A Chronological Order For The Keyboard Sonatas Of Domenico Scarlattti (1685-1757) (Studies in the Hi pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Edwin Mellen Press

作者:Matthew Flannery

出品人:

页数:258

译者:

出版时间:2004-11

价格:USD 119.95

装帧:Hardcover

isbn号码:9780773463363

丛书系列:

图书标签:

• Scarlatti
• Keyboard Sonatas
• Music History
• Music Interpretation
• 18th Century Music
• Italian Music
• Chronological Order
• Musical Forms
• Harpsichord
• Baroque Music

多梅尼科·斯卡拉蒂键盘奏鸣曲编年史研究：历史与解读的视角 这份研究旨在深入剖析巴洛克晚期至古典主义早期最重要的键盘音乐作曲家之一，多梅尼科·斯卡拉蒂（Domenico Scarlatti, 1685-1757）的键盘奏鸣曲创作。本书并非简单罗列作品，而是通过一种严谨的编年视角，将斯卡拉蒂一生中数量庞大、风格迥异的键盘奏鸣曲置于其创作时期、个人生活经历以及当时的音乐语境之中进行考察。研究的根本目标是揭示这些奏鸣曲在音乐史上的地位，理解其结构、技法和情感表达的演变，并为当今演奏家和学者提供更深层次的解读依据。 第一章：时代的回响——斯卡拉蒂的音乐土壤 多梅尼科·斯卡拉蒂的音乐生涯横跨一个充满变革的时代。他出生于那不勒斯，一个当时意大利音乐的中心，父亲亚历山德罗·斯卡拉蒂（Alessandro Scarlatti）已是享誉欧洲的歌剧作曲家。在这样的家庭氛围中成长，斯卡拉蒂无疑深受意大利早期巴洛克音乐的影响，特别是其丰富的旋律性和戏剧性。然而，随着他的音乐足迹遍布罗马、佛罗伦萨、里斯本，最终定居西班牙马德里，他接触到了更广阔的音乐视野。 本书将首先梳理构成斯卡拉蒂音乐创作的时代背景。这包括： 意大利巴洛克晚期的音乐特征： 宏大的复调织体、华丽的装饰音、对位法的精湛运用，以及对清晰旋律线的追求。我们将考察意大利当时的歌剧、清唱剧以及室内乐的流行形式，分析这些体裁对斯卡拉蒂早期奏鸣曲可能产生的启示。 键盘乐器的发展与普及： 斯卡拉蒂的奏鸣曲主要是为当时的键盘乐器，如羽管键琴（Harpsichord）和早期钢琴（Clavichord）而作。我们将探讨这些乐器的构造特点、音色差异以及它们在18世纪音乐生活中的地位，这对理解斯卡拉蒂的写作技巧和音乐表现力至关重要。例如，羽管键琴的清晰音色和相对固定的音量，往往促使作曲家通过更复杂的织体和节奏变化来丰富音乐。 西班牙音乐的独特影响： 斯卡拉蒂在西班牙生活了近半个世纪，这一时期是他创作的黄金时期。西班牙独特的民间音乐风格，如弗拉明戈（Flamenco）的节奏特点、吉他演奏的技巧（如拨弦、颤音），以及浓郁的伊比利亚风情，都深刻地融入了他的奏鸣曲之中。我们将分析斯卡拉蒂作品中大量出现的西班牙民间音乐元素，如西班牙节奏型（如吉格舞曲）、模仿吉他或曼陀林音色的技巧，以及其奏鸣曲所蕴含的地域性情感色彩。 早期古典主义音乐的萌芽： 尽管斯卡拉蒂的创作很大程度上延续了巴洛克风格，但其奏鸣曲中也隐约可见古典主义音乐的某些特征，如更加清晰的结构、动机的发展以及旋律的抒情性。我们将探讨斯卡拉蒂的作品如何反映出从巴洛克向古典主义过渡的音乐语言变化，以及他本人在这场音乐变革中的独特贡献。 第二章：编年梳理——奏鸣曲的生命周期 本书的核心贡献在于对斯卡拉蒂键盘奏鸣曲进行系统性的编年梳理。这需要对现有史料进行细致的研究，包括抄本、印刷版本以及相关音乐学家的考证。我们将尝试将每一首奏鸣曲置于其最可能的创作时间段，从而展现斯卡拉蒂创作风格的演变历程。 早期创作（约1705-1720）： 这一时期的作品可能与他在那不勒斯和罗马的经历紧密相关。这些奏鸣曲可能仍然带有较强的巴洛克风格痕迹，但已开始显露出其独特的创新之处，例如对演奏技巧的探索。 里斯本时期（约1720-1729）： 在葡萄牙王室任职期间，斯卡拉蒂的创作进入了一个相对稳定而多产的阶段。这一时期的奏鸣曲可能受到了一些当时欧洲音乐潮流的影响，同时也开始吸收葡萄牙和西班牙音乐的元素。 马德里时期（约1729-1757）： 这是斯卡拉蒂创作的鼎盛时期，数量庞大、风格多样、技法精湛的奏鸣曲在这段时间内集中涌现。我们将把这一时期的作品划分为若干阶段，细致分析其风格的变化： 中期（约1730s-1740s）： 这一时期是斯卡拉蒂创作风格成熟并走向巅峰的阶段。他的奏鸣曲在结构上更加自由，技巧上也更加大胆，对位的运用更加灵活，同时对色彩和动态的探索也更加深入。 晚期（约1750s）： 晚期作品可能展现出更加精炼和深刻的音乐语言，在情感表达上可能更加内敛或富于哲思。部分作品也可能开始预示着古典主义时期的某些音乐发展方向。 在编年梳理的过程中，我们将重点关注以下几个方面： 作品编号的考证与辨析： 斯卡拉蒂奏鸣曲的编号系统存在多种，如R. Kirkpatrick（K.）