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出版者:机械工业出版社

作者:陈思聪

出品人:

页数:216

译者:

出版时间:2007-2

价格:49.00元

装帧:

isbn号码:9787111206354

丛书系列:

图书标签:

• PS
• Photoshop CS2
• 图像处理
• 数码图像
• 图像编辑
• Photoshop
• 图形设计
• 软件教程
• 中文版
• 图像处理技术
• 设计工具

深入解析与实践：现代平面设计与视觉传达的基石 本书聚焦于推动创意产业向前发展的核心技术与理念，旨在为所有致力于提升视觉表达能力、精进数字艺术创作的专业人士和爱好者提供一本权威、详尽的实战指南。它超越了单一软件的操作演示，深入探讨了数字图像的本质、色彩科学的奥秘以及如何利用前沿工具实现创意的最大化。 --- 第一章：数字图像的底层逻辑与视觉科学基础 本章致力于构建读者对数字图像世界的深刻理解，这是所有高级处理技术得以施展的理论基石。我们将从光线的物理特性入手，剖析人眼视觉系统的生理学原理，解释我们如何感知颜色、亮度与对比度。 1.1 像素的艺术与科学： 详细解析数字图像的构成要素——像素（Pixel）。探讨不同位深（Bit Depth）对图像动态范围和色彩精度的影响，区分有损压缩（如JPEG）与无损压缩（如TIFF、PNG）背后的信息损失机制。我们将通过大量的图例，演示如何通过分析直方图来判断和修正图像的曝光与色调分布，理解“剪切”（Clipping）现象对图像细节的破坏性。 1.2 色彩空间的权威解读： 色彩是视觉传达的灵魂。本章深入讲解主流色彩空间（如sRGB, Adobe RGB, ProPhoto RGB）的差异、适用场景及其色彩范围的几何意义。重点讲解色彩管理（Color Management）的工作流程，包括ICC Profile的生成、应用与验证，确保从设备输入到屏幕显示再到最终输出的色彩一致性。我们将模拟专业印刷流程，讲解CMYK与RGB之间的转换原理及其可能导致的色彩偏差问题，并提供校正策略。 1.3 图像分辨率与媒介匹配： 区分打印分辨率（DPI）与屏幕分辨率（PPI）的实际意义。指导读者如何根据不同的输出媒介（高清屏幕、大幅面喷绘、精细艺术印刷）科学地设定图像尺寸与分辨率，避免因尺寸不匹配导致的模糊或锯齿现象。 --- 第二章：高效的图像采集与预处理工作流 高质量的成品始于高质量的原始素材。本章将流程化地指导读者如何优化图像采集环节，并为后续的复杂处理打下完美的基础。 2.1 高级数码摄影的后期准备： 专注于从数码相机或扫描仪获取数据的最佳实践。探讨RAW格式数据的优势，及其在曝光补偿、白平衡重建方面的巨大潜力。讲解不同色彩模式下的文件导入策略，以及如何建立一个自动化的文件命名与归档系统，以应对海量素材的管理挑战。 2.2 非破坏性编辑的哲学： “非破坏性”（Non-Destructive）是现代专业处理的核心理念。本章详述如何通过使用智能对象（Smart Objects）、图层蒙版（Layer Masks）和调整图层（Adjustment Layers）来实现对原始像素的绝对保护。通过实例演示，说明这种工作流在项目迭代、客户修改或未来升级中的不可替代性。 2.3 基础曝光与细节重建： 超越简单的亮度调整。本章教授如何利用曲线（Curves）工具进行精确的S型对比度调整，以及如何科学地使用高光和阴影恢复工具，在保持自然过渡的前提下，最大限度地挽救过曝或欠曝的区域。讲解降噪技术，区分空间降噪与色彩降噪，并在不同噪点类型下选择最佳的处理算法。 --- 第三章：精细化选区与复杂蒙版的艺术 精确的选区和灵活的蒙版是实现复杂合成与局部调整的关键技术。本章将引导读者掌握从简单到极其复杂的选择技巧。 3.1 选区工具的深度挖掘： 系统梳理所有选区工具的底层逻辑，包括选框、套索、魔棒，并着重讲解“色彩范围”和“通道”（Channels）在提取复杂边缘信息方面的强大能力。 3.2 通道抠图：提取发丝与半透明物体： 将通道作为提取细节的“秘密武器”。通过对比红、绿、蓝三个通道的灰度差异，指导读者识别并利用最佳的通道组合来分离主体与背景，尤其针对婚纱、毛发、玻璃等高难度边缘的处理，提供清晰的分步指导。 3.3 图层蒙版的层级与组合： 深入探讨如何叠加、组合多个图层蒙版，以实现复杂的渐变过渡和精确的区域控制。讲解“矢量蒙版”与“位图蒙版”的适用性差异，及其在保持形状清晰度方面的优势。 --- 第四章：高级合成与视觉特效的实现 本章将合成技术提升到叙事与空间构建的层面，教授如何将多个独立的图像元素无缝地融合为一个可信的、具有统一光影环境的全新场景。 4.1 图层混合模式的深入应用： 不仅仅是“叠加”或“变暗”。本章详细解析如“颜色”、“柔光”、“叠加”等混合模式背后的数学运算，并指导读者如何利用这些运算来实现特定的视觉效果，例如模拟光线穿透、增强纹理对比度或实现逼真的颜色融合。 4.2 光影的重建与环境匹配： 成功的合成依赖于对光照的一致性模拟。讲解如何分析源素材的光源方向、强度和色温，并利用“加深/减淡工具”配合自定义笔刷，以及使用“镜头光晕”和“光束”工具，来精确地添加或修正阴影和高光，使合成元素完全融入背景。 4.3 纹理的叠加与三维空间的错觉： 指导读者如何利用纹理图层（如木纹、金属、污渍）配合特定的混合模式和“扭曲/变形”工具，为平面图像增加深度感和真实感，从而营造出伪三维的视觉效果。 --- 第五章：专业级修饰与精修技术 本章关注于人像、产品和风景图像的极致优化，重点在于“恰到好处”的修饰，避免过度处理带来的塑料感或失真。 5.1 皮肤的精细处理与自然美化： 系统介绍“高低频分离”（High/Low Frequency Separation）技术，这是一种革命性的修饰方法，它允许修饰者在不影响皮肤纹理（高频）的前提下，平滑肤色和瑕疵（低频）。同时对比传统仿制图章和修复画笔的使用场景。 5.2 锐化与细节增强的科学： 探讨不同锐化方法的优劣，包括“USM锐化”、“高反差保留”（High Pass）和“智能锐化”。强调在处理流程的哪个阶段进行锐化是最佳选择，并提供针对不同介质（屏幕显示 vs. 印刷输出）的定制化锐化方案。 5.3 镜头校正与几何形变修复： 讲解如何利用专业的工具精确校正相机镜头带来的畸变（如桶形或枕形畸变）和色差问题。对于需要透视矫正的建筑或产品摄影，提供基于网格的精确变形技术指导。 --- 第六章：面向输出的终极优化与工作流程管理 图像的价值最终体现在其最终的呈现效果上。本章侧重于如何为不同的最终用途准备文件，确保质量和效率。 6.1 印刷准备的质量控制（Prepress）： 详细讲解向印刷厂交付文件的标准流程。包括色彩模式的最终转换（确保专色或特定油墨兼容性）、出血（Bleed）的设置、陷印（Trapping）的基础概念，以及创建高质量PDF/X标准文件的步骤。 6.2 网页与数字媒体的优化策略： 指导如何平衡图像质量与文件大小，以适应不同的网络加载速度要求。讲解如何有效地使用“存储为Web所用格式”的各项参数，包括WebP等新型格式的应用潜力。 6.3 批处理与自动化效率： 介绍动作（Actions）的录制、编辑与分发，以及如何结合批处理功能来自动化重复性任务（如批量色彩空间转换、添加水印或统一文件命名），从而将专业人士的时间解放出来，专注于更高价值的创意工作。

