和声与电脑自动伴奏 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:科学出版社发行部

作者:张弛

出品人:

页数:351

译者:

出版时间:2006-5

价格:32.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787030168573

丛书系列:

图书标签:

• 主题./.音乐
• 重要度./.未归类
• 紧急度./.未归类
• 和声学
• 电脑伴奏
• 音乐制作
• 音乐理论
• 和声编配
• 自动伴奏系统
• 流行音乐
• 音乐教学
• 作曲
• 编曲

《旋律的织锦：从巴洛克到爵士的和声语言》 本书并非一本关于数字音乐制作或计算机生成伴奏的教程，而是深入探索音乐核心——和声语言的演变与发展。我们将一同踏上一段跨越数个世纪的音乐之旅，解构那些构成我们耳熟能详的旋律的底层结构，领略和声如何成为情感表达的强大工具，以及不同音乐风格中和声的独特魅力。 第一章：和声的起源与古典主义的基石 本章将追溯和声的早期萌芽，从单音音乐时代向复音音乐过渡的漫长过程。我们将重点考察格里高利圣咏及其对和声的初步影响，并详细阐述中世纪复调音乐的早期发展，如奥尔加农与克劳苏拉。 随后，我们将聚焦于文艺复兴时期，理解其对位技法的成熟如何为功能和声的出现奠定基础。美声唱法的发展，以及作曲家们对音响效果的探索，都将是我们解读这一时期和声语言演变的切入点。 古典主义时期是功能和声体系确立的关键节点。我们将深入分析三和弦与七和弦的构建，理解正三和弦（主、属、下属）的功能性及其在乐句中的运动规律。巴洛克时期，如巴赫和亨德尔的作品，将是分析调性发展、终止式多样性以及和弦进行逻辑的绝佳范例。我们将探讨为何某些和弦进行听起来“自然”，而另一些则充满戏剧性。同时，我们会触及巴洛克时期盛行的通奏低音，理解其作为和声骨架的地位。 第二章：浪漫主义的色彩与和声的扩张 进入浪漫主义时期，作曲家们开始突破古典主义的束缚，寻求更丰富的情感表达。本章将详细分析和声在这一时期的扩张与深化。我们会探讨色彩和弦（如减七和弦、增三和弦）如何被广泛运用，以及它们如何创造出强烈的色彩感和不稳定性。 离调与转调将是本章的重要内容。我们将分析莫扎特、贝多芬等作曲家在古典时期已显露的转调倾向，以及肖邦、李斯特、瓦格纳等浪漫主义巨匠如何运用更复杂、更出人意料的转调手法来增强音乐的表现力。我们会详细讲解如何识别和理解这些转调，以及它们在情感叙事中的作用。 此外，我们还将审视浪漫主义时期和声的“不和谐”运用。作曲家们开始模糊调性中心，运用更复杂的插入和弦、挂留和弦，以及不协和音程的解决方式。我们将通过分析德彪西、斯克里亚宾等作曲家的作品，来理解这些“模糊”的和声如何营造出梦幻、神秘或极度紧张的氛围。 第三章：20世纪的探索与和声的多元化 20世纪是音乐史上的一个巨大变革时期，和声语言也经历了前所未有的实验与革新。本章将带领读者领略这一时期的多元和声图景。 我们将从印象主义音乐开始，分析德彪西等作曲家如何运用五声音阶、全音阶以及模进化的和弦来营造朦胧、飘渺的音响效果。这些和声手法旨在描绘色彩和氛围，而非传统的调性功能。 接着，我们将深入探讨无调性音乐的兴起。阿诺德·勋伯格及其十二音体系将是本章的重点。我们将解释十二音作曲法如何试图打破传统调性的束缚，通过音高排列来构建音乐。虽然这是一种高度理论化的体系，但其对和声的冲击是深远的。 与此同时，我们将审视新古典主义音乐中对早期和声风格的回溯与创新。斯特拉文斯基等作曲家如何在借鉴古典和声的同时，融入现代的节奏与音响特点。 本章还将触及一些其他重要的和声发展，例如： 复调音乐的现代演变： 肖斯塔科维奇等作曲家如何在复杂的复调织体中运用传统与现代的和声。 民族乐派的和声特色： 如巴托克、格里格等作曲家如何将民族音乐的元素融入和声创作。 爵士和声的萌芽： 虽然爵士乐是一个独立且庞大的分支，但其早期的和声语言，如布鲁斯音阶的应用，已经开始对传统和声产生影响。我们会在后续章节更深入地探讨爵士和声。 第四章：爵士和声的独特魅力与现代应用 爵士乐的和声系统是西方音乐史上一朵瑰丽的奇葩，其复杂性与表现力令人着迷。本章将专注于爵士和声的独特之处。 我们将从爵士乐的核心概念——“和弦扩展”（Chord Extensions）开始。我们将详细讲解九和弦、十一和弦、十三和弦是如何在三和弦的基础上构建的，以及这些扩展音如何为和声增添丰富的色彩和爵士特有的“味道”。 “色彩和弦”（Altered Chords）将是本章的另一个重点。我们将分析升降五音、升降九音等如何被运用，创造出更具张力和个性的和声进行。例如，属七和弦的属功能如何通过改变其内部音来实现更强大的导向性。 “替换属和弦”（Tritone Substitution）是爵士和声中一个极其重要的概念，我们将详细解释其原理与实际运用，理解为何一个和弦可以用另一个听起来截然不同但功能上却相似的和弦来替代。 “调式爵士”（Modal Jazz）将是本章的另一个重要主题。我们将探讨这种风格如何摆脱传统的调性进行，转而以调式为基础进行即兴创作，以及由此产生的和声特点。 最后，本章还将简要探讨爵士和声在现代流行音乐中的影响，以及一些基本爵士和弦进行在流行歌曲中的常见应用。 第五章：和声分析的实践方法与聆听技巧 本书并非仅提供理论知识，更强调实践。本章将为您提供一套系统性的和声分析方法。 我们将讲解如何进行“功能分析”，识别和弦的三度结构，判断其在调性中的功能（主、属、下属等）。同时，我们将学习如何进行“转位分析”，理解低音位置对和声色彩的影响。 “和弦进行分析”是关键。我们将学习如何识别常见的和弦进行模式，如“二-五-一”、“四-三-六-二-五-一”等，并理解这些进行背后的逻辑。 “非和弦音”的分析也将被纳入考量，包括挂留音、经过音、辅助音等，理解它们如何丰富和声织体。 此外，本章将重点培养读者的“聆听技巧”。我们将指导您如何通过耳朵来分辨不同的和弦类型、调性变化以及和声的色彩。我们会提供一些练习，帮助您将理论知识与实际听觉体验相结合，真正做到“听懂”音乐的和声语言。 结语 《旋律的织锦》旨在为您揭示音乐的骨骼与灵魂——和声。通过对不同时期、不同风格和声语言的深入剖析，我们希望能激发您对音乐更深层次的理解与欣赏。无论您是音乐爱好者，还是初学者，本书都希望能成为您探索音乐奥秘的一把钥匙，让您在未来的音乐体验中，更能感受到旋律之下那丰富而动人的和声世界。

