The Jazz Piano Book pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:Sher Music

作者:Mark Levine

出品人:

页数:307

译者:

出版时间:2005-6-1

价格:USD 32.00

装帧:Spiral-bound

isbn号码:9780961470159

丛书系列:

图书标签:

• 爵士
• jazz
• 爵士教材
• piano
• 爵士鋼琴
• 乐理
• 音乐
• 爵士和聲
• jazz
• piano
• music
• instruction
• beginner
• technique
• performance
• repertoire
• composition
• improvisation

《和声的迷宫：现代音乐理论与创作实践》 一本深入探索音乐结构、揭示创作奥秘的权威指南。 导言：超越音符的疆界 在音乐的广阔领域中，仅仅掌握音符的排列是远远不够的。真正的音乐家需要理解支撑起宏伟乐章的底层逻辑，洞察和声如何塑造情感，节奏如何驱动叙事。《和声的迷宫：现代音乐理论与创作实践》并非一本例行公事的乐理教材，而是一次对声音建筑学的深度探险。它旨在为那些渴望超越模仿、真正理解并构建复杂音乐语言的作曲家、编曲家、严肃的音乐爱好者和高级演奏者提供一座坚实的桥梁。 本书的核心在于，我们如何看待和声——它不再是静态的规则集合，而是充满活力的、具有无限塑形能力的工具。从德彪西的和声模糊性到勋伯格的十二音体系，再到后来的极简主义和当代电子音乐中的音色和声（Timbral Harmony），本书系统地梳理了近一百五十年来西方音乐在和声语言上的演变与革命。 第一部分：传统和声的解构与重塑（The Deconstruction of Tradition） 我们首先从听众最为熟悉的调性体系入手，但目标并非重复枯燥的“和弦连接表”。相反，我们将深入分析“功能”的本质：为什么某些和弦组合听起来解决，而另一些则产生紧张感？ 第一章：调性内核的韧性与边界 详细探讨了传统大小调体系中七和弦、九和弦的替代性用法。重点分析了“次属和弦”（Secondary Dominants）的真正功能——它们是色彩添加剂，而非核心驱动力。引入了“等效功能和弦”（Functionally Equivalent Chords）的概念，即不同的和弦结构如何服务于相同的听觉目的，例如，使用增六和弦（Augmented Sixths）来达到比标准属七和弦更强烈的导向感。 第二章：从平行到集合：对位法的视角 许多现代音乐的根源在于对复调清晰度的追求。本章深入巴赫对位法的精妙，并将其推演至20世纪早期的作品中。我们研究了“平行和声”（Parallel Harmony）如何在德彪西和拉威尔的作品中被用来建立流动的、非功能性的色彩场，以及如何利用对位法原则（如反向进行、模仿）在不依赖传统功能和声的情况下保持音乐的逻辑连贯性。 第三章：半音化的熔炉与和声的膨胀 瓦格纳的和声革命并非终点。本章聚焦于中欧浪漫主义晚期，特别是对“半音化”（Chromaticism）的深入分析。我们剖析了李斯特、马勒以及早期勋伯格如何通过增加和弦内的半音音程来稀释调性中心，直至调性框架几近崩溃。这部分内容将提供一套工具，用于分析和创造那些“游走在调性边缘”的、极具情感张力的和声进行。 第二部分：二十世纪的和声断裂与重建（Fractures and Reconstructions） 现代音乐的真正挑战在于，当传统框架瓦解后，音乐如何找到新的秩序。