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出版者:陕西人美

作者:茹桂

出品人:

页数:418

译者:

出版时间:2006-3

价格:25.80元

装帧:

isbn号码:9787536810808

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《书法十讲》：一场穿越时空的笔墨对话 《书法十讲》并非一本简单的技法指南，它是一场精心策划的、跨越千年的笔墨对话。它邀请读者走进中国书法的历史长河，从遥远的甲骨文初啼，到行云流水的草书狂放，再到端庄大气的楷书沉静，触摸每一个时代留下的独特印记。这本书并非旨在传授某种“独门秘籍”，而是力求呈现书法艺术的“精神气质”，带领读者领略其博大精深的文化内涵。 第一讲：笔墨的起源——刻在龟甲与兽骨上的远古回响 在遥远的商周时期，当先民们仰望星空，敬畏自然，他们将对世界的认知、祭祀的祷告、战争的记录，刻印在龟甲与兽骨之上。这便是汉字的雏形——甲骨文。这一讲，我们将穿越时空的阻隔，回到那个茹毛饮血的年代。我们不是简单地展示甲骨文的字形，而是去体悟那每一笔、每一划中蕴含的古老智慧与先民的生存哲思。我们将探讨甲骨文的象形、指事、会意等造字方法，理解它们如何从具象的物象，逐渐抽象化，成为记录思想的符号。同时，我们也会关注当时书写工具的简陋——尖锐的石器或金属，以及其在坚硬的载体上留下的独特凿痕。这种“刻”而非“书”的痕迹，赋予了甲骨文一种刚毅、古朴、神秘的质感，与后世的笔墨书法有着本质的区别，但却奠定了汉字最初的视觉基因。我们将追溯甲骨文的发现历程，感受王国维等先贤通过这些“零碎的骨片”重建历史的伟大力量。这一讲，我们将认识到，书法并非凭空而生，而是与中华文明的曙光一同闪耀。 第二讲：青铜时代的辉煌——铭刻在钟鼎之上的庄重与威严 随着社会的发展，文字的书写载体逐渐从坚硬的龟甲兽骨转向更为易于塑造的青铜器。商周时期，青铜器的铸造技术达到顶峰，而其上铸刻的金文（钟鼎文）则承载了更丰富的信息和更为成熟的艺术风格。本讲我们将深入探讨金文的艺术特征。相比于甲骨文的率意与灵动，金文更显庄重、规整、雄浑。笔画趋于均匀、粗细的变化相对较少，字形结构也更加稳定。我们会分析不同时期金文的演变，如商代金文的雄浑恣意，西周金文的端庄严谨，以及春秋战国时期各诸侯国文字的地域特色。我们将重点介绍一些著名的金文作品，如《毛公鼎》、《散氏盘》等，并通过解读其上的铭文内容，理解当时的历史事件、政治制度、社会生活。更重要的是，我们将去体悟金文所传达的“礼”与“敬”的精神。这种铭刻在器物上的文字，不仅仅是记录，更是权力、地位、祖先崇拜的象征，其厚重与大气，至今仍能让我们感受到古人的敬畏之心。我们将探讨金文在书写技法上的初步发展，如线条的力度、墨色的浓淡（虽然是铸刻，但其呈现出的视觉效果与墨迹有相通之处），以及其在结构上的和谐布局。 第三讲：隶变新生——从秦汉走向书法的黎明 中国书法史上最重要的转折点之一，便是“隶变”。从篆书的曲折盘绕，到隶书的平直方正，这一跨越不仅仅是字形上的改变，更是书写工具、书写速度、书写材料的革新所带来的必然结果。本讲我们将聚焦于秦汉时期，特别是汉代的隶书艺术。我们将详细解读隶书的形成原因，它如何从秦代的小篆演变而来，又如何在汉代发展成熟。我们将分析隶书的典型特征：笔画的蚕头燕尾、波磔，以及其“扁方”的字形结构。我们不再仅仅关注字体的“认读”功能，而是去欣赏隶书在视觉上的美感——那种刚柔并济、疏密得当、极具节奏感的线条。我们会介绍东汉碑刻中的隶书精品，如《曹全碑》、《乙瑛碑》、《礼器碑》等，并分析它们各自的艺术风格。