Make Music with Supergrass

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出版者:Music Sales Ltd
作者:
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页数:0
译者:
出版时间:2002-12-05
价格:0
装帧:Paperback
isbn号码:9781843282464
丛书系列:
图书标签:
  • Supergrass
  • 英伦摇滚
  • 音乐制作
  • 吉他
  • 贝斯
  • 创作
  • 独立音乐
  • 90年代
  • 音乐传记
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具体描述

《旋律的狂想:探索音乐创作的无限可能》 音乐,一种超越语言的普遍存在,它能触动人心最深处的情感,点燃激情,抚慰心灵,亦能激发无限的创造力。你是否曾被一段动人的旋律所吸引,渴望亲手谱写出属于自己的乐章?是否曾对缤纷多样的乐器感到好奇,想要了解它们如何共同编织出和谐的音律?《旋律的狂想》正是为你而备,它将带领你踏上一段探索音乐创作奥秘的奇妙旅程,无论你是音乐初学者,还是希望深化理解的爱好者,都能在这本书中找到属于自己的启发与乐趣。 本书并非枯燥的理论堆砌,而是一本充满活力与实践性的指南。我们将从最基础的音乐语言入手,深入浅出地解析音高、节奏、和弦等核心概念,让你在短时间内掌握理解音乐的钥匙。你将了解到,音符并非孤立的点,它们通过特定的排列组合,构成了千变万化的旋律。我们会一起探索不同音阶的特性,理解它们为何能带来不同的情绪色彩,比如小调的忧伤,大调的明快,以及其他更富有多样性的调式所蕴含的丰富情感。节奏,则是音乐的脉搏,我们不仅会学习如何辨识和记录不同的节奏型,更会理解节奏在塑造音乐动感和张力方面的关键作用。从简单的四拍子到复杂的多拍子,从舒缓的慢板到激昂的快板,你将学会如何用节奏为你的音乐注入生命力。 和弦,是音乐的骨架,是旋律得以丰满、色彩得以丰富的基石。本书将系统地介绍和弦的构成原理,从最基础的三和弦,到更复杂、更具表现力的七和弦、九和弦,以及各种转位和弦。你将学会如何构建和谐的和弦进行,理解不同和弦之间的连接如何影响音乐的走向和情绪。我们会通过大量生动的例子,展示不同音乐风格中和弦运用的巧妙之处,让你能够触类旁通,运用到自己的创作中。 而到了旋律的创作,这本书将激发你最原始的创作冲动。我们将探讨旋律发展的各种基本手法,如重复、变化、对比、模仿等,教会你如何让你的旋律既有记忆点,又能引人入胜。你会学习到如何运用音程关系来构建富有张力的旋律线条,如何利用节奏的变化来增加旋律的趣味性。我们还将深入分析不同作曲家笔下经典旋律的创作技巧,让你在学习中获得灵感。 除了音乐的基本构成要素,本书还会将你的视野拓展到更广阔的音乐天地。我们将带你认识形形色色的乐器,了解它们的发声原理、音色特点以及在音乐中扮演的角色。从经典的钢琴、吉他,到民族乐器,再到电子合成器,你将对各种乐器的魅力有一个全新的认识。我们还会探讨不同乐器组合所能产生的奇妙效果,为你构建乐队或进行编曲提供思路。 编曲,是将零散的音乐元素整合成一部完整作品的关键步骤。本书将为你揭示编曲的奥秘,从声部编写、配器选择,到织体设计、动态处理,你将学会如何让你的音乐更加饱满、立体、富有层次感。我们将分析不同风格音乐的编曲特点,例如爵士乐的即兴色彩,古典乐的严谨结构,流行乐的清晰层次,摇滚乐的爆发力等等,帮助你找到适合自己音乐的编曲方式。 音乐创作并非孤立的活动,它与音乐的历史、文化息息相关。因此,本书还将引导你回顾音乐的发展历程,从巴洛克时期的华丽,到古典时期的优雅,再到浪漫时期的奔放,以及现代音乐的多元探索。了解音乐的演变,能够帮助你更好地理解当下的音乐潮流,并从中汲取养分。同时,我们也会探讨不同文化背景下音乐的独特性,激发你对世界音乐的兴趣,尝试融合不同风格的可能性。 此外,《旋律的狂想》还将为你提供宝贵的实践建议。我们将分享一些实用的创作技巧和练习方法,帮助你克服创作瓶颈,提升音乐表达能力。从如何寻找创作灵感,到如何有效利用音乐软件进行创作,再到如何反馈和改进自己的作品,本书将全方位地陪伴你的创作之路。你将学会如何聆听自己的音乐,如何辨别优缺点,并找到持续进步的方向。 这本书不仅仅是一本关于音乐理论的教材,更是一扇通往音乐世界的大门。它鼓励你去聆听,去感受,去尝试,去表达。我们相信,每个人心中都蕴藏着一首未被发掘的歌曲,一段未被谱写的旋律。《旋律的狂想》将是你实现音乐梦想最可靠的伙伴,它将点燃你内心深处的音乐火花,引领你在这个充满无限可能的音乐领域里自由翱翔。准备好,跟随本书的指引,开启你的音乐创作之旅吧!你将惊喜地发现,原来音乐创作如此简单而又充满乐趣,而属于你的旋律,正等待着你去赋予它生命。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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我必须承认,这本书的语言风格非常具有个人魅力,它带着一种老派的、略带戏谑的英式幽默感,读起来完全没有压力。作者似乎很擅长将严肃的技术问题包裹在有趣的轶事里。有一段情节我印象特别深刻,他讲到早期录音师为了获得特定的空间混响效果,是如何把昂贵的麦克风偷偷架设在录音棚外面的水塔里进行环境采样的故事。这种略带传奇色彩的叙述方式,让原本枯燥的“混响原理”变得生动有趣。更重要的是,这本书鼓励一种“黑客精神”——鼓励读者去打破软件和硬件的既定功能,去尝试那些“不应该”这么用的设置。它教导我们,最好的音色往往来自于对参数的极限拉扯和意外的发现,而不是仅仅遵循制造商推荐的“最佳设置”。它培养的不是一个只会使用软件的“操作员”,而是一个敢于质疑和探索的“声音工程师”。这本书的精髓不在于它教了你多少技巧,而在于它在你心中种下了一颗“可以做得更多”的怀疑和好奇的种子。

