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出版者:南京大学出版社

作者:汪以平

出品人:

页数:241

译者:

出版时间:2006-7

价格:24.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787305047015

丛书系列:

图书标签:

• 舞蹈类
• 舞蹈学
• 舞蹈史
• 舞蹈理论
• 舞蹈文化
• 艺术概论
• 表演艺术
• 舞蹈教育
• 舞台艺术
• 艺术普及
• 舞蹈欣赏

《舞蹈艺术通论》 《舞蹈艺术通论》是一部旨在全面、深入地剖析舞蹈艺术的起源、发展、表现形式、美学特征及其社会文化意义的学术著作。本书跳脱出单纯的技巧教学或流派介绍，着力于构建一个宏观而细致的舞蹈艺术知识体系，为读者提供一个理解和欣赏舞蹈的全新视角。 第一部分：舞蹈的源起与演化 本书伊始，将追溯舞蹈最古老、最本源的脉络。我们将深入探索人类早期社会中舞蹈的雏形，从远古的仪式性舞蹈、劳动歌舞，到部落的祭祀、庆典活动，分析舞蹈如何作为一种原始的沟通方式、情感宣泄以及社群凝聚的手段出现。我们会探讨其与宗教、神话、自然崇拜之间的紧密联系，以及这些早期舞蹈形态如何为后世舞蹈艺术的发展奠定基石。 接着，我们将考察不同地域、不同文明中舞蹈的独特演变路径。从古埃及的宗教舞蹈，古希腊的神话与戏剧舞蹈，古罗马的宫廷与民间舞蹈，到印度古代的宗教仪式舞蹈、中国古代的宫廷燕乐舞蹈和民间舞蹈，以及其他地域的原始部落舞蹈，本书将逐一梳理它们各自的社会文化背景、宗教信仰、哲学思想对其舞蹈艺术形态的影响。例如，古希腊舞蹈中蕴含的对人体之美和理性精神的追求，与中国古代舞蹈中强调的“礼”与“和”，以及印度舞蹈中复杂的手势和面部表情所传达的深层精神意涵，都将得到细致的解读。 历史的长河中，舞蹈艺术并非孤立存在，而是与音乐、戏剧、绘画、雕塑等其他艺术形式相互辉映，彼此渗透。本书将重点阐述舞蹈艺术在不同历史时期如何与其他艺术门类融合，例如，在中世纪欧洲，舞蹈与宗教音乐和仪式剧的结合；在文艺复兴时期，舞蹈作为宫廷娱乐的重要组成部分，如何与戏剧和音乐紧密协作，催生了芭蕾的早期形态；在近现代，舞蹈如何从传统的束缚中解放出来，与现代音乐、现代戏剧、甚至电影等新兴艺术形式产生碰撞与融合，催生出当代舞蹈的多元面貌。 第二部分：舞蹈的表现语言与美学维度 理解舞蹈艺术，离不开对其核心表现手段的深入剖析。本书将细致解读身体作为舞蹈最根本的表达工具，如何通过姿态、线条、力量、速度、空间、节奏等元素，构成舞蹈的丰富语汇。我们将探讨身体各个部位（头部、颈部、肩部、手臂、躯干、腿部、足部）的运动可能性，以及它们如何通过组合与变化，传递细腻的情感、叙述故事、展现抽象概念。 空间是舞蹈艺术赖以生存的舞台。本书将分析舞蹈如何利用舞台空间，包括三度空间的运用（纵深、横向、上下）、舞台区域的划分、与观众空间的互动等，来构建舞蹈的视觉场域。我们将探讨不同风格的舞蹈如何利用空间，例如，古典芭蕾对精准、对称的空间布局的强调，现代舞对自由、非线性空间探索的偏爱，以及民族民间舞蹈中与特定场地（如广场、田野）相结合的空间运用。 节奏是舞蹈的生命线。本书将解析音乐节奏、身体节奏、情绪节奏等不同层面的节奏如何在舞蹈中 interplay，如何通过快慢、强弱、长短、停顿等变化，赋予舞蹈以动感、活力、韵律和情感张力。