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出版者:香港中国经济文化出版社

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页数:56

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《敦煌壁画艺术探微》 内容提要： 本书聚焦于中国敦煌莫高窟的浩瀚壁画艺术，以精湛的图像学分析和深厚的历史文化积淀为基础，系统梳理了自十六国至元代近千年间，敦煌壁画在题材内容、艺术风格演变、宗教思想渗透以及社会生活反映等方面所呈现的独特面貌与艺术成就。全书分为七个主要部分，层层递进，力求全面而深入地展现敦煌艺术的辉煌。 第一部分：敦煌的地理文化背景与石窟开凿的历史脉络 本章首先勾勒出敦煌——这座丝绸之路上的枢纽重镇——的地理环境特性，阐释其如何成为农耕文明与游牧文明、中原文化与西域文化交汇融合的天然熔炉。接着，追溯莫高窟的初创历史，从前秦的零星开凿，到北魏的初步兴盛，再到唐代艺术的巅峰，直至宋、元时期的衰落与定型，梳理出不同历史阶段对石窟营建和壁画创作的直接影响，为理解壁画的风格变迁提供坚实的时代背景。重点分析了敦煌在不同朝代作为政治、军事、宗教中心的地位变化如何投射到石窟的供养人与内容选择上。 第二部分：佛教义理的视觉化表达：主题与图像学 敦煌壁画的核心在于阐释佛教教义。本部分深入剖析了壁画中最为常见的几大主题： 1. 佛本生故事与因缘变相： 探讨释迦牟尼的前世修行经历如何通过连环画式的叙事手法，寓教于乐，传播佛法。分析不同时期“本生故事”的叙事节奏和细节处理上的差异。 2. 经变画的体系建构： 重点解析了《阿弥陀经变》、《法华经变》、《涅槃经变》等大型经变画的构图原则、空间布局以及复杂的人物群像安排。考察这些宏大叙事如何将抽象的佛教净土概念具象化、世俗化，使其更易于广大信众理解。 3. 密宗与禅宗的影响： 考察唐代中晚期，特别是五代时期，密宗曼荼罗、金刚界/胎藏界题材在敦煌的出现与本土化过程，以及禅宗思想对壁画中禅修、顿悟场景描绘的影响。 第三部分：从写实到程式化：艺术风格的流变 本章是本书的艺术分析核心，着重考察不同朝代壁画在笔法、设色、线条运用和空间处理上的显著特征： 1. 早期（十六国至北魏）： 分析受犍陀罗和笈多艺术影响的早期风格，如人物造型的瘦削、色彩的浓重以及“凹凸法”的初步尝试。探讨“褒衣博带”式样如何从南朝传入并与西域元素结合。 2. 盛唐的恢宏与圆润： 详述盛唐壁画的黄金标准，其人物面相的丰满健硕、线条的流畅自如、以及对光影和体积感的精准把握。分析“S”形人体曲线的成熟运用，并对比莫高窟三、四座代表性洞窟的“经变”图，解析其构图的成熟度。 3. 中晚唐的世俗化倾向： 探讨安史之乱后，壁画风格如何从庙堂之高转向世俗化和生活化，人物衣饰的写实性增强，笔触趋向精细，但整体气势有所收敛。 4. 五代和宋代的地域特色： 聚焦于归义军统治时期，壁画中大量出现的河西走廊本地元素、以及受到中原新画风影响后，所形成的独特“地方感”。 第四部分：供养人形象的社会学透视 壁画中的供养人形象是研究敦煌社会阶层和服饰史的宝贵资料。本章系统分类整理了不同时期、不同身份的供养人造像：从王室贵族、军政官员到地方豪强、僧侣、乃至普通信徒。通过对比分析他们的服饰、头饰、手持物和站位，揭示了敦煌社会权力结构的动态变化和宗教供养在不同阶层间的普及程度。特别关注了女性供养人的形象变化，反映了当时社会对女性地位的微妙态度。 第五部分：装饰母题与世俗生活的剪影 敦煌壁画不仅是宗教的载体，也是古代生活的百科全书。本部分剥离出具有装饰性质和世俗生活场景的元素进行专题研究： 1. 藻井与飞天： 深入研究藻井的几何结构和象征意义，以及飞天形象从早期飘逸洒脱到盛唐圆润健美，再到晚唐流线化处理的演变。 2. 世俗场景的嵌入： 考察壁画边框或背景中出现的狩猎、宴饮、农耕、建筑、乐舞伎乐图，分析这些“人间烟火”如何巧妙地融入神圣的宗教叙事之中，反映了当时河西走廊的文化风貌。 3. 服饰与器物研究： 详细图解壁画中大量出现的丝绸纹样、铠甲形制、乐器种类（如琵琶、箜篌等）及其制作工艺，提供详实的古代物质文化证据。 第六部分：色彩、材料与壁画的保护性研究 本章从技法层面切入，探讨敦煌壁画的物质基础。详细介绍了匠师们使用的矿物颜料（如石青、石绿、朱砂等）的来源与调和方法，以及绘制壁画所依据的“土坯层”、“底漆层”和“色层”的制作工艺。同时，结合现代科技对壁画颜料的分析成果，探讨了不同历史时期对色彩运用的偏好与限制，并简要介绍了现代抢救性保护工作对壁画颜料和基底结构稳定性的影响。 第七部分：敦煌艺术在后世的影响与启示 本书最后总结了敦煌壁画对中国及周边艺术史的深远影响，包括其对宋代院体画的间接渗透、对藏传佛教艺术的奠基作用，以及在近现代艺术复兴浪潮中，敦煌图像如何被重新发掘、阐释和应用于当代创作的现象。旨在为读者提供一个历史的完整观照，理解敦煌艺术的永恒价值。 作者简介： 本书作者系长期致力于敦煌学与中国美术史研究的学者，拥有丰富的田野考察经验和扎实的文献功底。其研究注重跨学科的整合，力求在严谨的学术论证中，展现出对艺术之美的深刻洞察与赞美。本书的图版选取精良，注释详实，是敦煌艺术研究者和爱好者不可或缺的深度参考读物。