例如，《曹全碑》的秀丽飘逸，《乙瑛碑》的端庄工整，《礼器碑》的古朴雄强。我们将探讨隶书如何摆脱了象形和图画的痕迹，走向更为抽象和符号化的书写，为后来的楷书、行书、草书奠定了基础。这一讲，我们将感受到一种从繁复到简练、从程式化到自由化的巨大飞跃，领略到书写解放的喜悦。 第四讲：楷书的典范——魏晋风骨与唐代气象 当文字的书写逐渐走向成熟，一种更为规范、更为便于学习和传播的字体应运而生，那就是楷书。楷书，又称真书、正书，以其端正、匀称、清晰的特点，成为中国书法的“正宗”。本讲我们将深入探究楷书的艺术发展，从魏晋时期继承隶书遗韵，逐渐形成端方之势的早期楷书，到唐代楷书集大成，达到艺术巅峰的辉煌时期。我们将重点介绍魏晋时期“二王”（王羲之、王献之）的书法艺术，虽然他们以行草闻名，但其楷书也为后世树立了榜样。然后，我们将聚焦于唐代，这个中国书法史上最为璀璨的时代。我们将分析“初唐四家”（欧阳询、虞世南、褚遂良、薛稷）的楷书特点，他们如何在继承前人的基础上，开创了各自的风格。欧阳询的严谨劲健，虞世南的温润典雅，褚遂良的丰腴秀美。接着，我们将深入探讨唐代楷书的集大成者——颜真卿和柳公权。颜真卿的《多宝塔碑》、《颜勤礼碑》所展现出的雄浑、宽博、气势磅礴的风格，以及柳公权《玄秘塔碑》、《神策军碑》中“骨力尽于笔画”的严谨与挺拔，都成为了后世学习的典范。我们将分析这些楷书名家的笔法、结构、章法，理解他们如何将方圆、刚柔、粗细、轻重等要素巧妙地融为一体，创造出既实用又极具艺术感染力的书法作品。 第五讲：行书的自由——笔随心动，意在笔先 如果说楷书是书法的“礼仪”，那么行书便是书法的“对话”。行书在楷书的基础上，更加自由、流畅，保留了部分楷书的特点，但又加入了草书的连笔和简化，使其既易于辨认，又富有艺术表现力。本讲我们将走进行书的世界，感受“笔随心动，意在笔先”的艺术魅力。我们将追溯行书的起源，从魏晋时期王羲之的《兰亭序》开始，这篇被誉为“天下第一行书”的作品，以其自然天成、变化无穷的笔法，以及所蕴含的率真情感，成为了行书的至高典范。我们将深入分析《兰亭序》的艺术价值，理解其结构上的疏密错落，笔画上的起伏转折，以及整篇作品所传递出的那种超然物外、悠然自得的意境。接着，我们将介绍唐代行书大家，如李邕的雄健奔放，苏轼、黄庭坚、米芾等宋代书家的行书风貌，他们如何在继承前人的基础上，注入了新的时代精神和个人特色。我们将探讨行书在书写过程中，如何体现书写者的情感、情绪和人格。一句简单的问候，一首抒情的诗，在行书的笔尖流淌，便有了生命，有了温度。 第六讲：草书的狂放——墨舞乾坤，挥洒淋漓 草书，是中国书法艺术中最具表现力、最能体现书写者个性和情感的字体。它突破了字形的束缚，以极度简化的笔画和连绵不断的线条，将书写者的情感、激情、甚至狂放不羁的性情，淋漓尽致地展现在纸上。本讲我们将走进草书的艺术世界，感受“墨舞乾坤，挥洒淋漓”的艺术张力。我们将从“章草”开始，了解这种介于隶书和今草之间的字体，它保留了隶书的特点，但笔画更加连贯。然后，我们将重点探讨“今草”，尤其是“大草”。我们将回顾汉末张芝的“今草”开创，以及唐代“草圣”张旭和“颠张狂素”的代表人物。张旭以其“旭草”的狂放不羁、连绵回绕，将草书的艺术表现力推向了极致。怀素的《自叙帖》，更是将草书的艺术推向了一个新的高度，其笔势纵横，线条飞动，充满了强大的生命力。我们将分析草书的笔法特征，如牵丝、带草、笔势的连贯性，以及其在结构上的高度自由化。同时，我们也会强调，草书并非“乱写”，而是在高度的技巧和情感的驱动下，达到一种“形散神不散”的艺术境界。这一讲，将带领读者体验一种超脱、自由、甚至近乎舞蹈般的书写过程。 第七讲：文人书法——笔墨之外的情感寄托 书法不仅仅是一种文字的书写，更是中国古代文人表达情感、寄托情怀的重要方式。