具体描述
Great pianist-teacher's advice and specific pointers on piano technique, interpretation, performance.
作者简介
约瑟夫·霍夫曼(卡西米尔)[Josef Hofmann(Casimir),1876-1957]
钢琴大师，安东·鲁宾斯坦的学生。身材矮小、张指只够八度,但技术高超。他在童年时代就练成了一双擅奏音阶的好手,所演奏的经过句和颤音,其飞快的速度和均匀是无与伦比的,力度变化的宽广范围和音质的清澈可称无以复加。
目录信息
读后感
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用户评价
对于我这样一位有一定钢琴基础，但总感觉瓶颈期的业余爱好者来说，《Piano Playing》的出现无疑是一场及时雨。它并非那种泛泛而谈的“速成”指南，而是深入到演奏的细微之处，层层剥茧，揭示了许多我从未关注过的关键细节。书中对于“触键”的探讨尤其令我印象深刻。过去，我总是习惯性地用手指的指尖直接接触琴键，以为这样就是最直接的力度传递。但作者却详细分析了不同触键方式对音色和表现力的影响，比如“指尖触键”、“指肚触键”甚至“指根触键”所产生的微妙差异。他还引入了“重量传递”的概念，让我理解到，钢琴的力度不仅仅是手指用力的结果，更是身体重量向下传递到琴键的自然过程。这个概念的领悟，瞬间打开了我对音量控制和动态变化的全新视角。我开始尝试将身体的放松和重量融入到演奏中，结果发现在弹奏一些需要渐强或渐弱的段落时，能够获得比以往更加平滑、更富层次感的音响效果。此外，书中对于“节奏感”和“律动”的讲解也同样精辟。它不仅仅是讲解如何准确地读谱，更是关于如何让音乐“活”起来，如何通过细微的速度变化（rubato）来表达情感，如何掌握不同音乐风格的内在律动。我记得其中有一个章节，分析了肖邦夜曲的演奏，将那种忧郁、细腻的情感通过对节奏的微妙处理表现出来，让我读得如痴如醉。这本书让我意识到，钢琴演奏是一门结合了技术、情感和深刻理解的艺术，而《Piano Playing》正是通往这门艺术殿堂的一把万能钥匙。
评分我必须承认，《Piano Playing》这本书的“即兴演奏”部分，是我在所有钢琴学习资料中最具启发性的一部分。在此之前，我一直认为即兴演奏是一项只有少数天才才能掌握的技能，我从未想过自己也能有所涉猎。然而，这本书以一种非常系统和易于理解的方式，将即兴演奏分解成了几个关键的组成部分，并提供了大量的练习方法。作者首先讲解了“音阶和模式”在即兴演奏中的运用，并提供了各种不同的调性练习。他强调，掌握好音阶和模式，就如同掌握了即兴演奏的“词汇”。然后，他进入到“和弦进行”的学习，并教导我如何根据不同的和弦进行，来即兴创作旋律。书中提供了大量的“和弦进行模板”，以及如何在这些模板上进行变化和发展。最让我兴奋的是，作者还介绍了一些“节奏型”和“动机发展”的技巧，这些技巧能够帮助我将简单的旋律变得更加丰富和有趣。我按照书中的指导，开始尝试着在弹奏简单的和弦进行时，进行一些即兴的旋律创作，虽然一开始有些生涩，但随着练习的深入，我发现自己逐渐能够“说”出一些属于自己的音乐。这本书让我看到了即兴演奏的另一面，它并非遥不可及，而是可以通过系统学习和刻苦练习来实现的。它为我打开了一扇新的音乐大门，让我能够更自由地表达自己的音乐思想。
