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出版者:Wiley

作者:Jordan "DJ Earworm" Roseman

出品人:

页数:338

译者:

出版时间:2006-06-21

价格:226.00元

装帧:Paperback

isbn号码:9780471771951

丛书系列:

图书标签:

• Audio Production
• Music Production
• Sound Design
• Audio Editing
• Looping
• Sampling
• Remixing
• Electronic Music
• DIY Music
• Audio Software

声音的几何学：现代音景的构建与解构 一本关于声音感知、设计与技术革新的深度探索 导语： 在信息爆炸的时代，我们被无休止的听觉信息所包围。从城市生活的喧嚣到数字媒体的精心编排，声音不再仅仅是背景，它已成为塑造我们体验、影响我们情感和定义我们空间的核心力量。本书《声音的几何学：现代音景的构建与解构》并非一本关于如何简单地混音或编辑音轨的指南，它是一部深入剖析声音本体论、人类听觉心理学以及前沿声学技术如何共同构建我们所感知世界的深度理论与实践著作。我们将探索声音的纹理、结构，以及在不同媒介中，声音如何被有意图地“建筑”起来，从而引导和控制听者的认知。 --- 第一部分：声音的本体论与感知基础 第一章：超越频率与振幅的聆听 本章首先挑战了传统声学对声音的基本量化描述。我们认为，频率和振幅是声音的骨架，但并非其灵魂。真正的声音体验存在于时域、空间域和认知域的复杂交集中。我们将探讨“声学阴影”、“听觉注意力的焦点转移”以及“声音记忆的结构性偏差”等概念。 时间感知与声音的节奏结构： 探讨了人类如何将离散的声事件组织成连贯的时间流。重点分析了“重音的预期与满足”在音乐、语音和环境声中的作用，以及失序的节奏如何引发认知失调。 空间感知的幻觉： 深入研究了双耳效应（ITD/ILD）在构建三维声场中的作用，并引入了“声音的可见性”——即声音在空间中如何被我们的大脑“塑形”的理论模型。我们不仅听声音，我们还“看到”声音的来源。 第二章：材料与环境的声学签名 声音的特性与其载体密不可分。不同的物理介质（空气、水、固体）如何吸收、反射和散射声波，从而赋予声音独特的“签名”。 建筑声学中的“情感共振”： 分析了特定建筑材料（如混凝土、木材、玻璃）对声音衰减和混响时间的影响，并将其与空间所预期的社会功能相结合。一个空旷教堂的回响与一个狭小录音室的即时反馈，是如何通过物理属性来预示听者行为的。 环境声的“声学气候”： 探讨了城市、自然、工业环境中的背景噪声（Soundscape）是如何形成一种稳定的、几乎被忽略的听觉气候，以及这种气候对居民心理健康和身份认同的潜移默化影响。 --- 第二部分：构建复杂音景的解构技术 第三章：时间切片与非线性叙事 现代声音设计的一个核心挑战是如何在有限的时间内，用声音讲述一个跨越数个维度（物理、心理、情感）的故事。 采样与再语境化（Resampling and Recontextualization）： 详细分析了如何从原始声源中提取微小的声音片段，通过改变其速度、音高和滤波特性，赋予其全新的情感内涵。这部分将重点讨论数字音频工作站（DAW）作为一种“声音的雕刻刀”而非简单的录音工具的应用。 层叠与掩蔽的艺术（Layering and Masking）： 研究了声音的密度如何影响信息传递的清晰度。探讨了何时应使用声音的“掩蔽效应”来隐藏瑕疵或引导听众注意力，以及何时需要将各个声轨精确对齐，以达到瞬间的冲击力。 第四章：空间化音频与虚拟现实的听觉拓扑 随着沉浸式技术的发展，声音不再局限于左右声道，它成为了一个可以自由穿梭、触碰的虚拟实体。 波场合成（WFS）与对象化音频： 对比分析了传统的环绕声技术与基于对象的沉浸式音频（如Ambisonics和基于渲染引擎的声场模拟）在空间定位精度上的差异。重点在于如何精确计算声波的到达时间差（TDOA）和声压级（SPL）来“欺骗”听者的内耳系统。 听觉界面设计： 讨论了如何为虚拟环境设计一套直观的听觉交互语言。例如，在没有视觉提示的虚拟空间中，声音的纹理变化如何成为导航的指引，以及触觉反馈与空间音频的协同效应。 --- 第三部分：声音作为媒介与意识的调控 第五章：情感编码与声音的修辞学 声音在文化和个体层面上传递的意义是高度灵活的，本书将分析声音如何被用作一种修辞工具，以触发特定的情感反应。 泛文化听觉符号学： 考察了在不同文化背景下，某些声音（如铃声、警报声、特定乐器音色）所固有的、约定俗成的意义。并讨论了当代全球化媒体如何试图建立新的、普适的听觉符号系统。 心理声学的操纵： 深入探讨了次声波（Infrasound）和超声波对人体生理状态的潜在影响，以及在电影和广告中，如何通过精心设计的频率调制来诱发不安、兴奋或放松等情绪。 第六章：档案、记忆与声音的历史重构 声音档案是历史的切片，但其重放和展示的过程本身就是一种再创造。 历史声音的“失真与纯化”： 分析了早期录音技术（如留声机、磁带）的物理限制如何成为我们理解过去声音的固有偏见。探讨了数字修复技术在去除噪音的同时，是否也无意中抹除了历史的声音“肌理”。 声音证据的可靠性： 从法律和新闻学的角度，审视了录音证据的真实性问题，以及如何通过分析环境声背景来验证声音事件发生的时间和地点，从而重构一个更真实的听觉事件序列。 --- 结论：未来音景的伦理责任 本书的最终目标是培养一种批判性的听觉素养。当我们掌握了构建和解构复杂音景的技术后，随之而来的是对如何使用这些强大工具的伦理反思。在人工智能辅助声音合成日益普及的今天，区分“真实”与“构造”的界限变得模糊不清。《声音的几何学》旨在为声音的工程师、艺术家、设计师以及所有对听觉世界怀有深刻好奇心的人们，提供一套坚实的理论框架和实践工具，以应对这个日益被声音塑造的未来。

