具体描述
本书撰写在思想上、结构上、兼顾了创作和教学，选择的研究方向和归纳的题目，都是学习者、教学者、热爱者所关注的命题。很多的选题和论述关系到我们国家未来电影表演艺术创作、教学和理论的发展。学术上畅所欲言，研究上方法各异，认识问题由浅入深，有很多新的视点，文本也有新的内容和论述，从而，提高了我们对表演的认识，带我们进入一个崭新的境界。反映了著作者的理论思考和理论思维。《表演艺术教程》的出版，对专业电影研究人员是一部表演理论的参考；对专业表演艺术创作人员是一本经验的对照；对正在学习表演艺术的学生是一本极好的教科书；对高校影视表演教学是一部极好的范本教材。
作者简介
林洪桐，1937年生，福州市人。1960年毕业于北京电影学院表演系，现任北京电影学院教授，院务、学术、艺术委员会委员。青年电影制片厂导演。中国艺术研究院影视培训中心艺术总监。为中国电影家协会、电影导演、文学、评论学会等会员，中国电影表演学会副会长。从事教学近四十年，达万余课时。主攻电影表演、剧作、理论。发表专著五部：《影视表演技巧入门》、《电影演员的魅力》、《多姿多彩的银幕美》等。其中《银幕技巧与手段》获广电部教材一等奖。《电影表演艺术》获广电部科研成果三等奖。发表论文近百篇(达二百余万字)：《电影本体与电影表演》、《电影的现代性与银幕表演》、《电影结构的突破与创新》、《电影时空的艺术力量》、《淡泊中边走边唱》、《让灵魂追赶躯体》、《银幕美的探索》等。为电影表演学科带头人，提出“银幕表演三圈论”，“表演创作思维三种模式论”等。1992年国务院授予“突出贡献专家政府特殊津贴荣誉”。创作影视剧本：《北京人》、《黎明奏鸣曲》、《缓期执行》、《雾》、《虹》、《疯狂歌女》等15部(均拍摄发表)。导演影视作品：《往事如烟》、《雪花静静地飘》、《初升的太阳》、《超越情感》、《红舞鞋》等10部。其中《死神与少女》获“瓦尔纳国际电影节荣誉奖”、“新时期人道主义精神奖”、“奋发进步文明”铜牌奖等。《多梦时节》获第九届“金鸡奖”最佳儿童片奖、1989年度“华表奖”、第三届“铜牛奖”、艺术追求奖等。《寒夜》、《欲火焚心》选送“戛纳”、“南特”国际电影节展映。导演话剧：《悲悼》、《北京人》、《烟熏橡木》、《被埋葬的孩子》、《被残害的人》、《暗恋桃花源》等10部。历任第11、14、20届“金鸡奖”，1994年度“华表奖”，第3、4届“金桥奖”，电影百年“世纪杯奖”等评委。
目录信息
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读后感
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用户评价
这本小册子，坦率地说，让我有些摸不着头脑。我本以为这是一本关于舞台表演的深度剖析，或许能提供一些关于角色塑造、情感表达或是舞台调度上的独家见解。然而，读完之后，我感觉自己仿佛在迷雾中绕了一圈，并没有找到什么实质性的“干货”。它更像是一系列零散的想法和一些非常笼统的观察，缺乏系统的框架和可操作的指导。比如，它提到“关注呼吸的起伏”，这当然没错，但问题是如何在实际的排练和演出中有效地捕捉和运用这一点呢？书中并没有给出具体的练习方法或是案例分析来支撑这个论点。对于一个渴望提升技艺的表演者来说，这种泛泛而谈的论述，实在有些不够过瘾。我更希望看到一些具体到特定剧目或特定表演情境下的解析，而不是这种高高在上的理论总结。整体而言，阅读体验是令人有些失望的，它更像是给已经有一定经验的人士提供的一些不痛不痒的“锦囊”，对于新手或者希望寻求突破的专业人士来说，帮助有限。
