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出版者:第1版 (2005年8月1日)

作者:刘宣

出品人:

页数:143 页

译者:

出版时间:2005-9

价格:27.00元

装帧:平装

isbn号码:9787531432838

丛书系列:

图书标签:

• 素描
• 绘画
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素描基础与进阶：从线条到光影的视觉艺术之旅 这是一本关于素描艺术的详尽指南，旨在带领读者从零基础开始，逐步掌握素描的基本技巧，并深入探索更高级的表现手法。本书内容涵盖了素描的方方面面，力求为学习者构建一个扎实、全面的知识体系，让他们能够自信地拿起画笔，描绘出心中的世界。 第一部分：素描的基石——认识与准备 在正式踏上绘画之旅前，了解素描的本质及其所需的基本工具是至关重要的。本部分将详细阐述： 素描的定义与价值： 我们将深入探讨素描作为造型艺术最基础、最重要的形式，是如何锻炼观察力、培养造型能力、激发创作灵感的。素描不仅仅是学习绘画的起点，更是理解视觉语言、表达情感与思想的直接途径。它教会我们如何“看见”，而不仅仅是“观看”。 必备的绘画工具： 铅笔： 详细介绍不同硬度的铅笔（H系列、HB、B系列）的特点及用途。我们将区分H笔的硬直线条与B笔的柔和、浓重，指导读者如何根据描绘对象和想要达到的效果选择合适的铅笔。从2H到8B，每一种硬度都有其独特的表现力。 画纸： 推荐不同纹理和厚度的素描纸，解释纸张的粗糙度（纹理）如何影响笔触的质感，以及纸张厚度对于耐擦拭性和画面持久性的影响。我们将介绍适合练习的普通素描纸，以及更专业、更具表现力的特种纸。 橡皮： 介绍可塑橡皮（软橡皮）和硬橡皮的区别与用法。可塑橡皮的“揉捏”特性可以实现微妙的提亮和灰度调整，而硬橡皮则适合擦除大面积的错误或制造锐利的亮部。 其他辅助工具： 介绍削笔刀、笔擦、纸笔（或叫擦笔）、画板、固定用胶带等工具，并说明它们在绘画过程中的具体作用，如何让绘画过程更流畅、更专业。 正确的握笔姿势与运笔方法： 详细演示多种握笔姿势，如手指握笔法、手腕握笔法、手臂握笔法，并解释它们在绘制不同长度、不同方向线条时的优势。我们将强调运笔的流畅性、力度控制以及线条的节奏感，为绘制富有表现力的线条打下基础。 基础的线条练习： 通过一系列循序渐进的线条练习，让读者熟悉如何控制笔的力度、速度和角度，从而绘制出长度、粗细、虚实、疏密各异的线条。例如，横线、竖线、斜线、曲线、排线、交叉排线等，这些看似简单的练习，却是构建画面形体、空间与质感的根基。 第二部分：形体塑造——点、线、面的构建 本部分将深入探讨素描的核心——如何通过点、线、面来准确地捕捉和表现物体的形态。 点的运用： 介绍点在画面中的作用，如作为起始点、连接点，或通过密集的点构成纹理和色调。 线的力量： 轮廓线： 如何准确捕捉物体的外形轮廓，用简洁有力的线条勾勒出事物的基本形态。 结构线： 绘制物体的内部结构和转折线，揭示形体的内在逻辑。 装饰线与辅助线： 在适当的时候运用线条来表现细节、材质或增加画面的装饰性。 线条的质感： 通过改变线条的粗细、虚实、轻重来表现不同的材质感，如金属的锐利、布料的柔软、木材的粗糙。 面的构成与空间表现： 基本形体： 详细讲解如何绘制和理解最基本的几何形体：立方体、球体、圆柱体、圆锥体。这些基本形体是构成复杂物体的基础。 形体的组合与切割： 学习如何将基本形体进行组合、叠加、切割，从而构建出更复杂的物体形态。 透视原理： 引入一点透视、两点透视、三点透视的基本概念，讲解视平线、消失点、汇聚线如何影响物体在画面中的形状和空间关系。通过大量的透视练习，让读者能够准确地绘制出具有空间感的形体。 形体的体积感： 讲解如何通过观察形体的转折和受光面与背光面来感知其体积，为后续的光影练习做好铺垫。 第三部分：光影的魔法——赋予生命力的表现 光影是素描中赋予形体生命力的关键。本部分将带领读者领略光影的魅力。 光的基本原理： 讲解光源的类型（自然光、人造光）、方向、强度对物体受光面的影响，以及如何观察和区分亮部、暗部、反光、投影。 灰度的运用： 明暗交界线： 重点讲解明暗交界线的准确位置和表现方式，它是区分亮部和暗部的关键。 受光面与背光面的塑造： 如何通过不同的笔触和灰度来表现受光面的明亮与背光面的深沉。 反光的表现： 强调反光的重要性，它能使暗部不至于死黑，增加形体的层次感和真实感。 投影的绘制： 讲解投影的形状、大小、虚实与光源、物体以及地面之间的关系，投影是空间感的重要体现。 塑造体积感的笔触： 介绍各种不同方向、不同力度、不同疏密度的笔触如何配合形体结构来表现体积。例如，顺着形体转折的排线、轻柔的揉擦、叠加的刻画等。 黑、白、灰的关系： 讲解画面整体的黑、白、灰关系，如何通过合理安排明暗对比来突出主体，引导视线，增强画面的视觉冲击力。 第四部分：材质的描绘——让画面“触手可及” 不同的材质具有不同的表面特性，如何在素描中准确地表现这些特性，是提升画面表现力的重要环节。 光滑材质（如玻璃、金属）： 重点讲解高光、反光、清晰的轮廓线以及光滑表面的笔触处理。 粗糙材质（如石头、木头、布料）： 演示如何通过点、线、面的结合，以及丰富的笔触来表现粗糙、纹理和质感。 柔软材质（如毛发、棉花）： 教授如何通过细碎、柔软的线条和虚实的对比来表现轻盈、蓬松的质感。 透明材质（如水、玻璃）： 讲解如何通过光线的穿透、折射以及背景的虚化来表现透明感。 综合材质的表现： 学习如何将不同材质的特点融合在一个物体或画面中，展现其丰富性。 第五部分：构图与创作——从观察到表现 掌握了基础的形体和光影技巧后，如何将它们巧妙地组合在一起，形成一幅引人入胜的画面，是学习者下一步要解决的问题。 构图的基本原则： 平衡与对称： 讲解画面稳定与动感的平衡。 黄金分割与三分法： 介绍经典的构图法则，如何安排画面主体的位置，增强视觉引导。 视线引导： 如何利用线条、明暗对比、形体大小等元素引导观者的视线。 虚实对比与疏密对比： 如何通过对比关系来增强画面的层次感和吸引力。 静物写生： 选材与摆放： 指导如何选择具有表现力的静物，以及如何进行有意义的摆放，营造画面的氛围。 观察方法： 强调整体观察与局部深入相结合的观察方法，从整体到局部，从局部到整体的反复推敲。 写生步骤： 详细分解静物写生的具体步骤，从构图、铺设大关系，到深入刻画，再到整体调整。 风景素描： 自然元素的处理： 如何表现天空、云、山、水、树木等自然景物的特点。 空间感的营造： 如何利用透视、远近景物的虚实对比来表现画面的纵深感。 光影的捕捉： 学习在不同天气、不同时间下的光影表现。 人物素描基础： 头骨与肌肉结构： 介绍人脸的基本骨骼结构和主要肌肉群，为人物造型打下基础。 五官的比例与绘制： 详细讲解眼睛、鼻子、嘴巴、耳朵等五官的准确比例和画法。 脸部表情的表现： 探讨如何通过线条和明暗的变化来刻画不同的面部表情。 人物的动态与姿态： 学习如何用简洁的线条捕捉人物的身体动态和姿态。 创作思维与灵感： 鼓励读者将素描技巧运用到自由创作中，从生活、自然、想象中汲取灵感，形成自己独特的艺术语言。 本书特色： 循序渐进的教学体系： 内容从易到难，层层递进，即使是零基础的学习者也能轻松上手。 丰富的案例与图示： 大量精美的示范作品和详细的步骤图，帮助读者直观地理解和模仿。 注重实践与应用： 鼓励读者多动手练习，并将所学知识运用到实际创作中。 强调观察力与感受力： 不仅教授技法，更引导读者培养敏锐的观察力和独立的艺术感受力。 无论您是初次拿起画笔的艺术爱好者，还是希望系统提升素描技艺的绘画者，本书都将是您不可或缺的良师益友。跟随本书的指引，您将开启一段充满发现与创造的视觉艺术之旅，用线条与光影，描绘出您心中独一无二的世界。

