动漫人物-阶梯训练一点通

动漫人物-阶梯训练一点通 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:四川美术出版社
作者:蔡媛媛
出品人:
页数:36
译者:
出版时间:2007-1
价格:18.00元
装帧:
isbn号码:9787541031731
丛书系列:
图书标签:
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  • awa
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  • 动漫
  • 人物
  • 绘画
  • 阶梯训练
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具体描述

《美术基础实用教材•阶梯训练一点通:动漫人物》内容简介:动漫是一种舶来品。无论是图书、杂志、小贴饰、装饰物,还是插画、电影等等,它都以独特的表现手法和亲和力吸引着众多喜欢动漫艺术的爱好者们。随着时代的发展,越来越多的人喜欢上了这门艺术,它已不再单纯是孩子们黄金时段泡电视粥的专利,一些漫画也成为了老少皆宜的佳品。

为了表达对动漫爱好的痴狂,许多年轻朋友开始热衷于cosplay,以行为和装束的模仿秀来表达对卡通偶像的喜爱。而对于一些喜欢动漫却不知如何人手的爱好者来说, 《阶梯训练一点通》为你解决了这一大难题,专门为初学者提供了一套简单易学的方法。通过真人图片的参照,跟着步骤逐步深入,动漫技法一学即会,你便可以随心所欲将现实中的人物变成动漫世界里的公主王子,带你进入奇妙的异想空间。

通过这门课程的学习,你对画漫画的过程有了一个深入的了解,并通过对色彩搭配和造型理解的综合运用和由浅入深的实践,相信你一定能学到不少东西。

动漫不仅是一门艺术,也是真善美的世界。如果你热衷于它,就赶快和我一块儿拿起手中的笔,开始绘制你梦想中的主角儿,让你不仅成为一个够炫的追捧者,也是一个够酷的漫画家。

