Films of Charlie Chaplin

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出版者:C Trade Paper
作者:Annamaria MacDonald
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:1972-06
价格:USD 14.95
装帧:Paperback
isbn号码:9780806502410
丛书系列:
图书标签:
  • 卓别林
  • 喜剧
  • 电影
  • 默片
  • 经典
  • 电影史
  • 查理·卓别林
  • 电影研究
  • 影像艺术
  • 电影大师
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具体描述

追光逐影:电影史上的不朽足迹 一册深入探索电影诞生初期至黄金时代,聚焦于流派发展、技术革新与幕后群像的恢弘史诗。 本书并非一部聚焦于特定喜剧大师的传记式作品,而是以更宏大的视角,剖析二十世纪上半叶,电影艺术如何从游艺场的奇观,蜕变为影响世界的文化载体。 --- 第一部分:黎明前的喧嚣——电影的试验田(1895-1915) 本部分详尽考察了电影作为一种新兴媒介,在欧洲与北美大陆的蹒跚起步与野蛮生长。我们不关注银幕上的某一个固定形象,而是聚焦于那些奠定基础的“发明家”与“魔术师”。 一、光影的诞生:卢米埃尔兄弟与梅里爱的遗产 机械的奇迹与观众的初体验: 深入分析卢米埃尔兄弟的活动电影摄影机如何捕捉现实的片段——《火车进站》引发的恐慌与《水浇园丁》中的幽默初探。重点探讨了早期电影院的社会功能,它们如何成为工人阶级和新兴中产阶级的新型娱乐场所。 从记录到幻想:梅里爱的电影炼金术: 详述乔治·梅里爱如何利用剪辑、叠印和多重曝光等原始特效,将电影从单纯的记录工具提升为叙事和魔幻的载体。分析《月球旅行记》在叙事结构和视觉想象力上的开创性贡献,以及它如何确立了“电影奇观”的概念。 二、叙事的萌芽与场面调度 德律埃的雕塑空间: 探讨法国导演埃米尔·科尔(Émile Cohl)如何通过连贯的动画短片,开始尝试将复杂的概念转化为动态的画面。 D.W. 格里菲斯与宏大叙事的奠基: 尽管格里菲斯的某些作品存在争议,但本书承认他在技术上的革新地位。重点分析他如何系统化地运用特写镜头、交叉剪辑(Cross-cutting)和景深镜头(Deep Focus的早期形态),以构建复杂的情感张力和史诗般的规模。我们着重分析《国家的诞生》在蒙太奇理论形成初期的影响力,而非其内容的意识形态偏向。 早期工作室制度的形成: 追溯早期制片人(如福克斯、阿道夫·祖科)如何在南加州建立片场,以及这种地理集中化如何为后来的好莱坞工业化生产奠定基础。 --- 第二部分:风格的成熟与流派的勃兴(1915-1927) 随着电影语言的成熟,本阶段的重点转向了对特定叙事模式和视觉风格的探索,各个流派开始明确地划分界限,为后世的电影制作提供了成熟的模板。 一、欧洲的实验场:表现主义与先锋电影 德国的焦虑与几何学: 详细剖析魏玛时期德国表现主义电影的崛起。重点分析罗伯特·维内(Robert Wiene)的《卡里加里博士的小屋》中扭曲的布景设计如何直接反映人物的内心世界,以及弗里茨·朗(Fritz Lang)在《盗尸者》中对阴影和光线的戏剧性运用,展示了电影如何成为心理投射的媒介。 苏联的蒙太奇革命: 深入探讨谢尔盖·爱森斯坦(Sergei Eisenstein)的“知性蒙太奇”理论,特别是其“吸引力的冲突”原则。通过分析《战舰波将金号》中的敖德萨阶梯一幕,揭示如何通过镜头的并置而非简单的线性叙事,来引导观众的意识形态思考。 二、好莱坞的类型化定型 西部片的英雄原型: 分析弗兰克·劳埃德(Frank Lloyd)和约翰·福特(John Ford)早期作品中,西部片如何确立“文明与蛮荒”的核心冲突,以及英雄形象(如盖瑞·库珀的早期形象)的塑造模式。 早期恐怖片的美学: 考察环球影业(Universal)在默片后期对哥特式美学的继承与创新,如朗·钱尼(Lon Chaney Sr.)在化妆技术上的突破,以及这种视觉恐惧如何与德国表现主义产生跨洋的共鸣。 制作体系的工业化: 探讨派拉蒙、米高梅等大制片厂如何通过合同制度、明星系统和垂直整合(拥有自己的院线),构建起稳固的好莱坞帝国,将艺术创作纳入高效的流水线生产模式。 --- 第三部分:有声时代的冲击与过渡(1927-1939) 有声电影的引入是电影史上一次颠覆性的变革,它不仅改变了技术制作流程,更重塑了演员的表现方式和叙事节奏。 一、技术的革命与演员的危机 “发声”的艺术挑战: 分析从《爵士乐之王》开始,声音技术如何迫使摄影机从移动的“笼子”中解放出来,以及同期录音对早期电影布景和灯光带来的限制与调整。 从肢体到语言的转向: 讨论那些依靠精湛肢体语言的默片演员如何在新媒介下面临淘汰,以及新一代演员如何适应对白驱动的表演风格。 音乐剧的兴起: 探讨有声技术如何催生了歌舞片的繁荣,如巴斯比·伯克利(Busby Berkeley)通过对舞台几何学和群体调度的极致运用,创造出超现实的视觉盛宴。 二、黑色电影的雏形:社会阴影的浮现 从表现主义到黑色光影: 尽管经典的黑色电影出现在更晚的时期,但本书追溯了其在早期有声片中的萌芽。分析弗朗茨·卡普拉(Frank Capra)和威廉·惠勒(William Wyler)在反映经济大萧条背景下,对小人物挣扎的刻画,以及比恩·赫尔斯唐(Ben Hecht)早期剧本中对道德模糊性的探索。 惊悚片与悬念的精炼: 重点分析阿尔弗雷德·希区柯克(Alfred Hitchcock)在英国和早期好莱坞的过渡作品,如何将对角色心理的深度挖掘融入到紧张的叙事节奏中,确立了其“悬念大师”的地位,其关注点在于结构而非单纯的喜剧元素。 三、亚洲电影的并行发展 日本的“时代剧”与“新态剧”: 简要介绍日本电影在默片时期发展出的独特美学,特别是时代剧(武士片)对传统叙事和古典美学的坚守,以及小津安二郎等导演如何在家庭伦理片中开始探索现代性的微妙冲突。 --- 结语:风格的遗产与未竟的篇章 本书最终总结了二十世纪前三十年电影艺术所完成的飞跃:它从一个科学玩具进化为一门成熟的艺术形式,建立了一套全球通用的视觉语法。我们看到的是一个多元化的、充满实验精神的电影世界,其丰富的流派和技术积累,为后来的电影大师们提供了取之不尽的灵感源泉。本书旨在为读者提供一个清晰的地图,标示出通往经典电影殿堂的每一条重要岔路。

