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出版者:苏州大学出版社

作者:王平,殷俊

出品人:

页数:122

译者:

出版时间:2006-12

价格:42.00元

装帧:

isbn号码:9787810907736

丛书系列:

图书标签:

• 动画设计
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电影美术与视觉叙事：从概念到银幕的构建之旅 图书简介 本书深入剖析了电影艺术的核心要素——美术设计在构建世界观、烘托情绪氛围以及推动叙事发展中的关键作用。它并非聚焦于单一的动画技术或风格，而是从更宏观的、跨媒介的视角，探讨如何将抽象的剧本转化为具有说服力和感染力的视觉体验。 本书分为六个主要部分，旨在为电影制作、舞台设计、游戏开发以及视觉艺术领域的从业者和学生提供一套系统而实用的方法论和灵感源泉。 第一部分：视觉语言的构建基石 本部分首先确立了“环境即角色”的理念。电影美术不仅仅是布景的堆砌，更是角色内心世界的外化和故事情节的隐形推手。我们将探讨色彩心理学在不同文化背景下的应用，以及光影如何被用作叙事工具，而非仅仅是照明需求。 光影的叙事功能： 深入分析伦勃朗光、蝴蝶光、分离光等经典布光方式在营造悬疑、浪漫或史诗氛围时的具体效果。探讨自然光线在不同时间、天气条件下对场景情绪的微妙影响。 材质与触感： 研究不同材质——粗粝的石头、光滑的金属、腐朽的木材——如何通过视觉暗示角色的社会阶层、历史背景乃至心理状态。我们不会讨论如何绘制具体的动画贴图，而是侧重于如何设计出能让观众“感受”到这些材质的视觉方案。 形式与构图的张力： 分析经典绘画理论（如三分法、黄金分割、引导线）如何被电影语言吸收和转化，用以控制观众的视线流向，强化场景中的权力关系或冲突点。 第二部分：世界观的深度设计 一个成功的视觉世界需要内在的逻辑和历史的厚度。本部分关注如何设计一个令人信服的“存在”——无论是科幻的未来都市，还是架空的中古王国。 功能性设计原理： 探讨建筑学和城市规划如何服务于电影叙事。例如，一个反乌托邦城市的垂直布局如何体现阶级压迫；一个废弃工厂的结构布局如何暗示过去的重大事件。这不是关于绘制建筑蓝图，而是关于如何通过环境的“痕迹”来讲述未曾言明的历史。 风格的提炼与统一： 介绍如何从文学描述或历史资料中提取核心风格元素（如巴洛克、未来主义、蒸汽朋克等），并将其提炼为一套可执行的视觉规范，确保场景、道具、服装在风格上高度统一。 微观环境的细节构建： 强调“非中心区域”的重要性。即使是背景中一闪而过的物品、墙角堆积的杂物，都必须符合世界观的逻辑。本书将提供一套方法论，指导设计师如何为这些次要元素赋予意义。 第三部分：场景设计中的动态平衡 电影场景是动态的，需要适应不同镜头的要求。本部分着重于如何将静态的设计转化为适应摄影机运动的灵活空间。 空间可操作性： 讨论如何在设计场景布局时预留出足够的运动空间，以容纳复杂的跟踪镜头、高速运动或多角色交互。这涉及到对景深、前景和背景层次的精确计算，确保画面在任何焦段下都具有层次感。 背景的“表演”： 分析背景元素（如飘动的窗帘、闪烁的霓虹灯、远处的交通流）如何成为场景的“次要演员”，增强画面的生命力和真实感，避免画面因过度空旷或拥挤而显得呆板。 概念草图到三维思维的桥梁： 提供从手绘概念图向三维空间转化的实用技巧，重点关注透视、比例尺的准确性，以及如何通过快速模型或数字雕塑来验证二维设计在实际拍摄中的可行性。 第四部分：道具与道具的符号学 道具是角色与环境互动的实体媒介。本部分将道具设计提升到符号学层面进行探讨。 道具的生命周期： 讲解如何设计一个道具的“历史感”。一个古老的钥匙、一个磨损的武器，其表面细节如何揭示其被使用、被遗弃或被珍藏的过程。这要求设计师深入思考道具的“前世今生”。 功能性与美学的融合： 探讨机械、电子设备的设计中，如何平衡其表面的科技感（美学）与其内部运作的逻辑（功能）。例如，设计一个未来通讯设备时，其接口和按钮的布局如何体现其操作的直观性或复杂性。 “坏道具”的价值： 讨论在某些叙事中，故意设计一个不合时宜、破损严重或与环境格格不入的道具，如何精准地表达角色的疏离感或精神状态。 第五部分：跨媒介的视觉转换 本部分将目光投向更广阔的视觉领域，探讨成熟的电影美术理念如何指导其他视觉媒体的创作。 从舞台到银幕： 比较传统舞台布景（强调观众远观的概括性）与电影场景（强调特写镜头的细节真实性）的设计差异，并提供如何在两者之间进行风格迁移的指导。 环境叙事在游戏设计中的应用： 探讨环境设计如何替代冗长的文字说明，在即时互动的环境中为玩家提供探索的动机和故事线索。 数字合成的视觉预演： 介绍在制作流程早期，如何通过概念艺术、故事板与预可视化（Pre-visualization）的紧密合作，提前确定场景的最终视觉目标，有效指导后续的特效和数字绘景工作。 第六部分：美学伦理与文化敏感性 最后，本书探讨了美术设计作为一种强大的沟通工具所应承担的社会责任。 避免刻板印象的视觉呈现： 分析历史上设计中可能存在的文化误读或刻板印象，并提供避免这些陷阱的方法，确保对不同地域和群体的表现是尊重和准确的。 可持续性与设计： 讨论在现代制作中，如何将环保理念融入场景设计和道具制作，例如选择可回收材料、设计可重复使用的场景模块等。 本书力求以严谨的艺术理论为骨架，以丰富的案例分析为血肉，为所有致力于用视觉语言讲述深刻故事的创作者，提供一把通往卓越的钥匙。它强调的不是“如何画出”一个特定的动画场景，而是“为何要这样设计”一个具有生命力的电影世界。