好的,这是一本关于《影视艺术的视觉叙事与经典解析》的图书简介。 --- 《影视艺术的视觉叙事与经典解析》 —— 探索光影背后的叙事逻辑与美学构建 图书简介: 在这个信息爆炸的时代,影像早已超越了单纯的记录功能,成为我们理解世界、表达情感、构建文化记忆的核心媒介。《影视艺术的视觉叙事与经典解析》并非一本停留在基础操作或工具介绍上的手册,而是一部深入电影、电视剧乃至新媒体影像作品的“幕后解剖书”。它旨在引导读者从一个全新的、具有批判性和深层理解力的角度,去审视那些震撼人心的、触动心灵的经典镜头与叙事结构。 本书将视野定位于影视艺术的核心驱动力——视觉叙事。叙事并非线性文字的简单转化,而是通过光影、构图、运动和声音的精妙编排,在二维或三维空间中建立起复杂的情感联结与意义层级。我们探讨的,正是这种将抽象概念具象化的“魔术”是如何实现的。 第一篇章:视觉语言的基石——构图、景别与运动的深层含义 本篇从最基础的视觉元素入手,但着眼于它们超越美学范畴的叙事功能。 景别的心理学效应: 为什么特写镜头能瞬间拉近观众与角色的距离,而大全景则营造出疏离感或史诗感?我们将解析不同景别在情绪张力、信息密度控制上的微妙平衡。例如,研究如何利用中景镜头来建立人物关系间的权力动态,或者如何使用极端广角来暗示环境对角色的压迫。 构图的隐喻: 黄金分割、三分法只是入门。我们重点分析“失衡构图”、“垂直/水平对峙”以及“引导线”在引导观众视线流向和烘托主题氛围中的作用。例如,在某些经典黑色电影中,利用窗框或阴影构成的“囚禁式”构图,如何提前预示角色的命运走向。 场面调度的空间哲学: 摄影机运动不仅仅是移动,它代表着观察者的立场和角色的状态。跟拍(Tracking Shot)如何体现追逐或亲密?摇摄(Pan)如何揭示环境的广阔或角色的犹豫?推拉(Dolly In/Out)在节奏掌控和情感释放上的决定性作用,都将在具体的案例分析中得到阐释。 第二篇章:时间与节奏的雕刻——剪辑的艺术与蒙太奇的理论 剪辑是影视艺术的“无形之手”,它定义了观众的感知速度和信息接收方式。本书将挑战“流畅即好剪辑”的观念,深入探讨剪辑的哲学层面。 节奏的调控: 从长镜头对时间的“呼吸感”到快速剪辑对紧张感的爆发,我们解析节奏如何塑造观众的生理反应。例如,对比传统的好莱坞式“三幕式”剪辑节奏与欧洲艺术电影中更具沉思性的时间处理方式。 爱森斯坦的辩证蒙太奇: 蒙太奇并非简单的片段拼接,而是通过对立元素的碰撞产生新的意义。我们将详细拆解“吸引子蒙太奇”、“对比蒙太奇”在社会批判和意识形态构建中的强大威力,并考察其在现代MV和广告短片中的演变与继承。 轴线与空间连续性的维护与打破: 180度轴线规则是构建稳定叙事空间的基础。本书将分析何时以及如何有意地打破这条规则,以制造眩晕感、角色失序或主观体验的瞬间爆发。 第三篇章:光影的雕塑家——灯光设计的情感映射与类型片解析 光线是导演最早的画笔。本书将光影的运用提升到美学和心理分析的层面,而非简单的照明技术。 光的物理属性与心理暗示: 硬光带来的尖锐对比(常用于惊悚片)与柔光带来的模糊性(常用于浪漫场景)之间的分野。分析光线的方向性(顶光、侧光、底光)如何塑造人物的面部特征和内在冲突。 经典光影风格的流派研究: 我们将聚焦于高调光(Key Light High)和低调光(Low Key)的典型应用。重点剖析黑色电影(Film Noir)如何利用“边缘光”(Rim Light)和强烈的明暗对比(Chiaroscuro)来描绘道德的灰色地带和主角的内心挣扎。 色彩的文化代码与情绪调色盘: 色彩不仅是装饰,更是叙事的加速器。本书将探讨特定色彩(如蓝色、红色、绿色)在不同文化背景下的象征意义,以及如何通过统一的调色板(Color Palette)在全片中保持情绪基调,例如韦斯·安德森作品中那种精致、略带疏离感的饱和色系。 第四篇章:声音的隐藏维度——对白、音乐与环境音的叙事整合 声音常被视为辅助元素,但它在构建沉浸感和推动情节上具有不可替代的作用。 声音的层次建构: 声音的“前景、中景、背景”是如何被精确调配的?分析如何利用环境音(Diegetic Sound)来增强场景的真实性,以及如何通过画外音(Non-Diegetic Sound)来引导观众的情绪认知。 音乐的时机与张力: 配乐何时加入,何时抽离,是决定性的一刻。本书将研究配乐如何强化冲突、预示危险,以及在非音乐场景中,突然出现的寂静所蕴含的巨大叙事力量。 对话的潜台词与空间感: 优秀的对话不仅传递信息,更塑造人物的社会身份和心理状态。研究如何通过混响(Reverb)和音量变化来暗示对话发生的环境,以及对白如何与角色的肢体语言形成呼应或矛盾。 结语:超越表象的“如何看” 《影视艺术的视觉叙事与经典解析》旨在提供一套完整且深入的分析框架。它要求读者停止被动接受影像的冲击,转而主动参与到对作品的解码过程中。通过对这些技术与美学层面的深入理解,读者将能够更敏锐地察觉到优秀影视作品中每一个镜头的“意图”所在,从而真正欣赏到光影、运动和声音是如何共同编织出扣人心弦的宏大叙事,并从中汲取创作的灵感与理论的养分。 --- 适合读者: 影视专业学生、独立电影制作人、资深影迷、致力于提升自身视觉表达能力的艺术创作者,以及任何希望深度理解影像艺术魅力的爱好者。