编号、G. Pestelli（P.）编号等。本书将采用一种公认的、基于编年顺序的编号体系，并对不同编号体系的异同进行说明，帮助读者理解作品的对应关系。 抄本与版本的比较研究： 斯卡拉蒂奏鸣曲的流传过程中存在着大量的抄本和早期印刷版本。我们将基于对这些版本的研究，来判断作品的真实性和其在不同时期的流传情况。 个人经历与创作的联系： 尽管音乐本身是独立的美学存在，但作曲家的生活经历往往是其创作的灵感来源。我们将尝试将斯卡拉蒂在不同时期的生活事件（如迁移、宫廷任命、家庭变故等）与他的奏鸣曲创作进行关联，以期更全面地理解作品的内涵。 第三章：奏鸣曲的结构与技法革新 斯卡拉蒂的键盘奏鸣曲以其独具匠心的结构和令人耳目一新的演奏技巧而闻名于世。本书将对这些方面进行深入的分析： 单乐章奏鸣曲的结构： 斯卡拉蒂绝大多数的键盘奏鸣曲都是单乐章作品，但其内部结构却异常丰富。我们将详细探讨他常用的结构模式，如： 二部曲式（Binary Form）： 这是斯卡拉蒂最主要的结构形式。我们将分析其不同变体，如主部（A段）和再现部（B段）的对称性、终止式的处理，以及转调的规律。 再现性二部曲式： 一些奏鸣曲的B段会包含A段的材料，形成一种特殊的再现。 三部曲式（Ternary Form）的雏形： 尽管不常见，但部分作品也可能呈现出三部曲式的早期特征。 主题的发展与动机处理： 斯卡拉蒂善于运用简洁的音乐动机，并通过各种方式进行发展和变形，创造出充满活力和变化的内容。我们将研究他如何运用重复、模进、倒影、节奏变化等手法来丰富音乐。 和声语言的探索： 斯卡拉蒂的和声语言大胆而创新，常常运用不协和和弦、远关系转调以及奇特的终止式，为当时的音乐注入了新的活力。我们将分析其和声进行中的特色，以及这些和声手法如何服务于音乐的情感表达。 演奏技巧的革新： 斯卡拉蒂的奏鸣曲是为演奏而作，其对演奏技巧的挑战和创新是划时代的。我们将着重分析： 跨指（Cross-hand）技巧： 这是斯卡拉蒂奏鸣曲中最著名的技术之一，即演奏者需要将一只手的手指跨越另一只手的手指，以奏出快速的音阶或琶音。我们将分析这种技巧的运用方式及其音乐效果。 装饰音的使用： 斯卡拉蒂对装饰音的运用十分灵活，不仅仅是简单的修饰，而是成为音乐表情的重要组成部分。 对羽管键琴特性的充分发挥： 斯卡拉蒂的作品充分利用了羽管键琴的特点，如其快速衰减的音色、清晰的音粒感，以及通过连奏和断奏产生的音响效果。 模仿其他乐器： 斯卡拉蒂经常在键盘奏鸣曲中模仿吉他、曼陀林、甚至人声的演奏效果。 音域的扩展与快速音流： 他的奏鸣曲往往跨越了较大的音域，并且包含大量的快速音流，对演奏者的指法和反应速度提出了极高的要求。 第四章：情感的世界——音乐的表达与解读 斯卡拉蒂的奏鸣曲并非仅仅是技巧的展示，它们蕴含着丰富的情感和深刻的音乐思想。本书将探讨如何理解和解读这些奏鸣曲所传达的情感世界。 音乐的“描绘性”： 许多奏鸣曲都具有明显的描绘性，可能描绘了特定的人物、场景、事件，甚至是情绪。我们将通过音乐材料和历史背景的结合，尝试解读这些描绘性的音乐语言。 幽默与戏剧性： 斯卡拉蒂的音乐常带有幽默感和戏剧性，仿佛是一场场小型的情景剧。我们将分析他如何通过节奏、和声、旋律的跳跃和对比来营造幽默和戏剧效果。 抒情与沉思： 在充满活力的作品之外，斯卡拉蒂也创作了许多抒情、沉思的作品，展现了他细腻的情感世界。我们将分析这些作品中更为内敛的情感表达方式。 西班牙情感的注入： 通过对西班牙音乐元素的分析，我们将探讨斯卡拉蒂如何在他的奏鸣曲中融入西班牙式的热情、忧伤、甚至是“斗牛士”般的激情。 演奏实践中的情感表达： 不同的演奏者在诠释斯卡拉蒂的奏鸣曲时，会呈现出不同的情感色彩。我们将探讨在历史演奏实践和现代演奏实践中，演奏家们是如何通过对速度、力度、音色、触键等方面的处理来传达作品的情感，并提出一些可能的解读方向。 第五章：历史的回响与当代的意义 多梅尼科·斯卡拉蒂的键盘奏鸣曲数量众多，风格多样，对后世的键盘音乐发展产生了深远的影响。本书将对斯卡拉蒂奏鸣曲的历史地位进行总结，并探讨其在当代的意义。 对键盘音乐发展的影响： 斯卡拉蒂的奏鸣曲为后来的古典主义作曲家，如海顿、莫扎特等，提供了重要的音乐范例。我们将分析其奏鸣曲在结构、技法和音乐语言方面如何启发了这些作曲家。 音乐文献的整理与研究： 斯卡拉蒂奏鸣曲的研究一直活跃在音乐学界。我们将回顾重要的斯卡拉蒂研究成果，并提出未来可能的研究方向。 演奏与普及： 如今，斯卡拉蒂的键盘奏鸣曲已成为音乐会和音乐学院的必修曲目。我们将讨论这些作品的演奏实践，以及它们在音乐教育和普及方面的价值。 连接过去与现在的桥梁： 斯卡拉蒂的奏鸣曲是连接巴洛克和古典主义的宝贵音乐遗产。通过对其编年史的研究，我们得以更清晰地认识音乐风格的演变，以及作曲家在特定历史时期所进行的创新与探索。本书希望能够成为一座桥梁，连接历史的深邃与当代的理解，让斯卡拉蒂的音乐跨越时空，继续激发人们的灵感与共鸣。 本书通过严谨的学术研究，结合历史文献、音乐分析和风格演变等多个维度，旨在为多梅尼科·斯卡拉蒂的键盘奏鸣曲提供一个全面而深入的编年史视角。我们相信，通过对这些作品的细致梳理和深入解读，读者将能够更深刻地理解这位伟大作曲家的音乐天才，及其作品在音乐史上的不朽价值。