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这本书的排版和设计本身就是一种艺术体验。它摒弃了那种常见的、塞满专业术语的教科书式布局,而是采用了大量留白和极简的图示来配合文字的讲解。内容上,它似乎有一种独特的魔力,能将最晦涩的概念用最直观的方式呈现出来。例如,当它讲解滤波器(Filter)时,图示不是传统的频率响应曲线,而是一个模拟水流通过不同粗细管道的比喻,让我瞬间理解了高通、低通和带通滤波器的物理意义。对于我这种偏爱视觉学习的人来说,这种非线性的信息传递方式非常有效。而且,这本书的章节划分非常灵活,我不需要从头读到尾,可以根据我当天的心情和手头的设备,直接挑选感兴趣的“声音模块”进行钻研。今天我想学习如何让我的低音听起来更“圆润”,明天我就能精准地跳到讲解动态处理的那一页。它更像是一本可以随时翻阅的“声音工具箱”,而不是一本需要按部就班啃读的“操作手册”,极大地提升了学习的效率和乐趣。

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这本关于如何用最基础的电子设备制作音乐的书籍,简直是为我这种对音乐制作一窍不通的新手量身定做的!我一直对那种复杂的数字音频工作站(DAW)望而却步,觉得它们界面复杂得像是航天飞机的驾驶舱。但这本书的切入点非常接地气,它没有一上来就谈论复杂的合成器设计或者效果链的堆叠,而是聚焦于“用最少的工具,创造出最大的可能性”。书里详尽地介绍了如何利用廉价的、甚至是二手的小型鼓机和键盘进行初步的采样和循环构建。我尤其欣赏作者在讲解如何调整鼓点的“松紧度”时所用的比喻,那就像是给一个初学的面包师讲解揉面时的力度和时间,形象到我立刻就能在脑海中构建出声音的质感。它没有那种高高在上的理论说教,而是充满了实操性的技巧,比如如何用一个简单的延迟效果器来模拟出八十年代的混响空间感,或者如何通过巧妙的侧链压缩来让贝斯线和底鼓“打架”而不是“互相掩盖”。读完前三章,我已经敢于打开我尘封已久的廉价MIDI键盘,尝试着不再去模仿别人,而是开始真正“玩”出属于自己的节奏了。这本书的价值在于,它成功地去除了制作音乐的神秘外衣,让每个人都能感受到自己指尖下流淌出的音符是多么有力量。

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坦白说,我买这本书时是带着一种怀疑态度的,因为市面上关于“快速致富”或“一夜成名”的音乐制作指南实在太多了,它们往往内容空洞,只能教你一些肤浅的预设操作。然而,这本书的深度和广度远超我的预期。它不仅仅关注于技术层面,更深入探讨了音乐制作背后的“心理学”和“哲学”。作者在某一章节里讨论了“不完美的力量”,即刻意保留录音中的瑕疵,比如麦克风的轻微底噪、演奏者呼吸的声音,如何增强音乐的真实感和人性魅力。这种对“缺陷美学”的强调,让我开始重新审视我之前追求的“完美无瑕”的录音标准。此外,书中对不同流派音乐背后制作思路的剖析也极其精妙。它不是简单地罗列出某个流派的标志性音色,而是深入挖掘了促成这些音色诞生的时代背景和制作人员的选择倾向。读起来,与其说是在学习技术,不如说是在进行一场高级的音乐史和制作美学辩论。这本书非常适合那些已经掌握基础操作,但渴望提升自己品味和深度的听众或制作人。

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我是一位资深的吉他手,沉浸在传统乐队编曲的泥沼里太久了,感觉自己的创作思维越来越固化,总是逃不出“主歌-副歌-桥段”的传统结构。偶然翻到这本书,它提供了一种近乎“反叛”的视角来看待音乐的构建。这本书似乎更强调“纹理”和“环境”的营造,而不是传统意义上的旋律驱动。作者花了大量的篇幅去探讨如何使用噪音、环境音效(Field Recordings)以及非传统的音色作为歌曲的核心骨架。例如,书中有一章详细描述了如何将城市交通噪音通过失真和滤波处理,转化为一个富有张力的背景音轨,然后在这个背景上轻描淡写地铺陈极简的旋律动机。这种处理方式完全颠覆了我对“歌词优先”的执念。它迫使我放下对和弦行进的依赖,转而去思考声音的物理特性和空间感。读完之后,我尝试着把我录下的一段雨声叠加到我写的一首慢歌里,竟然意外地赋予了歌曲一种疏离而又温暖的后摇滚氛围。这本书不是教你如何写歌,而是教你如何“构建一个声音世界”,对于寻求突破的音乐人来说,这无疑是一剂强心针。

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