在本讲中，我们将探讨“文人书法”的独特魅力。我们不再仅仅关注字体的外在形态，而是深入挖掘书法作品背后所蕴含的作者的情感、思想、人生经历。我们将回顾历代文人的创作，从他们的诗词、文章，到他们的书法作品，寻找它们之间的联系。例如，苏轼的“尚意”书风，他如何在书法中融入了他豁达、乐观、甚至带有一丝悲悯的人生观。黄庭坚的“沉着痛快”，如何体现了他作为一位正直文人的骨气和抱负。米芾的“风樯阵马”，又如何展现了他独特而洒脱的个性。我们将探讨文人书法所追求的“意境”，以及书法如何成为他们表达“道”与“德”的载体。我们将理解，为何文人能够将自己的学识、修养、品格，通过笔墨淋漓尽致地展现出来，让书法作品不仅仅是线条的组合，更是精神的载体。 第八讲：书法与绘画——形似神似，墨韵相生 中国传统艺术讲究“诗中有画，画中有诗”，书法与绘画之间也存在着密不可分的联系。本讲我们将探讨书法与绘画在艺术表现上的共通之处。我们将分析两者在用笔、用墨、构图、意境等方面的相似性。例如，书法中的“用笔”，与绘画中的“用笔”，都讲究线条的力度、粗细、变化；书法中的“用墨”，与绘画中的“用墨”，都追求墨色的浓淡干湿，以达到丰富的视觉效果。我们将探讨书法中的“结构”，与绘画中的“构图”，都讲究整体的和谐与平衡。更重要的是，我们将去理解书法与绘画在“意境”上的相通。一幅画所传达的意境，可以通过书法作品得以升华；而书法作品，也可以通过其笔墨的韵味，营造出引人入胜的画面感。我们将举例说明，如文征明、董其昌等书画大家的作品，理解他们如何将两种艺术形式融会贯通，达到高度的艺术成就。 第九讲：书法的美学——线条的舞蹈，墨色的沉思 在本讲中，我们将从美学的角度，深入剖析中国书法的艺术魅力。我们将不再仅仅停留在对字体、技法的层面，而是去理解书法作为一种视觉艺术，其独特的审美价值所在。我们将分析书法作品中的“线条美”，理解为何一根线条，可以在不同的书写者手中，展现出如此多样的生命力——有的遒劲有力，有的婉转流美，有的灵动飘逸。我们将探讨“墨色美”，理解墨的浓淡干湿变化，如何营造出丰富的层次感和空间感。我们将分析书法的“结构美”，理解汉字本身所具有的对称性、均衡性，以及书写者如何通过笔画的组合，创造出既稳定又富于变化的视觉效果。同时，我们也将探讨书法作品中的“节奏美”和“韵律美”，理解笔画之间的呼应、字的连接、章法的安排，如何形成一种动态的美感，如同音乐一般。我们将引用一些美学理论，来阐释书法艺术的独特之处，让读者能够从更深层次上，领略到中国书法的无穷魅力。 第十讲：传承与创新——笔墨的未来，时代的召唤 书法艺术，历经数千年的发展，已经形成了辉煌灿烂的传统。然而，时代在发展，社会在进步，书法艺术也面临着新的挑战和机遇。本讲我们将展望书法的未来，探讨“传承与创新”的议题。我们将回顾传统书法艺术的精华，强调继承优秀传统的重要性，理解为何要学习历代名家法帖。但同时，我们也需要认识到，书法艺术的发展，不能仅仅停留在对传统的模仿。我们将探讨如何在继承传统的基础上，进行创新。这种创新，并非是脱离传统，而是根植于传统，并融入当代的审美趣味和时代精神。我们将讨论当代书法家在探索新风格、新材料、新表现形式上的努力。我们将思考，在信息爆炸、生活节奏加快的当下，如何让书法艺术更好地融入现代生活，吸引更多的年轻一代。我们将强调，书法的生命力在于其不断的演进和发展，在于其能够与时俱进，并继续为中华民族的精神文明贡献力量。 《书法十讲》是一次对中国书法的全面而深刻的探索。它不仅仅是一本书，更是一扇窗，一扇通往中国传统文化深邃世界的窗。通过这本书，你将不仅仅学会欣赏书法，更能体悟到其中蕴含的哲学思想、人文精神和艺术之美。