作者简介

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读后感

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用户评价

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这本书的封面设计真是深得我心,那种色彩的搭配和人物剪影的运用,一下子就抓住了我这个动漫迷的眼球。我本来就是个漫迷,平时也喜欢自己动手画点小东西,但总感觉自己的基础有点虚。拿到这本书,我首先被它厚实的质感和精美的印刷所吸引,感觉像是买到了一件艺术品。虽然我还没完全啃完,但光是翻阅目录和前几页的介绍,我就能感受到作者在内容编排上的用心。他们似乎很懂得我们这些初学者到底需要什么样的引导,不是那种干巴巴的理论堆砌,而是用一种非常直观、循序渐进的方式来展开教学。我尤其欣赏他们对“打形”这个基础步骤的强调,这一点在很多同类书籍中常常被一带而过,但这本书却把它当作重中之重来讲解,让我这个一直苦于画不好人物骨架的人看到了希望。我迫不及待地想开始实践他们的第一课,相信这本书会是我动漫绘画旅程中非常可靠的向导。

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这本书的装帧和排版,绝对是业界良心。通常这种教学用书为了控制成本,往往会牺牲纸张的质量和布局的美观度,但这本书完全没有这个问题。每一页的留白恰到好处,既保证了清晰的视觉焦点,又不会让人感到拥挤。图例的清晰度和细节程度也令人称赞,即便是最细微的笔触走向,都能看得一清二楚。更让我满意的是,作者似乎非常注重“实践反馈”的设置。在每一章节的末尾,都有一些开放性的练习题,鼓励读者去跳出书本的框架进行创作,而不是死板地复制粘贴。这种引导式学习的模式,极大地激发了我的创作欲望,让我感觉自己不再是一个被动接受知识的学生,而是一个积极的探索者。这本书的设计者,显然是真正为读者考虑过的。

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最近我一直在琢磨如何让自己的画风更有辨识度,毕竟模仿别人画得再像也不是自己的东西。这本书在“风格化”这一块的探讨,简直是为我打开了一扇新窗。它没有强迫读者去统一模仿某一种特定的日系画风,而是引导我们去观察、去提炼,最终形成自己独特的审美和表现手法。书里关于“光影处理”和“色彩理论”的章节,我反复看了好几遍。作者对不同光源下的环境光和反射光有着非常细腻的描绘,这对于提升画面的立体感和氛围感至关重要。读完这部分内容,我开始重新审视自己过去对色彩的运用,发现了很多以前没有注意到的盲点。这本书的价值就在于,它不仅仅教你怎么“画”,更教会你如何“思考”如何“观察”,这一点远超出了我最初的预期。

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从一个骨灰级动漫爱好者的角度来看,这本书在细节处理上的严谨程度,让我感到非常惊喜。很多基础教程往往在处理手部和头部这种复杂结构时显得力不从心,但这本书对这两个“老大难”部位的讲解却是深入浅出,拆解得非常细致。尤其是对于面部表情的解构,它不仅仅停留在肌肉层面上,还结合了心理学的基本原理,让人在画人物时,能真正理解“为什么”这个表情会产生。我过去一直很困惑于如何画出有神采的眼睛,这本书里关于瞳孔反光和眼神方向的解析,立刻帮我找到了突破口。这种超越一般绘画技巧层面的深度探讨,让这本书的价值远远超过了一本普通的速成指南,它更像是一本值得收藏和时常翻阅的工具书,能伴随我走过很长一段时间的绘画成长道路。

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说实话,我买这本书的时候其实是抱着“试试看”的心态的,因为市面上同类型的教学书实在太多了,很多都是华而不实,内容陈旧。然而,这本书的出现完全颠覆了我的看法。它的讲解方式非常接地气,没有使用太多晦涩难懂的专业术语,即便是像我这样半路出家自学的爱好者,也能迅速理解其中的要领。我特别喜欢它在不同“阶梯”之间的过渡设计,感觉每完成一个阶段的学习,我的能力似乎都有了一个质的飞跃。特别是对于动态捕捉和表情绘制的部分,作者似乎有一种魔力,能把那些看似复杂的肌肉结构和情绪变化,用最简单的几何体和线条来表现出来。我已经开始尝试临摹书中的范例,发现以前画出来的“僵硬人”现在有了一种久违的生命力。这不仅仅是一本教程,更像是一位经验丰富的大师在耳边耐心指导,让人充满信心去挑战下一个难题。

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