评分说实话，我对这本书的期望值相当高，毕竟“手册”二字就意味着应该提供一套清晰、可遵循的流程或方法论。结果呢？它给我的感觉更像是一本未完成的笔记草稿。文字的组织显得有些松散，章节之间的逻辑跳跃性很大，读起来需要我不断地在脑海中自行构建联系。比如，前一页还在讨论形体训练，下一页可能就跳到了观众心理分析，两者之间的过渡生硬得让人措手不及。我特别留意了其中关于“即兴创作”的那一章，希望能从中获得一些启发，但读完后，我发现它只是罗列了一些即兴的原则，却鲜有深入的技巧探讨。这让我不禁怀疑作者在撰写过程中是否经历了一些创作上的瓶颈。如果定位是给专业人士的进阶参考，那么深度和广度都远远不够；如果面向入门者，那么这种缺乏条理性的叙述方式又会造成理解上的巨大障碍。总而言之，这本书的结构性问题非常突出，严重影响了其作为工具书的实用价值。
评分这次阅读体验，让我深刻体会到了“理论脱离实践”的困境。这本书的视角似乎总是停留在宏观层面，对具体表演情境的切入点把握不准。比如，它用了大量的篇幅去论述“剧场的神圣性”，试图将表演提升到一种宗教仪式的高度，这在文学讨论中或许很有价值，但在要求演员快速进入角色的排练现场，这种过于沉重的理论包袱反而会成为一种负担。我寻找的是能够帮助我解决“如何将抽象情绪转化为可见动作”的工具箱，而不是一个关于“表演的终极意义”的哲学讲座。全书下来，我没有找到任何一套可以立即在排练中尝试并看到效果的练习序列，也没有对常见表演误区提出建设性的纠正方案。总体来看，这本书更适合在戏剧史或戏剧理论的课堂上作为辅助阅读材料，作为一本“表演分析手册”，它的实用性和指导性严重不足，更像是一本“关于表演的思考集”而非“指导表演的工具书”。
评分这本书给我的感觉，就好像是作者将自己多年来的观戏笔记一股脑地倾倒在了纸面上，缺乏编辑和提炼。信息量是有的，但“噪音”也特别多。我花了好大力气才从中筛选出一些可能对自己有用的片段。尤其是在探讨演员的“内在动机”部分，它似乎过度强调了个人经验和直觉的重要性，这对于那些需要明确指导、寻求量化标准的学习者来说，无疑是一种挫败。我期待的是一套可以被分解、被练习、最终被内化的系统，而不是一堆要求我“全盘接收”的经验之谈。更令人费解的是，书中引用的诸多理论来源交叉引用得非常混乱，有些观点似乎前后矛盾，让人不禁怀疑作者对这些理论的理解是否足够深入和统一。读完后，我感觉自己像是吞下了一团线球，虽然材料丰富，但完全不知道该从何处入手解开。
评分翻开这本书，首先吸引我的是它那略显复古的封面设计，带着一种对经典戏剧的敬意。然而，这种表面的优雅并未能延续到内页的内容之中。这本书在语言风格上显得过于晦涩和学院化，充斥着大量生僻的术语和哲学化的阐述，这让我在阅读过程中不得不频繁停下来查阅背景知识，极大地打断了我的沉浸感。举例来说，书中对于“存在主义美学在当代舞台空间中的投射”的讨论，篇幅占据了相当一部分，但对于我们日常排练中会遇到的灯光、音效配合等实际操作层面的指导，却几乎没有提及。这就像是邀请一位米其林大厨来分享食谱，结果他只跟你谈论食材的哲学起源，却忘了告诉你如何掌握火候。我承认，其中某些观点在理论上是值得玩味的，但对于致力于提升舞台表现力的实践者而言，这些“空中楼阁”式的探讨显得有些脱离实际，甚至可以说是华而不实。
评分感觉有点像注水牛肉 比猪肉还是要好 但毕竟不能烤牛排
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