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这本书带给我的，更多的是一种关于“氛围营造学”的启蒙。我一直对那些能让人瞬间“穿越”到故事世界中的场景设计深感着迷，而这本书终于揭示了背后的“魔法配方”。它将场景设计解构为一系列可操作的、有逻辑的步骤，但最核心的，还是那种对细节的极致把控。比如，书中详细描述了如何通过不同材质的纹理来表达时间的流逝感——老旧木材的粗糙、金属表面的锈蚀，这些看似微不足道的元素，是如何被设计师放大并用作叙事工具的。我特别喜欢作者关于“环境心理学”在设计中的应用的阐述，它说明了场景不仅仅是角色的背景板，更是角色情感的延伸和投射。读完这部分，我立刻回去翻阅了我最喜欢的几部作品的剧照，突然间，那些场景的意义变得清晰而深刻，仿佛有一层薄雾被揭开了。这本书无疑是一剂强效的催化剂，能迅速激发读者对视觉艺术更深层次的探索欲。

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我拿到这本书时，主要希望能找到一些关于古典欧洲场景的复原技巧，但这本书所涵盖的广度和深度远远超出了我的预期。它像是一本百科全书，但又完全没有百科全书的枯燥感。特别是在处理现代都市感场景时，作者对“秩序与混乱的平衡”的拿捏非常到位。他分析了如何通过建筑线条的锐利感来表达现代社会的疏离感，同时又如何通过街角的植物和不经意的涂鸦来注入人性的温暖。而且，这本书的探讨维度非常国际化，它并不局限于好莱坞式的叙事模式，而是大量引入了亚洲、欧洲乃至南美洲的视觉文化元素进行交叉对比分析，这极大地拓宽了我的视野。阅读过程中，我多次停下来，不是因为内容太难理解，而是因为被其中一些绝妙的比喻或独到的见解深深触动，迫使我停下来细细回味和思考。总而言之，这是一本能够让你在享受阅读乐趣的同时，不知不觉间完成一次思维升级的佳作。

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从排版和装帧上看，这本书也体现出一种独特的美学追求，这在同类书籍中是比较少见的。内页的留白处理得非常克制且有韵味，使得大段的文字阅读起来也不会感到拥挤和疲劳。当然，内容才是王道。这本书最宝贵的一点是它展现了设计思维的弹性。它没有拘泥于某一种既定的风格范式，而是鼓励读者去拥抱不确定性，去创造属于自己的视觉语言。作者在探讨如何处理虚构世界的场景设定时，展现了惊人的想象力和严谨的逻辑性。他并没有满足于简单的奇幻堆砌，而是深入探讨了支撑这个奇幻世界运行的“内部法则”——比如，在这个世界里，建筑材料的来源是什么？光线如何被大气折射？这种对世界观构建的深度挖掘，使得设计不再是表面的装饰，而成为了支撑整个故事的骨架。对于那些渴望突破现有设计框架，寻找全新表达方式的创作者来说，这本书简直是一剂及时的清醒剂。

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说实话，我原本以为这会是一本偏向技术手册类的书籍，可能充满了大量的软件操作步骤或者枯燥的理论公式，但事实证明我的担忧完全是多余的。这本书的阅读体验极其流畅，它的结构安排非常巧妙，更像是一本优秀的艺术评论集，而非冰冷的技术指南。它的大部分篇幅都致力于探讨“意图”——即设计师如何在方寸之间，通过道具的摆放、空间的疏密布局来预示剧情的走向，或者刻画人物的内心挣扎。我印象最深的是关于“空间叙事”的论述，作者通过几个经典的案例对比，清晰地阐释了封闭空间如何制造压迫感，而开放场景又如何暗示自由与希望。文字的密度恰到好处，既有足够的深度供专业人士咀嚼，又不会让初学者望而却步。每次翻开它，我都感觉自己像是在和一位经验丰富的前辈进行面对面的交流，他会不厌其烦地引导你去思考“为什么是这样设计，而不是那样？”这种启发式的引导，远比死记硬背知识点有效得多。

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这本书真是让人眼前一亮！我一直对影视制作背后的视觉构建过程充满了好奇，而这本书恰好满足了我这种求知欲。它不仅仅是简单地罗列了各种设计原则，更像是带我进行了一次深入的幕后探秘之旅。作者的叙述非常生动，仿佛每一个章节都在为我揭示一个全新的世界。特别是关于如何运用光影来烘托情绪的部分，写得极为细腻和深刻。我记得有段文字详细分析了特定场景中，冷暖色调的微妙变化如何直接影响观众对角色心理状态的感知，这种层层递进的分析，让我对“设计即语言”有了更深的理解。我尤其欣赏作者在介绍不同文化背景下场景设计差异时的那种尊重和细致。它没有采用一刀切的通用标准，而是强调了地域、历史和叙事需求对视觉风格的塑造力。读完之后，我感觉自己看电影时的视角都发生了根本性的转变，不再只是关注剧情的跌宕起伏，而是开始主动去解读每一个镜头的构图和色彩选择，这绝对是一本能提升审美层次的宝典。

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