评分我必须说，《Piano Playing》这本书的文字风格和信息密度让我感到非常惊喜，尤其是它对于演奏者心理素质的探讨，是我在其他钢琴教材中很少见到的。很多时候，我们把注意力都集中在技术层面，却忽略了在演奏过程中，内心的平静、专注以及如何克服紧张情绪的重要性。这本书专门辟出了一个章节来讨论“演奏心态管理”，作者通过分享一些著名钢琴家的经历，以及心理学研究的成果，为我们提供了一套行之有效的心理调适方法。比如，关于“目标分解”的建议，让我意识到在面对一首复杂的乐曲时，与其被整体的难度所压倒，不如将其分解成更小的、可管理的部分，逐一攻克。这不仅能提高学习效率，还能在完成每一个小目标时获得成就感，从而增强自信心。此外，书中还强调了“积极想象”的力量，鼓励我们在练习时，就如同在正式演奏一样，想象自己的指尖在琴键上流畅地舞动，想象观众热烈的掌声。这种预演式的练习，能够有效地减少临场紧张感。在“表现力”方面，这本书的观点也相当独特。它不仅仅教我们如何弹奏出正确的音符和节奏，更是引导我们去理解乐曲背后的故事、作曲家的意图，以及如何将自己的情感注入到音乐中。通过对乐句的“呼吸”处理，对和声色彩的细致描绘，以及对音乐织体的清晰把握，这本书让我学会了如何让自己的演奏更具感染力和生命力。我常常会带着这本书去音乐厅，在聆听大师演奏时，对照书中的理论，去体会他们是如何做到如此动人的，这种学习方式让我受益匪浅。
评分《Piano Playing》这本书的章节编排和逻辑结构是我所见过最清晰、最有条理的钢琴教材之一。它从最基础的乐理知识入手，逐步深入到复杂的演奏技巧和音乐分析，整个过程就像是一次精心设计的音乐之旅。每一章都承接上一章的内容，循序渐进，确保读者能够扎实地掌握每一个知识点。我尤其喜欢它关于“和声的色彩”的讲解。作者不仅仅是列举了各种和弦的构成，更是深入分析了不同和弦在乐曲中所产生的听觉效果和情感联想。他用“色彩”和“情绪”来形容不同的和弦，让我能够更直观地理解它们的作用。例如，他将大调和弦比作“明亮、阳光”，将小调和弦比作“忧郁、沉思”，而属七和弦则是一种“渴望解决”的情感。通过这些生动的描述，我学会了如何去“听”和声，并且如何在演奏中，通过对和声色彩的把握，来丰富音乐的表现力。此外，书中还提供了大量的“和声练习”，帮助我巩固所学知识，并将理论转化为实践。这本书让我对和声的理解，从“理论知识”上升到了“音乐感受”，这种转变对我意义重大。它让我在演奏中，能够更自信地驾驭复杂的和声，并创作出更具感染力的音乐。
评分《Piano Playing》这本书给我最深刻的印象是其对“音色控制”的极致追求。我一直认为，钢琴的音色变化是有限的，但这本书彻底颠覆了我的这种看法。作者用非常形象的语言，将音色比作“绘画的色彩”，为我们揭示了如何通过细微的触键、踏板运用以及手指力度变化，来创造出丰富多彩的音响效果。他详细阐述了“均质音色”和“色彩音色”的区别，并提供了大量练习来帮助我们实现后者。例如，关于如何弹出“歌唱性的音色”，书中提供的建议是，要让每个音符都仿佛有一个“起点”和“终点”，并且在弹奏过程中，要有一种“送出”的感觉，而不是简单的“按下”。我尝试着去实践这些建议，发现在弹奏一些慢板乐曲时，能够获得更加圆润、饱满，富有表现力的音色，仿佛钢琴在“呼吸”一样。此外，书中对“踏板的运用”的讲解也堪称教科书级别。我之前使用踏板，往往是“一踩到底”，或者根据乐句来划分。但这本书教我如何去“精细化”地运用踏板，比如“半踏”、“联动踏板”以及“闪踏”，并详细解释了它们在不同音乐风格和段落中产生的效果。通过这些练习，我学会了如何用踏板来连接乐句、模糊和声界限、制造混响效果，甚至烘托情绪。这让我意识到，踏板不仅仅是用来延音的工具，更是塑造音色和音乐氛围的强大助手。这本书让我对钢琴的理解，从“弹奏乐谱”上升到了“创造音乐”，这是一个质的飞跃。