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这本书的封面设计得非常典雅，黑白的主色调，配上烫金的书名，很有古典音乐研究书籍的韵味。我拿起它的时候，首先注意到的是它扎实的装帧，感觉拿在手里很有分量，显然不是那种轻飘飘的普及读物，而是为严肃的学者和深度爱好者准备的工具书。内容上，光是那个标题——《多梅尼科·斯卡拉蒂键盘奏鸣曲的年代顺序》（1685-1757）（音乐史与阐释研究丛书）——就透露出一种对细节近乎痴迷的考据精神。要知道，斯卡拉蒂的奏鸣曲数量庞大，流传版本和手稿的混乱是众所周知的难题，要试图构建一个“年代顺序”，这本身就是一个极具挑战性的学术壮举。我期待书中能详细论述每一首奏鸣曲的创作时间是如何确定的，所依赖的文献证据有哪些，比如手稿的日期、出版记录，乃至音乐风格的演变脉络分析。这种尝试，如果成功，无疑将极大地改变我们理解斯卡拉蒂创作生涯的线性发展和风格成熟的路径。我特别好奇，作者是如何处理那些年代模糊、存疑的作品，他们是如何做出取舍和论证的。这绝不是简单地将K编号排序就能敷衍了事的，它需要深入到巴洛克晚期西班牙宫廷音乐实践的细微之处去挖掘。

