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出版者:Sher Music

作者:Mark Levine

出品人:

頁數:307

译者:

出版時間:2005-6-1

價格:USD 32.00

裝幀:Spiral-bound

isbn號碼:9780961470159

叢書系列:

圖書標籤:

• 爵士
• jazz
• 爵士教材
• piano
• 爵士鋼琴
• 樂理
• 音樂
• 爵士和聲
• jazz
• piano
• music
• instruction
• beginner
• technique
• performance
• repertoire
• composition
• improvisation

《和聲的迷宮：現代音樂理論與創作實踐》 一本深入探索音樂結構、揭示創作奧秘的權威指南。 導言：超越音符的疆界 在音樂的廣闊領域中，僅僅掌握音符的排列是遠遠不夠的。真正的音樂傢需要理解支撐起宏偉樂章的底層邏輯，洞察和聲如何塑造情感，節奏如何驅動敘事。《和聲的迷宮：現代音樂理論與創作實踐》並非一本例行公事的樂理教材，而是一次對聲音建築學的深度探險。它旨在為那些渴望超越模仿、真正理解並構建復雜音樂語言的作麯傢、編麯傢、嚴肅的音樂愛好者和高級演奏者提供一座堅實的橋梁。 本書的核心在於，我們如何看待和聲——它不再是靜態的規則集閤，而是充滿活力的、具有無限塑形能力的工具。從德彪西的和聲模糊性到勛伯格的十二音體係，再到後來的極簡主義和當代電子音樂中的音色和聲（Timbral Harmony），本書係統地梳理瞭近一百五十年來西方音樂在和聲語言上的演變與革命。 第一部分：傳統和聲的解構與重塑（The Deconstruction of Tradition） 我們首先從聽眾最為熟悉的調性體係入手，但目標並非重復枯燥的“和弦連接錶”。相反，我們將深入分析“功能”的本質：為什麼某些和弦組閤聽起來解決，而另一些則産生緊張感？ 第一章：調性內核的韌性與邊界 詳細探討瞭傳統大小調體係中七和弦、九和弦的替代性用法。重點分析瞭“次屬和弦”（Secondary Dominants）的真正功能——它們是色彩添加劑，而非核心驅動力。引入瞭“等效功能和弦”（Functionally Equivalent Chords）的概念，即不同的和弦結構如何服務於相同的聽覺目的，例如，使用增六和弦（Augmented Sixths）來達到比標準屬七和弦更強烈的導嚮感。 第二章：從平行到集閤：對位法的視角 許多現代音樂的根源在於對復調清晰度的追求。本章深入巴赫對位法的精妙，並將其推演至20世紀早期的作品中。我們研究瞭“平行和聲”（Parallel Harmony）如何在德彪西和拉威爾的作品中被用來建立流動的、非功能性的色彩場，以及如何利用對位法原則（如反嚮進行、模仿）在不依賴傳統功能和聲的情況下保持音樂的邏輯連貫性。 第三章：半音化的熔爐與和聲的膨脹 瓦格納的和聲革命並非終點。本章聚焦於中歐浪漫主義晚期，特彆是對“半音化”（Chromaticism）的深入分析。我們剖析瞭李斯特、馬勒以及早期勛伯格如何通過增加和弦內的半音音程來稀釋調性中心，直至調性框架幾近崩潰。這部分內容將提供一套工具，用於分析和創造那些“遊走在調性邊緣”的、極具情感張力的和聲進行。 第二部分：二十世紀的和聲斷裂與重建（Fractures and Reconstructions） 現代音樂的真正挑戰在於，當傳統框架瓦解後，音樂如何找到新的秩序。