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这本《素描教学》简直是我的启蒙之光！我以前对绘画一直抱着一种敬而远之的态度，总觉得线条、明暗这些东西太玄乎，不是人人都能掌握的。直到我翻开这本书，那种感觉就像是突然找到了通往艺术殿堂的捷径。作者的讲解方式非常直观，完全没有那种高高在上的理论说教。他用最朴素的语言，一步步拆解了素描的本质。比如，在讲解如何观察物体结构时，他没有直接抛出一堆几何图形的名称，而是引导你去体会光线在物体表面是如何“舞蹈”的，如何形成微妙的阴影和高光。我记得有一章专门讲透视，我过去总是在这个问题上栽跟头，感觉那些消失点和视平线让人头疼。但这本书里，作者用了生活中的例子，比如想象你在火车轨道边，轨道是如何汇聚的，这种场景化的描述一下子就打通了我思维的壁ட்ட。而且，书里的插图质量极高，不是那种死板的范画，而是充满了生命力，能让人感受到作者在作画时那种沉浸的愉悦。跟着书里的练习步骤走下来，我竟然能画出有立体感的苹果和简单的静物组合，这对我来说已经是巨大的进步了。我强烈推荐给所有对绘画入门感到迷茫的朋友，它会让你发现，原来艺术并没有那么遥不可及，它就在你的笔尖下。