评分我作为一个对音乐史和作曲家风格有浓厚兴趣的钢琴学习者，在阅读《Piano Playing》时，常常能感受到作者深厚的音乐学底蕴。这本书并没有枯燥地罗列历史事实，而是将音乐史的知识巧妙地融入到演奏技巧的讲解中，让我能够在演奏实践中，更深刻地理解不同时期作曲家的创作理念和音乐特点。例如，在讲解巴洛克时期的演奏技巧时，作者详细分析了巴赫赋格的结构和演奏要领，强调了清晰的对位线条和节奏的精确性。他还对比了不同时期键盘乐器的特性，解释了为何在演奏巴洛克音乐时，需要注重触键的清晰度和音色的明亮度。当我按照书中的指导去弹奏巴赫的作品时，我发现自己能够更清晰地听到各个声部之间的对话，音乐的逻辑性和力量感也随之增强。而在谈到浪漫主义时期的音乐，作者则着重于情感的表达和音乐的流动性。他深入剖析了肖邦、李斯特等作曲家的作品，解释了他们是如何运用自由的节奏、丰富的和声以及宽广的音域来抒发个人情感的。书中的一些关于“情感的层层递进”和“音乐的戏剧性处理”的建议，让我学到了如何在演奏中，将自己的情感投入进去，让音乐不仅仅是音符的堆砌，而是能够打动人心的故事。这本书让我明白，优秀的钢琴演奏，离不开对音乐本身的深刻理解，而《Piano Playing》恰恰是帮助我建立这种理解的绝佳伙伴。
评分《Piano Playing》这本书的实用性是我最为看重的，它不仅仅停留在理论层面，而是提供了大量可以直接应用于练习的具体方法和练习曲。我尤其欣赏作者在“练习效率”方面的建议。在我的学习过程中，常常会遇到瓶颈，感觉练习了很长时间，进步却不明显。这本书则提供了一些“高效练习”的策略，比如“慢速练习法”的细致讲解，以及如何通过“分解练习”来攻克技术难题。作者强调，慢速练习并不是简单的“降低速度”，而是要在这个过程中，仔细地处理每一个音符、每一个指法、每一个乐句，确保每一个细节都是准确和富有表现力的。他还建议，在练习过程中，要“有意识地练习”，而不是“机械地重复”。这意味着，每次练习都要有一个明确的目标，并且要时刻反思自己的练习效果。此外，书中还提供了一些“个性化练习”的思路，鼓励读者根据自己的弱点和目标，来调整练习的内容和方法。我尝试着根据书中的建议，去分析自己在演奏中的不足，然后有针对性地进行练习，发现在短短几周内，我的进步速度就有了明显的提升。这本书让我从“瞎练”变成了“巧练”，极大地提高了我的学习效率。它就像一个经验丰富的教练，知道如何针对每个人的情况，制定最有效的训练计划。