《和声的迷宫》用大量实例展示了作曲家们如何应对这种“无根”的自由。 第四章：集合理论与音高类（Pitch Class Sets） 这是理解非调性音乐的基石。本书用清晰、直观的方式解释了集合理论（Set Theory）的基本概念，如转换（Transposition, T）和逆行（Inversion, I）。重点在于理解音高类集合的“类属性”（Class Properties），特别是如何识别和描述那些在爵士乐和二十世纪严肃音乐中频繁出现的、缺乏传统功能指代的和弦结构（例如，对全音阶、减音阶的使用）。 第五章：十二音技法：结构即美学 十二音体系（Dodecaphony）常被误解为僵硬的规则。本章将十二音视为一种强大的组织原则，而非创作枷锁。详细分析了勋伯格、威尔伯格和伯恩斯坦在运用十二音矩阵时的不同策略，特别是如何通过“音级排列的局部重复”和“音列的分割”来制造听感上可接受的、具有内在逻辑的音乐片段。 第六章：节奏与音色的融合：频谱和声学 进入后序列主义时代，声音的物理属性开始与传统和声同等重要。本章探讨了“频谱和声”（Spectral Harmony）的概念，它基于对乐器泛音列的深入研究。我们将展示如何通过精确计算和声结构来模仿特定音色（如钟声、弦乐的共振），从而创造出具有深度空间感的和声场。讨论包括格里西（Grisey）和拉蒂宁（Rautavaara）的实践案例。 第三部分：创作实践与应用（Practical Implementation） 理论的价值在于实践。本部分将理论知识转化为可操作的创作工具。 第七章：模糊地带的即兴与创作：模态互换（Modal Interchange）的进阶 本章针对需要即兴或即兴化创作的音乐家，深化模态和声的运用。我们不再满足于简单的平行小调借用，而是探讨“模态场域的切换”——例如，如何从多里安（Dorian）模式无缝过渡到弗里吉亚（Phrygian）模式，同时保持既有的节奏骨架。提供了一套“和声色彩调色盘”，指导作曲家如何根据情绪目标选择最合适的调式。 第八章：构建宏大叙事：跨度与连接 如何将看似不相关的和声片段连接起来，形成一个听觉上有意义的整体？本书提出“动机性连接”（Motivic Linking）和“泛调性焦点”（Pan-Tonal Anchoring）两种方法。前者通过音程或节奏动机在不同和弦间建立隐秘的联系；后者则是在一个广阔的音高范围内，寻找一个或少数几个始终回归的“稳定音”（Anchor Tones），以提供听觉上的导航点，即便和声语言是高度不稳定的。 第九章：空间化与扩展：新的和声维度 超越标准四部和声的限制。本章介绍如何使用“体积和声”（Volumetric Harmony）——通过延迟（Delay）、混响（Reverb）以及多声部或电子手段来模拟声音在三维空间中的运动。探讨如何利用声场的分层来暗示调性层次，从而在不改变核心音高结构的情况下，极大地拓宽和声的听觉范围。 结语：成为声音的建筑师 《和声的迷宫》的目的，是赋予学习者驾驭声音的能力。音乐创作的未来，在于对历史智慧的深刻理解，以及敢于挑战既有范式的勇气。掌握本书所阐述的理论和技术，你将不再是被动的音符选择者，而是主动的声音建筑师，能够在和声的迷宫中，开辟出属于你自己的、清晰而震撼的道路。 目标读者： 进阶音乐学院学生、专业作曲家、电影配乐师、需要深入理解和声语言的严肃演奏家。 关键词： 集合理论、频谱和声、模态互换、半音化、二十世纪和声、对位法应用、泛调性。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