我们将分析不同音乐风格对舞蹈节奏的影响，以及舞蹈本体如何创造出独特的节奏感。 此外，本书还将深入研究舞蹈的美学特征。我们将探讨舞蹈的动态美、形式美、情感美、意境美等多个维度。例如，古典芭蕾的优雅、轻盈、精准所展现的纯粹形式美；现代舞对人体极限的挑战、对内心冲突的呐喊所带来的强烈情感冲击；中国古典舞中的“形神兼备”、“以形写神”所追求的意境之美；以及各国民族舞蹈中独具特色的地域风情和生命力之美。本书将通过大量经典案例，引导读者感受和理解这些丰富多彩的舞蹈美学。 第三部分：舞蹈的分类与流派 舞蹈艺术门类繁多，风格各异。本书将系统梳理舞蹈艺术的多元化格局，对其进行科学的分类。我们将从不同的视角出发，例如： 按地域文化划分： 欧洲芭蕾、中国古典舞、印度古典舞、非洲部落舞、拉丁美洲舞蹈、美国现代舞等，重点分析各地域舞蹈的文化根源、审美特征和代表性形式。 按表现形式划分： 叙事性舞蹈、抽象性舞蹈、独舞、双人舞、三人舞、群舞、即兴舞蹈等，探讨不同形式的舞蹈在叙事、抒情、表现抽象概念等方面的差异与联系。 按历史发展阶段划分： 古典舞蹈、近现代舞蹈、当代舞蹈，分析不同历史时期舞蹈艺术的演进趋势和美学观念的变化。 在对舞蹈进行分类的同时，本书将重点梳理和介绍一些具有代表性的舞蹈流派及其代表人物。例如： 古典芭蕾： 从其起源、发展，到浪漫芭蕾、古典芭蕾、新古典芭蕾的演进，介绍其严格的技巧体系、优美的舞姿和对音乐的精妙诠释。 现代舞： 追溯其作为对古典芭蕾的反叛和革新，介绍伊莎多拉·邓肯、玛莎·葛兰姆、莱蒙·福金等先驱的贡献，分析其对内心情感、自由表达和多元肢体运动的探索。 当代舞： 探讨其在后现代主义思潮影响下的发展，强调观念性、跨界性、对身体的深入挖掘以及与各种艺术形式的融合。 中国古典舞： 探究其深厚的文化底蕴，分析其“身韵”、“身法”等独特表现手法，以及其与戏曲、武术等艺术的渊源。 民族民间舞蹈： 展现世界各地丰富多彩的民族民间舞蹈，分析其与民族习俗、宗教信仰、生活方式的紧密联系，以及其所体现的地域文化特色和生命力。 第四部分：舞蹈的社会功能与未来展望 舞蹈艺术并非仅仅是静态的审美对象，它在社会生活中扮演着重要的角色。本书将深入探讨舞蹈的社会功能，包括： 文化传承与认同： 舞蹈作为一种重要的文化载体，如何承载和传递民族的历史记忆、价值观念和文化认同。 教育与身心发展： 舞蹈在教育中的作用，如何促进青少年的身体协调性、节奏感、创造力以及团队合作精神的发展。 社会交往与情感表达： 舞蹈作为一种普遍的社会活动，如何成为人们情感交流、社交互动的重要方式。 治疗与康复： 舞蹈疗法在心理健康、肢体康复等方面的应用，以及其独特的疗愈力量。 艺术的启蒙与社会批判： 舞蹈艺术如何通过其表现力，启迪人们的审美情趣，反思社会现实，甚至成为一种社会批判的力量。 最后，本书将着眼于舞蹈艺术的未来发展。在科技飞速发展的今天，数字技术、虚拟现实等新的媒介和表现形式正在深刻影响着舞蹈的创作和传播。我们将探讨这些新技术对舞蹈艺术的潜在影响，以及未来舞蹈可能呈现出的新形态。同时，也将思考在全球化背景下，不同文化背景的舞蹈如何相互借鉴、融合，以及如何更好地回应时代的发展和人类的精神需求。 《舞蹈艺术通论》致力于成为一本集学术性、系统性、趣味性于一体的舞蹈艺术入门与进阶读物。无论您是舞蹈爱好者、学生、研究者，还是希望对这一古老而充满活力的艺术形式有更深入了解的读者，本书都将为您提供一场丰富而深刻的舞蹈艺术探索之旅。