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坦白讲，这本书的叙事节奏对我来说略显跳跃，它更像是一本精选的“文物图谱”配以高度专业化的解说词，而非一本流畅易读的通俗读物。我尝试从头到尾理解其论证结构，但发现作者更偏爱于通过并置对比来构建观点，比如将早期造像与中晚期造像的头部比例进行几何分析，然后迅速转入对宗教仪轨影响的探讨，中间的过渡往往需要读者自行填补大量的背景知识。对于一个并非专攻美术史或考古学的读者而言，这构成了一定的阅读门槛。我尤其欣赏其中对“审美疲劳”与“地域风格”的探讨，作者挑战了以往一元化的评价体系，指出某些被主流叙事略微边缘化的造像群体，实际上代表了更高超的艺术创造力，它们或许不如那些名声显赫的“标准件”那样完美无瑕，但其野性和生命力却更具冲击力。这本书的价值在于其提供的“多重视角”，它迫使你重新审视那些被教科书定型的形象，用更批判的眼光去解读艺术史中的“进步”与“退化”。

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从阅读体验上来说，这本书的行文风格变化多端，时而如一位严谨的史学家，精准地引用年代和文献佐证；时而又像一位经验丰富的导游，用生动的语言引导你穿梭于不同的洞窟空间。这种文风的交替，使得长篇的学术探讨不至于显得枯燥乏味。我尤其喜欢其中穿插的、关于不同朝代间工匠流动与技术交流的猜想，这些推测虽然缺乏直接的实物证据，但却极大地丰富了我们对那个时代创造力的想象空间。它不只是在描述“有什么”，更在探讨“为什么会是这样”。例如，书中对比了不同地区石料的硬度如何反过来塑造了雕刻家对细节处理的取舍，这种由物质条件决定艺术表达的逻辑链条，清晰而有力。全书读下来，感觉自己不仅仅是了解了一批精美的石刻，更是对古代文明如何依托地理环境、宗教需求和技术能力进行复杂系统性创造的过程，有了一层更直观的认知，像是一部关于人类创造力的厚重史诗。

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这本书的排版设计和图片质量达到了极高的水准，这一点必须首先肯定。每一次翻页都像是在揭开一幅精心修复过的壁画，色彩的还原度极高，那些矿物颜料在漫长岁月中产生的斑驳和剥落，都被忠实地记录下来，触手可及。然而，这种对视觉的极致追求，有时似乎压过了文字内容的逻辑性。我发现有些章节，文字部分似乎更多的是在为图片服务，成为了对眼前景象的补充说明，而不是独立的思想输出。例如，在谈到某一窟的藻井图案时，文字用了大量篇幅描述其几何结构和色彩搭配，但对于这种结构在当时社会语境下的象征意义，阐述得相对保守。我更希望看到作者能更大胆地将这些视觉符号置于更广阔的社会文化场域中进行解码，去探究它们是如何影响信徒的心理预期，以及是如何服务于当时的政治权力表达的。尽管如此，仅仅作为一本视觉艺术的参考资料，它就已经物超所值，那些高清的局部特写，是任何线上图片都无法比拟的。

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这本书简直是打开了一扇通往古代世界的大门，虽然我更期待的或许是那种宏大叙事下的历史脉络梳理，但它呈现的细节之丰富，实在令人惊叹。我花了整整一个下午，沉浸在那些对雕塑面部表情的细腻描摹中，作者对于光影如何捕捉佛教造像的微妙神韵，有着近乎虔诚的观察力。比如，某一尊菩萨的嘴角微微上扬，被文字赋予了一种超越时空的慈悲感，而另一种造像的眉宇间却流露着洞察世事的沧桑，这种对比和层次感，让我不禁想象当时工匠们在面对一块坚硬的岩石时，内心是怀着何种信念与技艺。书中对不同时期造像风格演变的论述，与其说是学术分析，不如说是与历史的对话。它没有停留在简单的“高鼻深目”或“秀骨清像”的标签化描述上，而是深入到服饰褶皱的走向、手势的微妙变化，以及这些变化背后所蕴含的文化交融。阅读过程中，我不断地在脑海中构建一幅流动的画面，仿佛能听到凿子敲击岩石的声音，感受到那些佛陀与飞天在历史长河中默默承受的风霜雨雪。这种沉浸式的体验，远超出了单纯的图像欣赏，更像是一场跨越千年的心灵共振。

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这本书最让我感到意外和惊喜的，是它对“修复”和“存续”议题的深入反思。它没有沉溺于对鼎盛时期的歌颂，而是花费大量篇幅讨论了后期风化、人为破坏，以及现代保护技术对原有艺术面貌的介入。作者以一种近乎悲悯的笔触，记录了那些在自然力量面前显得如此脆弱的石刻，比如某尊佛像的鼻子如何因风蚀而变得模糊不清，以及历代信徒留下的“再创作”痕迹。这种对“不完美”的接纳，使得整部作品的基调不再是单纯的赞美，而增添了一层对时间流逝的哲学思考。这种视角很新颖，它提醒我们，我们今天所见的“艺术品”，其实是一个不断被时间重塑、被人类干预的复合体。书中提出的关于“最小干预原则”的讨论，非常具有启发性，它让我们思考，在保护历史遗迹的过程中，我们究竟是在“保存”还是在“重新定义”？这种带着伦理困境的讨论，使得这本书的深度远远超出了艺术史的范畴。

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