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说句实在话，我买这本书的时候，其实是冲着它的“系统性”去的，而不是某几个特定的技巧。我那时候刚从其他一些入门级的软件过渡过来，感觉知识体系很零散，就像一堆散乱的零件，急需一本大部头来帮我搭建一个完整的知识框架。我希望它不仅仅是教我“怎么做”，更重要的是教我“为什么这么做”。比如，关于选区工具的运用，我不想只学会“套索工具”的使用方法，我更想知道在面对复杂边缘（比如毛发、烟雾）时，各种高级选择工具（如通道抠图）是如何协同工作的，以及它们的底层逻辑是什么。另外，对于动作（Action）的录制和脚本编写的介绍，我期待它能提供足够多的自动化流程范例，让我可以将重复性的劳动交给软件去完成，从而解放出更多时间专注于创意本身。一本好的工具书，应该能帮助读者建立起一套自己的工作哲学，而不是仅仅停留在工具箱的说明书层面。

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我是在一个光影变化非常关键的项目中偶然接触到这套丛书的，当时的需求是处理一批老照片的修复和色彩校正，涉及到大量噪点去除和细节锐化。市面上很多教程对这种老旧、模糊素材的处理往往一带而过，讲的都是基础的界面操作。我当时急需的是那种真正深入到算法和原理层面的讲解，比如曲线工具背后的直方图原理，以及如何通过通道信息进行更精细的局部调整。这本书的体量给我一种它能覆盖到这些“硬核”知识的期待。我尤其关注的是关于色彩空间转换和色彩管理的部分，因为在印刷和网络输出时，色差问题一直困扰着我。如果这本书能详尽解释ICC Profile的加载和管理，并提供实用的工作流程建议，那就太值了。期待它能像一位经验丰富的老技师那样，告诉我如何避免常见的色彩漂移，让画面在不同媒介上保持一致的视觉冲击力，这才是衡量一本“宝典”是否名副其实的关键所在。

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这本书的封面设计得倒是挺吸引眼球的，厚重的感觉一下子就抓住了我的注意力，毕竟“宝典”这个词份量不轻。我当时买它，主要还是冲着Photoshop CS2这个版本去的，心想这应该是当时最全面、最权威的中文参考书了。拿到手里沉甸甸的，翻开目录，密密麻麻的章节标题，感觉内容一定非常详尽。我记得当时刚接触数码后期没多久，对各种工具和菜单栏里那些拗口的英文缩写感到头疼，特别期待这本书能用清晰易懂的中文，把复杂的概念讲透彻，让我这个新手也能迅速上手，不再是只会用“画笔”和“橡皮擦”的半吊子。特别是图层混合模式那一块，我总是在那里绕不出来，希望能在这本“宝典”里找到醍醐灌顶的解释，最好能配上足够多的实际案例，让我理解每一个参数调整背后到底隐藏着什么样的视觉效果变化，而不是仅仅停留在理论层面，那样对实践帮助才大。说实话，厚厚的书放在桌上，本身就是一种无声的信心保证，让人觉得只要啃下来，Photoshop的使用水平绝对能上一个台阶。

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这本厚厚的书，给我的第一印象是它仿佛代表了一个时代的审美标准和技术高峰。CS2，那是一个插件生态蓬勃发展，同时软件自身性能也相对稳定的时期。因此，我非常好奇它对当时主流的第三方滤镜插件是如何进行介绍和应用的。我记得当时很多特效都是通过特定的插件实现的，比如那种超现实的金属质感或者晶格化的扭曲效果。我希望这本书能提供一些关于如何高效管理和调用这些外部资源的方法，而不是零散地介绍几个效果。此外，对于图像的非破坏性编辑，我非常看重这一点。我希望能看到关于智能对象和图层样式的深入探讨，它们如何帮助我们在不直接修改原始像素的情况下，实现复杂的设计意图。如果书中能用清晰的对比图展示“破坏性”和“非破坏性”编辑在后期修改中的巨大差异，那对于培养良好的设计习惯将是巨大的助力。

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我买这本书的时候，最大的困惑是关于数码后期与传统摄影理念的结合。作为一名对传统胶片冲洗流程有所了解的人，我总觉得数码处理似乎少了一些“韵味”。我期待这本“宝典”能在它的“数码暗房”章节中，能有针对性地弥合这两者之间的鸿沟。例如，它是否能详细讲解如何通过色阶和曲线模拟出特定品牌胶片的宽容度和灰阶过渡特性？又或者，在处理黑白照片时，如何利用红滤镜、绿滤镜在数码环境中进行等效模拟，以达到传统暗房中特有的对比度和影调层次？如果它能提供这种跨越媒介的思维转换指导，那这本书的价值就远远超出了单纯的软件操作指南。我需要的是能将冰冷的像素转化为富有情感和质感的图像的秘诀，而这些秘诀往往隐藏在对光影本质的深刻理解之中。

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