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出版者:人民音乐出版社

作者:汪毓和,胡天虹

出品人:

页数:237

译者:

出版时间:2006-5

价格:17.00元

装帧:

isbn号码:9787103030561

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《二十世纪西方先锋音乐思潮研究》 内容简介 本书深入剖析了二十世纪以来，西方音乐领域中涌现出的、对传统音乐范式构成根本性挑战的一系列先锋思潮及其代表人物、核心理论与实践成果。本书旨在为读者提供一个清晰、系统的框架，以理解现代主义、后现代主义音乐在美学、技术和观念层面的深刻变革。 第一部分：现代主义的开端与危机——从调性瓦解到序列革命 本部分聚焦于二十世纪初，欧洲古典音乐体系如何因内部张力与外部社会剧变而走向解构。 第一章：调性体系的黄昏与无调性探索 详细考察了晚期浪漫主义向现代过渡时期的音乐语言特征，重点分析了阿诺德·勋伯格（Arnold Schoenberg）如何从极端表现主义的色彩和和声模糊中，最终走向有意识地摒弃传统功能和声的“自由无调性”。本章细致梳理了早期作品如《月之被弄者》中内在的结构逻辑，以及转向十二音体系（Dodecaphony）的必然性与技术建构过程。我们不仅探讨了其理论基础——“十二音组织法”，更深入分析了韦伯恩（Anton Webern）在发展这一技术时所展现出的内在的简洁性与极端精确性，以及贝尔格（Alban Berg）如何将十二音技术与深刻的人文主义情感（尤其体现在歌剧《沃采克》和《露露》中）进行创造性的融合。 第二章：序列主义的全面化与异化 随着二战的结束，音乐的理性化追求达到了一个高峰。本章核心探讨了皮埃尔·布列兹（Pierre Boulez）对勋伯格体系的继承与超越。布列兹提出的“总体序列主义”（Integral Serialism）是如何将时间、力度、音高之外的音乐要素，如音色、演奏法，也纳入严格的数学序列控制之下的。本章将分析《结构I》、《第二钢琴奏鸣曲》等作品的关键结构，探讨这种极端理性和技术控制对音乐审美体验带来的全新冲击——听众如何感知一个完全由逻辑而非传统旋律驱动的作品？同时，本章也会辨析早期序列主义中潜在的“技术至上主义”倾向及其引发的内部争论。 第二部分：噪音、偶然与电子媒介的介入 本部分将视角转向对传统音乐材料（音高、节奏、音色）以及音乐创作过程本身的颠覆，探讨科技与哲学思潮如何重塑音乐的可能性边界。 第三章：非标准音响的解放与噪音音乐的哲学 本章集中讨论了对传统“音高”概念的挑战。重点分析了埃德加·瓦雷兹（Edgard Varèse）的“组织的声音”（Organized Sound）理念，探讨他如何将机器的轰鸣、尖锐的摩擦声视为具有内在音乐潜力的材料，例如在《密域》和《离子化》中的应用。更进一步，我们深入研究了约翰·凯奇（John Cage）的“偶然性音乐”（Aleatoric Music）。凯奇的哲学基础——东方禅宗思想与西方对概率论的兴趣——如何转化为具体的创作方法，例如使用《易经》进行决策。本章将细致分析《4’33”》的意义，它不仅是对“寂静”的探讨，更是对“音乐”定义本身的发问，以及对听众主体性参与的邀请。 第四章：电子音乐的兴起与声音的实验室 聚焦于二战后电子技术在音乐创作中的革命性作用。本章区分了两种主要的电子音乐流派： 1. 电子声学音乐（Elektronische Musik）：以德国科隆工作室为代表，强调声音的纯粹合成与数学精确性，分析卡尔海因茨·施托克豪森（Karlheinz Stockhausen）在《电子乐研究I》中对正弦波的精细控制，以及他后来的空间化处理（如环绕声技术）。 2. 磁带音乐与具体音乐（Musique concrète）：以法国巴黎工作室为代表，重点分析皮埃尔·谢弗（Pierre Schaeffer）如何通过录音、剪辑、倒放等技术，将现实世界的“现成声音”（Objets sonores）转化为音乐材料，探讨其对真实世界与抽象音乐之间界限的模糊作用。 第三部分：后现代的多元转向与音乐的回归——从极限到最小化 随着序列主义的严苛和电子媒介的成熟，后现代思潮开始质疑现代主义的宏大叙事，转而探索回归简化、重复、以及对历史的挪用。 第五章：极简主义的东方回响与时间感知的重构 本章探讨了美国作曲家如何从欧洲的复杂性转向极简主义（Minimalism）。分析拉蒙特·扬（La Monte Young）对长时值音的冥想式探索，以及特里·赖利（Terry Riley）作品中基于相位差（Phasing）的有机过程。核心分析对象是史蒂夫·赖奇（Steve Reich）和菲利普·格拉斯（Philip Glass）。本章详细解析了赖奇的“过程音乐”理论——音乐材料一旦设定，其演变过程即成为作品本身——并分析了《相位》、《鼓组》等作品中重复结构如何改变听众对时间的感知，实现一种近乎催眠的、沉浸式的聆听体验。 第六章：新罗马乐派、拼贴与后现代的复杂性 在对“纯粹”技术探索的疲劳后，部分作曲家开始重新引入情感、戏剧性以及对历史的戏仿与引用。本章讨论了“新罗马乐派”（New Simplicity）的倾向，例如阿尔沃·帕尔特（Arvo Pärt）如何通过其“三段论风格”（Tintinnabuli Style）将极简的重复性与复调的深度、宗教的虔诚感结合起来，为听众提供一种清晰而富有精神性的音乐体验。同时，本章也分析了卢西亚诺·贝里奥（Luciano Berio）的“拼贴技术”（Collage Technique），尤其是在其《叙事曲》系列中，如何将不同历史时期的音乐片段并置、对话，体现后现代对单一叙事终结的立场。 结语：二十世纪遗产的反思 总结二十世纪先锋音乐对二十一世纪音乐创作的深远影响，探讨技术解放与审美边界扩展的得失，并提出对未来音乐发展方向的初步思考。本书力求以严谨的分析方法，避免价值判断，客观呈现这些复杂思潮的内在逻辑与历史地位。