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读后感

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这本书简直是视觉的盛宴,从封面那张略带忧郁的卓别林侧影开始,我就知道这不是一本普通的传记。它没有采用那种流水账式的年表记录,而是像一部精心剪辑的默片,用大量的剧照和幕后照片,将我们拉回了那个喧嚣又充满诗意的电影黄金时代。每一张照片的排版都极为考究,光影的运用简直可以作为摄影教程的范本。我尤其喜欢它对《淘金记》拍摄期间的那些照片,那种在冰天雪地里,演员和工作人员都冻得瑟瑟发抖的真实感,透过泛黄的纸张扑面而来,让人对卓别林那种近乎偏执的艺术追求肃然起敬。更不用说那些早期短片的场景重现,那种肢体语言的张力,即便没有台词,也能让你体会到小流浪汉内心的挣扎与乐观。这本书的装帧也极其精美,纸张的质感厚重,色彩还原度很高,看得出出版方在制作上的用心。翻阅它,与其说是阅读,不如说是一场穿越时空的沉浸式体验,仿佛空气中还残留着旧式胶片的味道,以及百万观众为之屏息的笑声与泪水。它没有冗长晦涩的理论分析,只是用最直观的影像语言,讲述了一个天才如何用他的“跛行”和“礼帽”征服了整个世界,那些画面本身就是最强有力的论述。