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这本书的排版和设计简直是灾难，如果不是内容实在太出色，我可能会因为封面和内页的审美而直接把它退掉。不过，抛开设计不谈，这本书在**实验性和前沿性上的探索**是令人赞叹的。它没有拘泥于传统的音乐制作流程，而是大胆地拥抱了数字时代声音重组的可能性。我尤其欣赏它在“非线性音频编辑”方面的讨论，这部分内容简直是为那些痴迷于碎片化、超现实声音景观的创作者准备的。书中详细剖析了几种非常规的声源处理技术，比如如何利用频谱分析仪来“可视化”声音的纹理，并根据这些纹理来指导你的编辑决策，而不是仅仅依赖听觉反馈。这对于那些想在电子音乐、实验音乐甚至声音艺术领域有所建树的人来说，简直是如获至宝。它的很多例子都引用了当代先锋艺术家的作品作为参考，这不仅拓宽了我的音乐视野，也让我明白了“混音”的边界可以被推到多远。这本书的视角非常国际化，不偏袒任何一种特定的音乐流派，而是提供了一套通用的、可以应用到任何声音创作中的**方法论工具箱**。如果你厌倦了那些千篇一律的“如何制作一个流行的Trap Beat”的书籍，这本书绝对能带你进入一个更具挑战性也更令人兴奋的领域。

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坦白说，我买这本书的时候是抱着极大的怀疑态度的，因为市面上关于“混音”的书籍汗牛充牛，大多是冷冰冰的操作手册，读起来枯燥乏味，读完也记不住几个要点。《Audio Mashup Construction Kit》这本书给我的感觉是**一位经验丰富的老派录音师在深夜录音棚里与你促膝长谈**。它的叙事风格非常独特，夹杂着许多作者早年在不同音乐风格领域摸爬滚打的个人轶事，这些故事不仅仅是调剂，更是理解某些创作理念的绝佳背景材料。比如，它讲述如何在一个极其有限的硬件条件下，通过巧妙的EQ和压缩技术来模拟出宽广的空间感，这段经历的描述，让我对“技术是为人服务的”这句话有了全新的体会。这本书的重点似乎并不在于教你某一款软件的最新功能，而是构建一个**稳固的、跨越工具界限的音频思维框架**。它会让你思考：为什么这个鼓点需要被切分在这里？为什么这个失真效果听起来比另一个更“脏”？它引导读者去培养一种“耳朵的肌肉记忆”，而不是依赖于鼠标的拖拽。对于那些已经有一些基础，但感觉自己创作停滞不前的朋友来说，这本书里的那些“反直觉”的建议，或许正是打破瓶颈的那把钥匙。它的深度和广度，让人觉得这不是一本简单的指南，而是一份沉甸甸的“行业秘籍”。