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我特别欣赏书中关于音乐教育的篇章。在那个时代，音乐教育的普及和发展遇到了诸多挑战，但正是这些筚路蓝缕的探索者，为中国培养了一代又一代的音乐人才。他们的奉献精神，让我深受感动。

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我尤其喜欢书中对不同历史时期音乐风格的梳理和分析。作者并没有简单地罗列事实，而是深入剖析了社会、政治、文化背景对音乐发展的影响。比如，书中对于五四运动时期新文化思潮如何冲击传统音乐，以及如何催生出新的音乐形式的论述，就让我茅塞顿开。

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《中国近现代音乐史》这本书，我早就听说过，一直想找时间好好拜读一下。最近终于下定决心，从书店抱回了这本书，迫不及待地开始翻阅。这本书的装帧设计非常精美，硬壳封面，纸张质量也很好，拿在手里沉甸甸的，很有分量。翻开第一页，我就被深深地吸引住了。作者的文字功底非常扎实，语言生动形象，仿佛能够将我带回到那个风云变幻的年代。

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对于那些对中国近现代历史感兴趣的读者来说，这本书绝对是一份宝藏。它以音乐为切入点，提供了一个观察历史的独特角度，让我对那个时代的社会风貌有了更深层次的理解。

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总而言之，《中国近现代音乐史》是一部值得反复阅读和品味的书籍。它不仅让我增长了知识，更重要的是，它激发了我对中国音乐文化更深层次的思考和热爱。

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这本书的参考文献和注释也做得非常详尽，这对于我这样希望进一步深入研究的读者来说，提供了极大的便利。我可以根据书中的线索，去查阅更多的原始资料。

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我强烈推荐这本书给所有对中国音乐、中国近现代史感兴趣的读者。我相信，这本书一定会像它对我一样，带给你惊喜和启发。

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阅读《中国近现代音乐史》的过程，对我来说是一次非常深刻的文化体验。我一直对音乐有着浓厚的兴趣，但以往的接触大多集中在西方古典音乐或者当代流行音乐。这本书的出现，彻底拓宽了我的视野。它让我看到了中国音乐在近现代转型中所经历的跌宕起伏，以及那些在历史洪流中闪耀的音乐巨匠们。

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这本书的结构安排也十分合理，从晚清的开端，一路梳理到新中国成立前夕。每一个章节都紧密相连，逻辑清晰。作者在处理大量史料的同时，又能保持叙述的流畅性，这一点非常难得。

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这本书不仅仅是一本学术专著，更像是一部引人入胜的时代画卷。它通过音乐这个独特的视角，展现了中国近现代社会变迁的宏大叙事。我常常在阅读的时候，会想象当时的音乐家们是如何在条件艰苦的情况下，为中国的音乐事业默默耕耘的。

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