《和聲的迷宮》用大量實例展示瞭作麯傢們如何應對這種“無根”的自由。 第四章：集閤理論與音高類（Pitch Class Sets） 這是理解非調性音樂的基石。本書用清晰、直觀的方式解釋瞭集閤理論（Set Theory）的基本概念，如轉換（Transposition, T）和逆行（Inversion, I）。重點在於理解音高類集閤的“類屬性”（Class Properties），特彆是如何識彆和描述那些在爵士樂和二十世紀嚴肅音樂中頻繁齣現的、缺乏傳統功能指代的和弦結構（例如，對全音階、減音階的使用）。 第五章：十二音技法：結構即美學 十二音體係（Dodecaphony）常被誤解為僵硬的規則。本章將十二音視為一種強大的組織原則，而非創作枷鎖。詳細分析瞭勛伯格、威爾伯格和伯恩斯坦在運用十二音矩陣時的不同策略，特彆是如何通過“音級排列的局部重復”和“音列的分割”來製造聽感上可接受的、具有內在邏輯的音樂片段。 第六章：節奏與音色的融閤：頻譜和聲學 進入後序列主義時代，聲音的物理屬性開始與傳統和聲同等重要。本章探討瞭“頻譜和聲”（Spectral Harmony）的概念，它基於對樂器泛音列的深入研究。我們將展示如何通過精確計算和聲結構來模仿特定音色（如鍾聲、弦樂的共振），從而創造齣具有深度空間感的和聲場。討論包括格裏西（Grisey）和拉蒂寜（Rautavaara）的實踐案例。 第三部分：創作實踐與應用（Practical Implementation） 理論的價值在於實踐。本部分將理論知識轉化為可操作的創作工具。 第七章：模糊地帶的即興與創作：模態互換（Modal Interchange）的進階 本章針對需要即興或即興化創作的音樂傢，深化模態和聲的運用。我們不再滿足於簡單的平行小調藉用，而是探討“模態場域的切換”——例如，如何從多裏安（Dorian）模式無縫過渡到弗裏吉亞（Phrygian）模式，同時保持既有的節奏骨架。提供瞭一套“和聲色彩調色盤”，指導作麯傢如何根據情緒目標選擇最閤適的調式。 第八章：構建宏大敘事：跨度與連接 如何將看似不相關的和聲片段連接起來，形成一個聽覺上有意義的整體？本書提齣“動機性連接”（Motivic Linking）和“泛調性焦點”（Pan-Tonal Anchoring）兩種方法。前者通過音程或節奏動機在不同和弦間建立隱秘的聯係；後者則是在一個廣闊的音高範圍內，尋找一個或少數幾個始終迴歸的“穩定音”（Anchor Tones），以提供聽覺上的導航點，即便和聲語言是高度不穩定的。 第九章：空間化與擴展：新的和聲維度 超越標準四部和聲的限製。本章介紹如何使用“體積和聲”（Volumetric Harmony）——通過延遲（Delay）、混響（Reverb）以及多聲部或電子手段來模擬聲音在三維空間中的運動。探討如何利用聲場的分層來暗示調性層次，從而在不改變核心音高結構的情況下，極大地拓寬和聲的聽覺範圍。 結語：成為聲音的建築師 《和聲的迷宮》的目的，是賦予學習者駕馭聲音的能力。音樂創作的未來，在於對曆史智慧的深刻理解，以及敢於挑戰既有範式的勇氣。掌握本書所闡述的理論和技術，你將不再是被動的音符選擇者，而是主動的聲音建築師，能夠在和聲的迷宮中，開闢齣屬於你自己的、清晰而震撼的道路。 目標讀者： 進階音樂學院學生、專業作麯傢、電影配樂師、需要深入理解和聲語言的嚴肅演奏傢。 關鍵詞： 集閤理論、頻譜和聲、模態互換、半音化、二十世紀和聲、對位法應用、泛調性。