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阅读这类专业性极强的音乐学著作，最考验的其实是作者的逻辑梳理能力和论证的严密性。这本书如果能真正做到对年代的精确排序，那么它对演奏家而言简直是无价之宝。想象一下，一位钢琴家如果能根据奏鸣曲的创作时间顺序来安排练习和演奏会曲目，那么他就能清晰地感受到斯卡拉蒂从早期那种更偏向巴洛克结构的作品，逐步过渡到后期那些充满伊比利亚风情、结构更加自由、技巧更加炫目的杰作的整个心路历程。我希望书中不仅仅是列出年代表，更重要的是，能有一章专门讨论“年代顺序的意义”。比如，某一时期作品的特定和声语言是如何在后期的作品中被保留或被革新的？这种时间轴上的推进，如何映射出斯卡拉蒂对键盘乐器性能的认知深化？如果作者能将年代学与音乐本体分析紧密结合，而非仅仅停留在文献考证层面，这本书的价值将呈几何级数上升。对于那些痴迷于“第一版”或“早期版本”的收藏家来说，这种年代学基础资料的精确性，是他们进行版本比较的基石。

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对于普通爱好者而言，虽然年代顺序听起来像是纯粹的学术细节，但它实际上关乎音乐体验的“沉浸感”。如果我能按着作者提供的顺序听完全部奏鸣曲，我期望能像观看一部史诗电影一样，感受到斯卡拉蒂作为一位在异国他乡的宫廷音乐家的心境变化和艺术野心在时间维度上的展开。我希望书中对这些“年代切片”之间的过渡有足够的文学性描述，而不是生硬的学术术语堆砌。例如，在某段时期，由于接触了某种特定的民间音乐，导致他的节奏模式发生了微妙的变化，这种“故事性”的解读，才能让冰冷的年代数据“活”起来。一个好的年代排序，不仅仅是告诉我们“什么时候”创作，更深层次上，是试图揭示“为什么”在那时会这样创作。如果这本书能在严谨的学术框架下，提供这种富有洞察力的艺术史叙事，那么它将成功地跨越纯粹的音乐学研究和高阶音乐鉴赏读物之间的鸿沟，成为所有斯卡拉蒂爱好者的案头必备。

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我向来对那些试图梳理复杂历史脉络的著作抱有敬意，尤其是像斯卡拉蒂这样，他的大部分作品都以单乐章奏鸣曲的形式存在，缺乏清晰的组曲结构或明确的创作标记，这使得任何年代排序工作都如同在迷雾中航行。这本书的价值，我认为，很大程度上取决于其“可操作性”。如果它能提供一套清晰的、有据可查的年代划分系统，那么对于音乐史课程的教师、撰写相关论文的研究生来说，它将成为一个权威的参考点，可以避免因引用不准确的年代信息而导致的学术失误。我设想，书中可能会包含大量细致的图表和比对分析，展示特定技术（例如快速琶音、双手交错、对位法的运用）是如何在时间轴上逐步精进的。这种“进步路线图”的构建，才是这类研究最迷人的部分。它将奏鸣曲从一堆零散的“小品”提升到了一个具有清晰内在逻辑的艺术发展序列中去审视，这对理解古典主义前夜键盘音乐的转型至关重要。

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从装帧的厚重感和丛书的定位来看，这本书必然是一部学术重量级作品，因此，对它的期望自然会聚焦在它对既有斯卡拉蒂研究的突破性贡献上。我们都知道，传统上对斯卡拉蒂奏鸣曲的整理多以L（雷格）或K（科斯塔里卡）的目录编号为主，这是一种便利的分类法，但本质上是脱离了作曲家创作的实际时间流的。这本书试图重建时间序列，意味着它可能需要推翻或至少是修正一些长期以来被接受的（但未经严格年代学检验的）分类假设。我非常期待看到作者是如何处理那些被认为是“后期成熟风格”的作品，但其确切创作年份却难以考证的棘手案例。它是否引入了新的谱系学方法？比如，通过分析乐谱上的特定记号、纸张特征，甚至是与同时期其他作曲家（如法希奈利或西班牙宫廷乐师）的合作痕迹来辅助断代？如果书中能展示这些令人信服的“证据链”，那么它就不仅仅是一本研究指南，而是一部开创性的音乐考古学报告。这种层面的论述，要求作者具备跨学科的知识储备，这才是真正令人期待的地方。

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