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这本书的叙述风格极其平易近人，完全没有传统学术著作那种高高在上的距离感。我是一个对书法知之甚少的外行，原本还担心内容会晦涩难懂，充斥着大量只有专业人士才能理解的术语，但事实完全出乎我的意料。作者似乎深谙“大道至简”的道理，他总能用最通俗的比喻，将那些看似深奥的运笔原理和结构布局解释得清晰透彻。例如，书中讲解“提按顿挫”时，没有直接给出僵硬的定义，而是将其比喻为音乐的强弱变化，这立刻让我这个懂得一些音乐理论的人找到了切入点，明白了笔锋在纸上运行的力量感与节奏感。此外，书中对不同书体——篆、隶、楷、行、草——的介绍，更是做到了“只见树木，不见森林”的巧妙平衡。它没有试图一次性塞给我所有书体的知识点，而是像一位耐心的导师，一步步引导我领略每种书体的独特韵味和历史功能。这种循序渐进的教学方式，极大地降低了初学者的学习门槛，让我建立起了扎实的理论基础，敢于拿起笔进行尝试，而不再是望而却步。它真正做到了让普通人也能领略到书法艺术的魅力所在。

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我必须称赞这本书在视觉材料呈现上的用心。很多书法教程往往使用低质量的印刷品，导致墨迹的浓淡干湿、笔锋的锐利与圆融都无法清晰展现，这对于学习者来说是极大的困扰。然而，《书法十讲》在这方面做得堪称业界标杆。无论是对古代名帖的摹写示例，还是对当代优秀书法家作品的展示，其图像的清晰度和色彩的还原度都达到了惊人的水平。尤其是一些细节特写，比如中锋行笔时“屋漏痕”的质感，或者侧锋入纸时飞白产生的枯涩感，都通过高质量的图片得到了精准的再现。这种清晰的视觉反馈，对于习惯于“看图模仿”的学习者来说至关重要。它使得那些抽象的、难以言喻的书法感觉，通过图像的直观性得到了有力的支撑。我甚至可以对照书中的图片，体会到不同纸张与墨水组合可能带来的细微变化，这对于提升临帖的精准度有着不可替代的作用。可以说，这本书本身就是一部精美的艺术画册，体现了对书法艺术最基本的尊重。

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读完这本书，我最大的感受是它在“实践指导”与“审美提升”之间找到了一个近乎完美的平衡点。很多市面上的教程要么过于偏重技巧的分解，读起来像一本机械操作手册，让人感到乏味；要么就是空谈理论和意境，让人不知从何下手。而《书法十讲》则巧妙地将两者融合。在讲解了技法之后，作者会紧接着引导读者去思考，这种技巧在美学上意味着什么，它如何服务于整体的章法布局。更令人称道的是，书中对于“临摹”与“创作”的边界处理。它没有强迫读者盲目地去“复制”古人，而是鼓励在扎实的基础之上，融入个人的理解和时代的精神。作者提出的“从模仿到超越”的思路非常具有启发性，它教会我如何带着批判性思维去学习经典，而不是成为经典的奴隶。这种开放而又富有条理的指导，让我在尝试自己的作品时，内心充满了底气和方向感，不再是迷茫地在笔墨中摸索，而是有意识地进行着每一次落笔的尝试和表达。

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这次偶然的机会，我接触到了一本名为《书法十讲》的书籍，虽然书名直指书法艺术的精髓，但它所带给我的远不止是枯燥的技巧讲解。首先，这本书的装帧设计就非常吸引人，古朴典雅的封面，让人在拿起它的瞬间，便仿佛穿越回了那个笔墨生香的时代。内页的排版布局考究，字体的选择也与内容相得益彰，阅读起来是一种视觉上的享受。更让我惊喜的是，作者在叙述书法历史沿革时，并非简单的时间线罗列，而是融入了许多鲜活的人物故事和时代背景，让那些遥远的历史人物仿佛触手可及。比如，书中对魏晋风度与王羲之书法的关联分析，细腻入微，不仅展示了书法如何作为一种精神载体的存在，也让人思考艺术与个人气质的相互塑造。它不仅仅是一本教你如何写好字的“工具书”，更像是一本引导你进入中国传统文化深层精神世界的“钥匙”。这种由表及里的引导方式，极大地激发了我对中国传统艺术的探究欲望，我开始重新审视那些我曾认为高高在上的艺术品，尝试去理解其中蕴含的哲学意趣和生命律动。这本书的价值，在于它成功架起了现代人与古典艺术之间的一座坚实而又充满美感的桥梁，使学习书法不再是任务，而成为了一种探寻自我、对话古人的美妙旅程。

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作为一名热衷于研究中国传统文化符号的爱好者，我尤其欣赏这本书在文化背景挖掘上的深度和广度。许多书法书籍往往将重点放在了技法演示上，而这本书的亮点恰恰在于它将书法视为一种“文化行为”来阐释。作者花了相当大的篇幅来讨论古代文人阶层对于“书写”本身的社会意义和审美标准。这不仅仅是关于写得好不好看的问题，更是关于一个人如何通过笔墨展现其道德修养、学识水平乃至政治抱负的体现。书中引用的不少古代士大夫的书信、碑刻文字背后的故事，都让我对“信手拈来皆成文章”有了更深刻的理解。例如，关于颜真卿的楷书如何体现其忠义之气，书中分析得入木三分，让我明白为何他的字能流传千古，成为后人景仰的典范。这种将书法置于更宏大历史叙事中的做法，使得阅读过程充满了智性上的愉悦。它不再是孤立的技能训练，而是与中国哲学、历史变迁、士人精神紧密相连的一个有机整体，极大地丰富了我的知识结构。

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白焦先生的思想把一些基本问题解释得很清楚且有说服力，是学习借鉴的好书。

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