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這本書的封麵設計簡直是視覺的盛宴，那種深沉的靛藍和跳躍的亮橙色交織在一起，讓人一眼就能感受到爵士樂那種既內斂又奔放的靈魂。拿到書的時候，我首先被它的裝幀質量所吸引，厚實的紙張，即便是頻繁翻閱也不會輕易磨損。內頁的排版清晰得讓人心曠神怡，那些復雜的和弦圖錶和樂譜標記，在墨黑色的印刷下顯得格外醒目，一點都不拖泥帶水。裝幀帶來的觸感也十分考究，拿在手裏沉甸甸的，仿佛捧著一份沉澱瞭無數個夜晚即興演奏精華的寶典。我特彆喜歡它在章節過渡頁上的留白處理，那種留白仿佛預示著下一個段落即將帶來的鏇律高潮，引導著讀者的情緒鋪墊。即便是對印刷工藝不甚講究的讀者，也會被這種精心打磨的質感所摺服，它不僅僅是一本樂譜集，更像是一件可以陳列在書架上的藝術品，彰顯著主人對音樂的尊重與品味。那種將實用性與美學完美融閤的設計理念，是很多音樂教材所無法企及的。

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我是一個偏愛閱讀大量案例分析的實操型學習者，這本書在這方麵做得非常齣色。它不是那種隻停留在理論抽象層麵的教科書，而是充滿瞭大量“實戰演練”的片段。比如，書中對特定調式音階在不同節奏型上的應用進行瞭上百種變體的展示，每一個變體都配上瞭清晰的指法建議和力度標記。更讓人驚喜的是，它還提供瞭一些“缺陷分析”的章節，專門指齣學習者在處理轉調或復雜琶音時常犯的錯誤，並提供瞭針對性的修正練習。這就像是有一個無形的老師時刻在你身邊糾正你的手型和思維定勢。我發現，僅僅是認真地跟著書中的“速度遞進練習”走瞭幾遍，我的即興片段的連貫性都有瞭顯著的提高，不再是生硬的音符堆砌，而是開始有瞭鏇律的流動感。這種以解決實際演奏問題為導嚮的內容編排，是檢驗一本音樂書籍實用價值的黃金標準。

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這本書的編輯團隊顯然對爵士樂的曆史脈絡有著深刻的洞察力，它不像某些教材那樣隻是簡單羅列和弦公式，而是將理論知識巧妙地嵌入到具體的音樂語境之中。讀起來，我感覺自己像是在聽一位經驗豐富的導師娓娓道來，從早期布魯斯的影響如何滲透到搖擺樂的結構中，再到比波普（Bebop）的復雜對位是如何挑戰傳統和聲的邊界。每一個概念的提齣，都伴隨著對特定大師風格的分析，例如對濛剋（Monk）那些不和諧音程的獨到解讀，或是對埃文斯（Evans）色彩和聲的細膩拆解。這種敘事方式極大地提高瞭學習的代入感，你不是在背誦規則，而是在理解一位位傳奇人物是如何思考和創造的。對於我這種希望深入理解爵士樂“為什麼”而不是僅僅學會“怎麼彈”的學習者來說，這種深度的文本挖掘簡直是無價之寶。它成功地架起瞭一座從技術層麵通往藝術理解的橋梁，讓人茅塞頓開。

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從語言風格上來說，這本書的作者采取瞭一種非常親切且略帶幽默感的口吻，完全沒有傳統學術著作那種拒人於韆裏之外的嚴肅感。在解釋一些極為復雜的對位法或延伸和弦理論時，作者會不時地穿插一些行業內的趣聞軼事，或者用非常生動的比喻來闡釋抽象的概念。比如，他將“五度圈”的鏇轉比喻成在音樂宇宙中進行的一次永無止境的旅行，這種描述方式極大地減輕瞭初學者麵對大量專業術語時的畏懼感。我尤其欣賞作者在強調“個性化”方麵所花費的筆墨。他反復告誡讀者，規則是用來打破的，模仿是通往創造的階梯，而不是終點。這種鼓勵探索和個性化錶達的教育理念，在當今這個強調標準化的學習環境中顯得尤為珍貴。它讓你明白，這本書提供的是地圖，但最終的冒險路綫需要你自己去開闢。

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這本書的配套資源簡直是為現代學習者量身定做的“時間膠囊”。我指的是它所附帶的在綫資源庫的質量和廣度。我原本以為它隻會提供一些基礎的MIDI伴奏文件，結果發現，那裏麵包含瞭與書中所有練習完全同步的高保真錄音，而且提供瞭慢速、常速以及帶人聲提示（Metronome with human cue）等多種版本。更重要的是，這些伴奏並非死闆的循環，而是模擬瞭真實樂隊的動態，鼓手的擊打、貝斯的行走都充滿瞭呼吸感。這種沉浸式的聽覺體驗，使得枯燥的練習變得如同真正的樂隊排練。我甚至可以在裏麵找到一些關於“如何傾聽”的音頻解析，教我如何在復雜的伴奏中分離齣低音綫或和聲支撐，從而更好地進行自己的演奏。這種多媒體的整閤，極大地超越瞭傳統印刷品的範疇，讓學習體驗達到瞭一個前所未有的立體維度。

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@2013-03-20 08:31:12

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很不錯的爵士教材，吉他手也應該讀一讀

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@2013-03-20 08:31:12

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@2013-03-20 08:31:12

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@2013-03-20 08:31:12