998-06-01

价格:USD 19.95

装帧:Paperback

isbn号码:9781860742101

丛书系列:

图书标签:

• Live Sound
• Sound Reinforcement
• Concert Sound
• Audio Engineering
• Music Production
• Performing Arts
• Stagecraft
• Audio
• Music Technology
• Sound Systems

Live Sound (Performing Musicians) 这本书并非一本关于舞台表演技巧的书籍，也不会深入探讨音乐理论或创作流程。它不包含任何关于乐器演奏的教学内容，也未涉及乐队排练、曲目编排或是舞台走位等方面的指导。你不会在这本书中找到关于如何提升舞台表现力、克服怯场心理，或者与观众建立连接的建议。 本书的内容核心在于“现场音响”（Live Sound）这一专业领域，但并非从音乐家的角度出发，而是聚焦于将音乐从演奏者传递到听众耳朵的过程中所涉及的技术和流程。 具体来说，这本书将深入剖析现场扩声系统的组成与工作原理。这包括了从声音的源头——乐器和人声——如何通过麦克风捕捉，再到信号如何经过调音台进行处理，最终如何通过功放驱动扬声器输出这一完整的信号链。 书中会详细介绍各种麦克风的类型、拾音模式和选择原则。例如，为什么适用于人声的动圈麦克风与适用于鼓组的电容麦克风在设计上有何不同？如何根据不同的乐器和表演环境选择最合适的麦克风？这部分内容将帮助读者理解声音采集的细微差别如何影响最终的扩声效果。 接下来，书籍会着重讲解调音台（Mixing Console）的功能与操作。我们将探讨模拟调音台和数字调音台在功能、接口和工作流程上的差异。本书会详细介绍调音台上的各种旋钮和推子，如增益（Gain）、均衡（EQ）、压缩（Compression）、效果发送（Effects Send）、辅助发送（Aux Send）和推子（Fader）等，并解释它们在声音塑造过程中各自的作用。学习如何准确地设置这些参数，是实现清晰、平衡的现场声音的关键。 此外，本书还将详细阐述信号处理单元（Signal Processing Units）的应用。这涵盖了效果器（Effects Processors）如混响（Reverb）、延迟（Delay）、合唱（Chorus）等如何为声音增添空间感和色彩，以及动态处理器（Dynamics Processors）如压缩器（Compressor）、门限器（Gate）和限制器（Limiter）如何控制声音的动态范围，防止过载失真，并使声音更加稳定和有力。 监听系统（Monitoring Systems）是本书的另一个重要章节。我们将探讨舞台监听（Stage Monitoring）的重要性，以及各种监听方式，如返送音箱（Wedge Monitors）和入耳式监听系统（In-Ear Monitors, IEMs）的工作原理和设置要点。理解如何为音乐家提供清晰、准确的舞台监听，对于他们的表演发挥至关重要，但本书不会教他们如何“听”得更好，而是如何“提供”一个更好的监听环境。 扬声器系统（Loudspeaker Systems）的设计与布置也将是本书探讨的重点。我们将介绍不同类型的扬声器，如全频音箱（Full-Range Speakers）、低音炮（Subwoofers）、线阵列（Line Arrays）等，以及它们在不同场地中的应用。如何根据场地声学特性和观众区域来布置扬声器，以获得均匀的声压级覆盖和最佳的听音体验，是本书将深入解析的内容。 此外，关于线材、连接器以及电源管理等基础但至关重要的环节，本书也会有所涉及。理解正确的接线方式和电源配置，可以有效避免许多潜在的故障和噪音问题。 最后，本书还将讨论现场声音的调试与故障排除。这包括如何进行系统测试，如何识别和解决常见的音频问题，例如回授（Feedback）、噪音（Noise）和失真（Distortion），以及如何根据现场反馈来调整声音。 总而言之，这本书旨在为那些对现场音响技术感兴趣的读者提供一个全面而深入的了解，让他们能够理解构成一场成功演出的幕后技术支撑，但它并不涉及音乐创作、演奏技巧或舞台表现本身。它是一本关于“如何让声音在现场被听见”的书，而非“如何演奏出动人的音乐”的书。