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这本书的装帧设计和排版简直是一场灾难,但我却难以放下。它的字号小得有些令人发指,而且行距也挤得相当紧凑,如果不是光线极好,戴上老花镜都得费一番劲才能看清。然而,正是这种略显“复古”甚至有些“反人类工程学”的设计,反而营造出一种阅读旧档案的错觉。内容上,它着重于卓别林与他那个时代其他电影巨头——比如格里菲斯、巴斯特·基顿等——之间复杂的、时而合作时而竞争的关系网。书中细致梳理了他们各自在叙事手法和喜剧元素上的相互影响和借鉴,甚至引用了大量当时报刊上对他们作品的尖酸刻薄的评论。这种将卓别林置于整个早期电影生态系统中去审视的视角,显得尤为新颖。它揭示了艺术的成长往往是在不断的论战和模仿中完成的,而非真空中的完美诞生。虽然阅读过程需要极大的专注力来对抗那些密集的文字和微小的字体,但一旦沉浸其中,那种被历史洪流裹挟的代入感是其他书籍难以比拟的。

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我原本以为这会是一本枯燥的电影理论分析集,毕竟“查理·卓别林”这个名字本身就带着一种学术光环。然而,这本书的叙事方式却充满了灵动和跳跃感,更像是一部由卓别林本人亲自口述、充满着机智与自嘲的访谈录。它很少深入探讨晦涩的电影技术,反而更聚焦于卓别林作为“人”的那些鲜活侧面。比如,书中花了相当大的篇幅描绘了他与技术人员,尤其是与他的音乐合作者之间的那些充满火花的争执与妥协,那种艺术家之间为了追求完美而产生的化学反应,读起来非常过瘾。还有一些关于他早期在剧院摸爬滚打的经历的侧写,那种草根的挣扎、对舞台灯光的渴望,让人对他的成功多了一层深刻的理解。这本书的行文流畅自然,语言中带着一种英式特有的幽默感,即使是描述一些严肃的行业内幕,也处理得风趣得体。它没有高高在上的评判,而是用一种近乎老友般的口吻,与读者分享这位电影巨人台前幕后的点滴思绪。读完之后,我感觉对卓别林这个公众形象背后的那份复杂性有了更立体的感知,不再只是一个符号,而是一个有血有肉、充满矛盾的创造者。

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这本书的价值,恰恰在于它对卓别林创作过程中的“非典型”细节的挖掘与呈现。市面上太多书籍热衷于剖析《城市之光》或《摩登时代》的结构和主题深度,但这本书另辟蹊径,它聚焦于那些在主流评论中经常被忽略的“过渡期”作品,以及那些被他本人视为“失败”的尝试。书中对早期谢里夫片场的混乱管理、对新技术的抵触与适应,以及他如何在高压的制片环境下保持其核心艺术观点的描述,细致入微。它没有美化创作的痛苦,反而坦诚地展示了每一次成功背后,是无数次推翻重来的挫败感。我特别欣赏它在某一章中,通过对比他不同时期电影中对“贫富差距”表现手法的微妙变化,来反思当时社会思潮的演变,这种宏大叙事与微观案例结合的方式,非常具有启发性。它迫使你跳出对“经典”的膜拜,转而以一种更为批判和辩证的眼光去看待这位大师的整个创作谱系。对于想深入了解电影工业发展史的爱好者来说,这绝对是一本不可多得的参照物。

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我是在一个朋友的推荐下接触到这本书的,他只说了一句:“这本书里的配图,比很多专业画册都强。”事实证明他的评价非常到位。这本书与其说是一本正经的书,不如说是一本被赋予了知识的、高品位的影像剪贴簿。它没有提供一个连贯的叙事主线,而是将大量的文献、手稿片段、甚至是电影拍摄现场的非正式草图,以拼贴画的形式呈现出来。比如,书中有一页,左边是《大独裁者》中卓别林演讲稿的涂改痕迹,右边则是一张他与当时的政治人物会面的模糊合影,下方配着一句不知出处的箴言。这种碎片化的信息传递方式,反而激发了读者主动去连接和构建知识点的乐趣。它鼓励你停下来,细细揣摩每一张图画背后的故事,而不是被动接受既定的结论。对于那些视觉优先的读者,这本书无疑是视觉的盛宴,它以一种极其艺术化的方式,展现了一位天才艺术家的思维跳跃和情感轨迹,让人在欣赏美的同时,也感受到了知识的重量和趣味。

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