从语言风格上来说，这本书的作者采取了一种非常亲切且略带幽默感的口吻，完全没有传统学术著作那种拒人于千里之外的严肃感。在解释一些极为复杂的对位法或延伸和弦理论时，作者会不时地穿插一些行业内的趣闻轶事，或者用非常生动的比喻来阐释抽象的概念。比如，他将“五度圈”的旋转比喻成在音乐宇宙中进行的一次永无止境的旅行，这种描述方式极大地减轻了初学者面对大量专业术语时的畏惧感。我尤其欣赏作者在强调“个性化”方面所花费的笔墨。他反复告诫读者，规则是用来打破的，模仿是通往创造的阶梯，而不是终点。这种鼓励探索和个性化表达的教育理念，在当今这个强调标准化的学习环境中显得尤为珍贵。它让你明白，这本书提供的是地图，但最终的冒险路线需要你自己去开辟。

评分☆☆☆☆☆

这本书的配套资源简直是为现代学习者量身定做的“时间胶囊”。我指的是它所附带的在线资源库的质量和广度。我原本以为它只会提供一些基础的MIDI伴奏文件，结果发现，那里面包含了与书中所有练习完全同步的高保真录音，而且提供了慢速、常速以及带人声提示（Metronome with human cue）等多种版本。更重要的是，这些伴奏并非死板的循环，而是模拟了真实乐队的动态，鼓手的击打、贝斯的行走都充满了呼吸感。这种沉浸式的听觉体验，使得枯燥的练习变得如同真正的乐队排练。我甚至可以在里面找到一些关于“如何倾听”的音频解析，教我如何在复杂的伴奏中分离出低音线或和声支撑，从而更好地进行自己的演奏。这种多媒体的整合，极大地超越了传统印刷品的范畴，让学习体验达到了一个前所未有的立体维度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编辑团队显然对爵士乐的历史脉络有着深刻的洞察力，它不像某些教材那样只是简单罗列和弦公式，而是将理论知识巧妙地嵌入到具体的音乐语境之中。读起来，我感觉自己像是在听一位经验丰富的导师娓娓道来，从早期布鲁斯的影响如何渗透到摇摆乐的结构中，再到比波普（Bebop）的复杂对位是如何挑战传统和声的边界。每一个概念的提出，都伴随着对特定大师风格的分析，例如对蒙克（Monk）那些不和谐音程的独到解读，或是对埃文斯（Evans）色彩和声的细腻拆解。这种叙事方式极大地提高了学习的代入感，你不是在背诵规则，而是在理解一位位传奇人物是如何思考和创造的。对于我这种希望深入理解爵士乐“为什么”而不是仅仅学会“怎么弹”的学习者来说，这种深度的文本挖掘简直是无价之宝。它成功地架起了一座从技术层面通往艺术理解的桥梁，让人茅塞顿开。

评分☆☆☆☆☆

我是一个偏爱阅读大量案例分析的实操型学习者，这本书在这方面做得非常出色。它不是那种只停留在理论抽象层面的教科书，而是充满了大量“实战演练”的片段。比如，书中对特定调式音阶在不同节奏型上的应用进行了上百种变体的展示，每一个变体都配上了清晰的指法建议和力度标记。更让人惊喜的是，它还提供了一些“缺陷分析”的章节，专门指出学习者在处理转调或复杂琶音时常犯的错误，并提供了针对性的修正练习。这就像是有一个无形的老师时刻在你身边纠正你的手型和思维定势。我发现，仅仅是认真地跟着书中的“速度递进练习”走了几遍，我的即兴片段的连贯性都有了显著的提高，不再是生硬的音符堆砌，而是开始有了旋律的流动感。这种以解决实际演奏问题为导向的内容编排，是检验一本音乐书籍实用价值的黄金标准。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简直是视觉的盛宴，那种深沉的靛蓝和跳跃的亮橙色交织在一起，让人一眼就能感受到爵士乐那种既内敛又奔放的灵魂。拿到书的时候，我首先被它的装帧质量所吸引，厚实的纸张，即便是频繁翻阅也不会轻易磨损。内页的排版清晰得让人心旷神怡，那些复杂的和弦图表和乐谱标记，在墨黑色的印刷下显得格外醒目，一点都不拖泥带水。装帧带来的触感也十分考究，拿在手里沉甸甸的，仿佛捧着一份沉淀了无数个夜晚即兴演奏精华的宝典。我特别喜欢它在章节过渡页上的留白处理，那种留白仿佛预示着下一个段落即将带来的旋律高潮，引导着读者的情绪铺垫。即便是对印刷工艺不甚讲究的读者，也会被这种精心打磨的质感所折服，它不仅仅是一本乐谱集，更像是一件可以陈列在书架上的艺术品，彰显着主人对音乐的尊重与品味。那种将实用性与美学完美融合的设计理念，是很多音乐教材所无法企及的。

评分☆☆☆☆☆

很不错的爵士教材，吉他手也应该读一读

评分☆☆☆☆☆

很不错的爵士教材，吉他手也应该读一读

评分☆☆☆☆☆

很不错的爵士教材，吉他手也应该读一读

评分☆☆☆☆☆

@2013-03-20 08:31:12

评分☆☆☆☆☆

很不错的爵士教材，吉他手也应该读一读