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如果用一个词来形容这本《素描教学》，那就是“精准”。我过去画的人体写生总是显得僵硬，缺乏内在的“骨骼感”。这本书在讲解人体动态素描的章节，简直是我的“解剖学入门导师”。它没有直接跳入复杂的肌肉结构，而是从最基础的“骨架线”和“体块推移”入手，教你如何用最少的线条抓住人物动态的核心力量。作者对“动态线”的捕捉技巧描述得非常到位，他强调了速度和概括性的重要性，而不是一味追求细节的准确。我尤其欣赏其中关于“空间关系”的处理，书中通过多角度的透明体块演示，让我清晰地理解了透视如何影响到处于不同深度的身体部位。这让我在画群像或者复杂场景时，不再感到混乱。这本书的价值远超一本简单的教学手册，它更像是一本关于“如何观察三维世界并将其转化为二维平面”的思维导图。它教会我的不仅仅是画画的技巧，更是一种系统的、结构化的视觉分析方法。对于希望在短时间内突破瓶颈、掌握素描核心逻辑的学习者来说，这本书是不可多得的宝藏。

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我购买这本书的时候，其实是抱着试一试的心态，因为市面上关于素描的书籍多如牛毛，很多都是图多字少，或者理论堆砌，让人看了不知所云。但《素描教学》给我的惊喜是它的“实战性”和“哲学深度”的完美结合。它不仅仅告诉你“怎么画”，更深层次地探讨了“为什么要这样画”。作者在谈及排线和明暗关系时，花了大篇幅去讨论如何用笔触来表达物体的“质感”，是光滑的金属，还是粗糙的木头，这完全是通过不同的线条疏密和压力来体现的。这让我从一个单纯的“描摹者”转变为一个有意识的“创作者”。书中关于石膏像的解析部分尤其精彩，它把复杂的人体结构简化成了易于理解的块面，帮助我快速掌握了头部结构的基础。更值得称赞的是，这本书的装帧和用纸都非常考究，即便是反复翻阅和在旁边做笔记，书本的耐用性也很好，这一点对于经常需要对照练习的初学者来说，非常重要。读完这本书，我感觉我的“眼睛”被重新校准了，我开始真正地“看”世界了，而不是仅仅“扫视”世界。

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坦白说，作为一名已经学了几年素描的爱好者，我原本觉得这本新出的《素描教学》可能对我来说有点基础了。我更倾向于寻找那些关于高级人体动态或复杂光影处理的专业书籍。然而，事实证明我的判断失误了。这本书的独特之处在于它对“观察习惯”的培养，这一点是很多进阶教材所忽略的。作者花了不少笔墨去探讨如何打破“符号化”的绘画习惯，比如我们常画的“月牙形嘴巴”和“三角形鼻子”。书中通过一系列的形体解构练习，强迫你回到最原始的几何体观察，这对于纠正多年形成的绘画“陋习”极其有效。我尝试用书里推荐的“结构擦拭法”来处理阴影过渡，发现原本生硬的明暗交界线变得柔和而自然，极大地提升了我作品的整体感。这本书的语言风格成熟而不失活力，它没有用那种故作深奥的术语来炫技，而是用清晰、精准的词汇直击问题的核心。对于我这种希望进一步精炼技法、达到更纯粹表现力的人来说，这本书提供了宝贵的“返璞归真”的指导。

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我是一名退休教师，出于对艺术的热爱开始重新学习绘画，我买过好几本不同作者的素描教程，很多都因为篇幅太长或内容过于学术化，让我望而却步。这本《素描教学》可以说是为像我这样“零基础、但时间有限”的成年学习者量身定做的。它最大的优点在于其极高的学习效率和清晰的模块划分。每一课的长度都非常适中，我通常可以在半小时内完整地学习一个知识点，然后立即进行对应的练习。书中对工具的介绍也十分实用，它明确指出了不同硬度铅笔（如2B、4B、6B）在不同情境下的作用，避免了初学者一味地购买昂贵的专业工具而不知如何使用。最让我感到贴心的是，它在讲解“构图”时，引入了“视觉平衡”的心理学概念，让我理解了为什么有些画面看起来舒服，有些则让人觉得别扭。这让我不再是机械地摆放物体，而是开始思考如何通过布局来引导观者的目光。这本书的节奏把握得恰到好处，既不会因为太简单而浪费时间，也不会因为太难而打击学习的热情，是一种恰到好处的“温和引导”。

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