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初读这本名为《Live Sound (Performing Musicians)》的书，我本以为会找到一些关于舞台音响设置、麦克风选择或混音台操作的干货。然而，这本书完全没有触及这些技术层面的内容，这让我感到一丝困惑，同时也带来了一种意想不到的阅读体验。它更像是一本关于音乐家在现场演出中，如何与声音环境进行深度互动的哲学探讨，而非一本技术手册。书中花费了大量的篇幅来描述不同音乐流派（比如爵士乐的即兴性与摇滚乐的能量爆发）在现场声场中的情感传递差异，这非常引人入胜。作者似乎更关注声音如何影响观众的集体情绪，以及乐手在那种高压、高能的环境下，如何保持自身的“声音本体”。比如，书中有一章专门讨论了在大型体育场和小型昏暗酒吧中，声音的“重量感”有何不同，以及这种重量感如何塑造了音乐的叙事。对于一个习惯了阅读技术指南的读者来说，这种侧重于感觉和哲学的叙述方式，无疑是一种挑战，但也迫使我以一种全新的视角去审视“现场声音”这个概念，不再局限于设备和电缆，而是转向了更深层次的人类感知和体验。

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我必须承认，这本书在语言的密度和比喻的复杂性上，远超我的预期。它阅读起来不像一本关于现代电子设备的书籍，反而更像是一本关于古代仪式或炼金术的文本。书中大量使用了一些我需要查阅才能理解的古典音乐术语或晦涩的哲学概念来解释现场的声场动态。例如，作者用“卡农”（Canon）的原理来解释鼓组和贝斯之间如何建立稳定的节奏锚点，这种跨学科的类比，虽然精妙，但极大地增加了阅读的门槛。它完全没有遵循任何教科书式的结构，章节间的过渡常常是突然且毫无预兆的，就像一场即兴的爵士乐独奏，你必须全神贯注地跟上演奏者的思维跳跃。尽管我并没有从中获得任何关于如何设置效果器链的实用信息，但它成功地在我的脑海中绘制了一幅关于“声音的形而上学”的宏大图景，让我开始思考，那些我们认为是“技术问题”的现象，可能根本上就是“存在问题”的表现。

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这本书的视角极其个人化，几乎完全聚焦于表演者自身的感受，几乎没有从音响工程师的角度切入。我期待中关于不同场地声学特性的客观分析，比如混凝土墙与吸音地毯对中高频的影响对比，完全没有出现。取而代之的是，作者详细描述了不同城市巡演过程中，因为时差和饮食差异导致的乐手“听觉疲劳”问题，以及如何通过特定的冥想练习来“重置”耳朵的敏感度。这部分内容非常具有“圈内人”的共鸣感，它描绘了一种只有真正经历过漫长巡演的人才能理解的身体与声音的耦合状态。读到这里，我意识到这本书的目标读者可能并非是初入行的音响技术员，而更像是那些已经对设备了如指掌，却开始对重复性工作感到麻木的资深音乐人。它试图重新点燃那种初登台时对声音的纯粹敬畏感，这是一种情感上的“调音”，而非物理上的“混音”。

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这本书的叙事节奏非常舒缓，仿佛一位经验丰富的老乐手在昏黄的灯光下，缓缓道出他数十年的巡演心路历程。我期待的那些关于如何消除反馈啸叫、如何进行精确的舞台监听设置的实用技巧，全都不见踪影。取而代之的是一系列散文化的长句和大量依赖于比喻的描述。例如，作者描述一个完美的舞台混音时，不是用分贝或均衡器来衡量，而是将其比作“一场精心编排的、在黑暗中起舞的鬼影的合唱”。这种文学化的表达方式，虽然极具美感，但对于急需解决实际问题的专业人士来说，可能会感到有些飘忽不定。我尤其欣赏其中对于“沉默的艺术”的探讨，那部分内容深入分析了在音乐间隙中，舞台上遗留的那些环境噪音——设备轻微的嗡鸣、乐器本身的机械声——是如何共同构成表演不可分割的一部分。这本书将现场音响从一门技术降维成了一种艺术的“在场性”，这种处理方式是如此独特，以至于我不得不承认，它成功地拓宽了我对“现场”的定义，尽管这并非我最初翻开它时的目的。

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阅读体验是碎片化的，这本书似乎并不追求线性的逻辑推进。它更像是翻阅一本充满笔记和涂鸦的演出日程本，每一个章节都像是一个独立的回忆片段或即兴的思考火花。比如，其中一段突然跳跃到对八十年代模拟调音台温暖音色的怀旧，紧接着又是一段关于如何利用舞台灯光的颜色来“辅助”低音的心理作用。我一直试图从中提捏取出任何可以立刻应用到我下次演出准备清单上的内容，但收效甚微。它没有提供任何图表、规格参数或操作步骤。相反，它提供的是一种心态的调整——如何接受现场声音的不可预测性，并从中寻找乐趣。书中强调，最好的现场音响师不是试图控制一切的人，而是最能与失控的能量共舞的人。这种“顺势而为”的理念，对我个人在处理突发技术故障时的紧张情绪，起到了奇特的舒缓作用，但这显然不是一本技术指南该有的核心价值。

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