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这本书的结构编排非常巧妙，它不像一本严肃的学术专著那样教条刻板，反而充满了探索的乐趣。作者在穿插复杂的理论分析的同时，总能适时地插入一些极具画面感的案例分析，让你在理论的迷宫中不至于迷失方向。我尤其欣赏它对“非传统媒介”的探讨，比如作者花了很大篇幅去讨论数字技术如何重塑当代舞蹈的表达边界，以及虚拟现实技术对“空间感”这一核心要素带来的颠覆。这种对未来的展望，使得整本书读起来毫不陈旧，反而充满了前瞻性。阅读过程中，我常常需要停下来，闭上眼睛，在脑海中努力地去“复现”作者描述的那些场景，那种调动视觉、听觉和本体感受力的阅读过程，本身就是一种沉浸式的体验。这本书的价值在于，它成功地架起了一座桥梁，连接了那些只在舞台上闪光的美好瞬间，与支撑这些瞬间的深厚智识基础，让任何一个热爱或好奇舞蹈的人，都能从中汲取到源源不断的养分。

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初读这本书，我最大的感受是它的“史诗感”。它不仅仅是一本舞蹈的教科书，更像是一部浓缩了人类文明进程的编年史，只不过载体是人的肢体。我记得有一章专门讲到了十九世纪末期，社会变革对舞蹈形态的冲击，那种从僵硬的宫廷礼仪中挣脱出来，追求自由和个体解放的冲动，在作者的笔下被描绘得淋漓尽致。他没有用干巴巴的年代划分，而是通过几个关键舞者的生平轶事和他们首演时的观众反应，来构建那个时代的氛围。我仿佛能闻到剧院里老旧天鹅绒座位的气味，听到观众席上传来的惊呼和赞叹。尤其是在论述“舞蹈的媒介性”时，作者提出的观点非常尖锐——舞蹈是如何超越语言，直接作用于观看者的情感共鸣系统。这让我想起自己有一次在剧场里，看到一段极具爆发力的群舞，那一刻我甚至忘记了思考，只是纯粹地被那种力量牵引着。这本书让我对艺术的理解，从“看热闹”提升到了“读懂门道”的层次。

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这本书的封面设计得很有新意，那种抽象的、流动的线条，一下子就把我带入了一种对身体表达的遐想之中。我原本对舞蹈的了解仅停留在舞台上那些华丽的服装和整齐的动作，但翻开这本书才发现，舞蹈的世界远比我想象的要深邃和广阔。作者没有一上来就堆砌晦涩的术语，而是用一种非常亲切的笔触，讲述了舞蹈起源于人类最原始的情感宣泄，从部落祭祀的集体律动，到古典芭蕾的精雕细琢，再到现代舞对自我内心探索的挣扎与呐喊，每一步都像在揭示一种文化的基因。特别是其中关于“身体语言的语法”的探讨，让我意识到，我们习以为常的站立、行走，在专业舞者那里都变成了充满意义的符号。我特别喜欢作者对不同地域舞蹈风格的对比分析，比如东方舞蹈的内敛含蓄与西方舞蹈的热烈奔放之间的张力，那种文字间的碰撞，如同我眼前正在上演一场无声的对话，让人忍不住想放下书本，去亲身感受那种韵律的起伏。

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这本书的阅读体验是极其颠覆性的，尤其体现在它对“动作哲学”的阐释上。以往我总觉得舞蹈是感性的、随机的，但这本书提供了一个非常严谨的分析框架，让我开始用理性的视角去解构那些看似天马行空的动作。作者对重心、空间、时间和力量这四个基本要素的拆解和重组，简直像是在教授一门新的物理学。例如，书中对“悬浮感”的描述，不仅仅是技术层面的技巧展示，更是对地心引力的一种形而上的反抗和致敬。我印象最深的是关于“瞬间的永恒性”的讨论，舞蹈的生命只有在发生的那一刻存在，录像和文字都只是它的影子。这种对“当下性”的强调，促使我开始重新审视自己日常生活的节奏。这本书的文字有一种非常独特的节奏感，读起来时而舒缓，时而急促，似乎作者在不知不觉中，已经将舞蹈的韵律融入了句子的长短和停顿之中，这本身就是一种高超的叙事技巧。

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让我惊喜的是，这本书的视角非常开阔，它没有将舞蹈局限在剧场之内，而是深入探讨了它与社会生活、心理学乃至政治的交叉点。作者在分析某些特定历史时期的舞蹈作品时，那种对时代背景的洞察力令人叹服。比如，他如何将某种现代舞流派视为对工业化社会异化现象的无声抗议，这种跨学科的解读，极大地拓宽了我对艺术功能性的认知。我以前总觉得艺术是锦上添花，但这本书让我看到了艺术作为一种社会诊断工具的潜力。更具体地说，书中对“身体意象的构建”这一部分的论述非常深刻，它探讨了不同文化如何通过舞蹈来定义“理想的身体”，以及这种定义对个体自我认知的影响。读完这一章，我感觉自己像是进行了一次深入的心理咨询，许多关于“如何看待自己的身体”的困惑，似乎都有了新的解释角度，这已经超出了传统艺术鉴赏的范畴，更像是一部关于人类自我认知的探索手册。

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