评分这本《Piano Playing》彻底改变了我对钢琴演奏的认知。在此之前，我一直认为弹奏钢琴是一门纯粹的天赋技能，要么你天生拥有，要么你只能望着那些指尖在琴键上飞舞的演奏家们叹息。然而，这本书以一种令人难以置信的清晰和循序渐进的方式，将我从一个对钢琴一窍不通的门外汉，带到了能够独立弹奏出简单旋律的境界。作者并没有回避音乐理论的复杂性，而是巧妙地将其融入到实用的练习中。例如，关于音阶和琶音的讲解，我之前总觉得枯燥乏味，但这本书通过生动的比喻和图示，让我理解了它们在乐曲中扮演的“骨架”作用。更让我惊喜的是，它还提供了大量针对不同音乐风格的演奏技巧，从巴洛克时期的清晰触键，到浪漫主义时期的情感表达，再到现代音乐的节奏变化，都做了深入浅出的阐释。我特别喜欢其中关于“听觉感知”的部分，作者强调了聆听的重要性，并提供了许多训练耳朵辨别音高、和弦和节奏的方法。这不仅仅是关于“怎么弹”，更是关于“如何听”，如何真正地用耳朵去感受音乐的流动和色彩。我常常会在练习过程中，停下来，闭上眼睛，去倾听自己弹奏出的每一个音符，感受它们之间的联系。这本书的编排也十分合理，从最基础的手部姿势、指法练习，到复杂的乐曲片段分析，都安排得井井有条，让人不会因为内容的庞杂而感到 overwhelming。我每天都会抽出固定的时间来翻阅这本书，无论是学习新的技巧，还是回顾已掌握的内容，总能从中获得新的启发。它就像一位耐心而博学的老师，始终在我身边，引导我不断前进。
评分《Piano Playing》这本书在“乐曲分析”方面，提供了许多我之前从未接触过的深度。它不仅仅是简单地解释乐谱上的记号，而是引导读者去理解乐曲的结构、作曲家的创作意图以及乐曲背后的情感和故事。作者会选取一些经典的钢琴作品，然后进行细致的分析，从宏观的曲式结构，到微观的动机发展、和声色彩、旋律线条，都进行了深入的剖析。他会帮助我们理解，为什么作曲家选择这样的结构，为什么使用这样的和弦，以及这些选择如何共同营造出乐曲想要表达的情感。例如，在分析贝多芬的一首奏鸣曲时，作者详细讲解了奏鸣曲式的发展和变化，以及贝多芬如何通过对主题的变形和发展，来构建出强大的音乐张力。他还引导我们去思考，在演奏过程中，如何通过对速度、力度、踏板等方面的细致处理，来呈现乐曲的结构和情感。这种深入的乐曲分析，让我对音乐的理解不再停留在表面的音符，而是能够感受到音乐的内在逻辑和深度。它帮助我更好地把握乐曲的“灵魂”，从而在演奏中，能够更准确、更富有表现力地传达作曲家的思想。这本书让我明白，成为一名优秀的钢琴演奏者，不仅仅是掌握技术，更重要的是能够深刻地理解和解读音乐。
评分这本《Piano Playing》在“音乐性”的培养方面，给予了我许多前所未有的启示。很多钢琴教材都注重技术层面的训练，但对于如何培养音乐的“灵魂”，却往往语焉不详。这本书则对此进行了深入的探讨，它将音乐的“呼吸”、“停顿”、“乐句的塑造”等概念，进行了非常细致和形象的阐述。作者认为，音乐的魅力不仅仅在于音符本身，更在于音符之间的联系，以及那些“无声”的空间。他用“聆听音乐的空气”这样的比喻，让我理解了“乐句的划分”和“呼吸点”的重要性。在我实践的过程中，我发现，当我在弹奏乐句时，会自然地停顿一下，就像人在说话时会换气一样，这样处理后，音乐就变得更加流畅和富有生命力。书中还强调了“对位法的理解”对音乐性的提升至关重要。即使是独奏，如果能理解乐曲中隐藏的对位关系，也能让演奏更加立体和饱满。作者提供了一些帮助理解对位的方法，比如在练习时，将不同的声部单独弹奏，然后逐渐将它们组合起来。这让我能够更好地把握乐曲的结构，并以一种更加清晰和有条理的方式来呈现音乐。这本书让我从一个只知道弹奏“音符”的人，变成了一个能够“讲述”音乐故事的人，这种转变让我感到非常欣喜。
评分你说，当然记得我。
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