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这本书的价值，我认为远超出了“工具书”的范畴，它更像是一份**关于声音美学的哲学探讨**。它没有直接告诉你“你需要多少混响”，而是引导你去思考“你希望你的听众感受到什么样的空间感？”、“声音之间的情感联系是通过什么介质传达的？”。这种由“结果”反推“过程”的教学方式，在我以往的阅读体验中是很少见的。书中探讨了“声音的稀疏性与密度”之间的辩证关系，以及如何通过选择恰当的音色来构建一个具有叙事性的音频场景。我特别欣赏它对“留白”艺术的推崇，很多新手创作者都犯了把所有元素堆砌在一起的错误，而这本书则用大量的实例和理论，论证了“不放声音”有时比“放入声音”更有力量。它还深入探讨了人耳的听觉感知局限，并如何巧妙地利用这些局限来欺骗听众，创造出超出现实的声音体验。对于那些追求艺术高度而非仅仅是制作“合格产品”的创作者来说，这本书简直是醍醐灌顶。它不是教你如何模仿别人，而是激发你挖掘自己独特的听觉语言。读完后，我感觉自己的“声音雷达”被彻底校准了，对未来所有的音频作品都会带着一种全新的、更批判、更具创造性的视角去看待。

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说实话，我一开始以为这本书会是那种充斥着大量专业术语和复杂流程图的学术著作，毕竟“Construction Kit”这个名字听起来就挺硬核的。《Audio Mashup Construction Kit》给我最大的惊喜在于它的**平易近人和极强的可操作性**。它成功地做到了两点：一方面，它没有牺牲专业深度，另一方面，它又用极其清晰的逻辑结构把这些深度内容分解成了易于消化的“小块”。书中有一个关于“动态处理”的章节，通常这是最让人头疼的部分，但作者巧妙地将其比作是给声音“塑形”——哪里需要加强力量感，哪里需要柔和过渡，简直是匠心独运。而且，这本书非常注重“效率”的概念，它提供了一系列快捷键和工作流程优化的小技巧，这些细节虽然不起眼，但在实际操作中能为你节省大量时间，让你把更多精力集中在创意表达上。我特别喜欢书中关于“项目管理”的部分，它教会了我如何系统地组织你的音频素材库，如何命名文件，如何建立一个可持续的、不至于在几个月后就陷入混乱的混音项目结构。这体现了作者对创作者整个工作流的深刻理解，不仅仅是录音台上的那一刻，而是整个创作生命周期的关怀。读完后感觉自己不仅学会了技术，更学会了如何更专业、更有条理地进行创作。

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天呐，我刚翻完这本书，简直不敢相信自己的眼睛！《Audio Mashup Construction Kit》这本书的内容简直是**一场听觉盛宴的启蒙课**！我一直以为音频混音是一件非常复杂、需要专业知识才能触及的领域，但这本书彻底颠覆了我的认知。它没有一开始就用那些晦涩难懂的技术术语把我吓跑，反而像一位耐心的向导，一步步引导我走进了声音的奇妙世界。我记得最清楚的是它介绍“采样”的那一章节，作者用非常生动的比喻，将复杂的数字音频处理过程描述得如同在厨房里烹饪美食一样——找到最好的“食材”（音频片段），然后进行巧妙的“调味”（效果处理），最后组合成一道令人惊艳的“菜肴”（最终混音作品）。书中提供的练习案例非常贴合实际，每一个步骤都有清晰的配图和详细的文字说明，即便是像我这种对软件操作一窍不通的新手，也能很快上手。更让我惊喜的是，它不仅关注“怎么做”，更注重“为什么这么做”。它深入浅出地探讨了声音的结构、节奏的内在联系，让我对“好听”的背后逻辑有了更深层次的理解。读完这本书，我不再是那个只会点击播放键的听众，我已经开始尝试解构我喜欢的音乐，并尝试用自己的方式去“重塑”声音的形态。这绝对是那种读完后会让你立刻充满创作冲动，并立即想打开电脑开始实践的宝典！

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