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这本书简直是为我量身定制的！我一直对音乐理论和现代科技的结合抱有浓厚的兴趣，这本书的出现简直是解开了我多年的疑惑。作者在讲解复杂的音乐概念时，运用了大量生动的比喻和深入浅出的分析，让我这个科班出身但对编曲实践不太熟悉的人，也能轻松理解那些晦涩的“和声进行”和“配器法”。尤其是书中关于如何利用软件模拟真实乐器的演奏质感那几个章节，简直是打开了新世界的大门。我以前总觉得电脑生成的伴奏听起来机械、缺乏情感，但读了这本书后，我才明白症结出在哪里——在于对音色细微处理和对节奏律动的精确把控。作者不仅提供了详尽的技术步骤，还分享了许多实用的“小窍门”，比如如何调整力度曲线以模仿人类演奏的呼吸感，或者如何通过混响和延迟创造出逼真的空间感。这本书的价值不仅仅在于教授技术，更在于培养我们对音乐“人味儿”的敏感度。读完后，我立刻尝试用新学到的技巧去修改我过去的一些编曲片段，效果立竿见影，那种从“听起来像游戏音乐”到“富有生命力”的转变，真的让人成就感爆棚。我强烈推荐给所有对音乐制作有热情，但又苦于找不到系统化学习路径的朋友们。

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如果用一句话来概括我的感受，那就是：这本书有效地弥合了音乐理论的“象牙塔”与现代音乐制作的“车间”之间的鸿沟。我发现许多市面上的教程只关注软件操作的某个特定功能，缺乏宏观的音乐架构视野。而这本书则站在一个更高的维度，将和声学、对位法与现代数字音频工作站（DAW）的交互界面完美地结合起来。比如，书中对于“功能和声”在自动生成复杂布景时的应用，讲解得极其透彻，它告诉你为什么一段进行是“对的”，而不是简单地告诉你“这样设置会更好听”。这种注重原理的教学方法，让读者能够举一反三，将所学应用到任何软件和任何音乐风格中去。对于我这种已经积累了一些制作经验，但总觉得自己的音乐缺乏“深度”的进阶学习者来说，这本书是无价之宝。它强迫你去思考每一个音符背后的逻辑，从而提升了你的音乐审美和决策能力，而不仅仅是机械地点击鼠标。看完后，我对“自动伴奏”的理解从一个简单的“工具”提升到了一个富有创造性的“合作伙伴”的高度。

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这本书的排版和设计风格，给我的感觉是非常专业且严谨的学术著作，但内容却出乎意料地平易近人，这是一种很难得的平衡。我特别欣赏作者在论述每一个技术点时，都会先从历史的演变和理论的基础层面进行铺陈，绝不满足于简单地告诉你“点这里”或者“按那个键”。例如，当讲到如何运用**特定风格的织体**进行自动伴奏生成时，书中会先回顾巴洛克时期赋格的声部逻辑，再衔接到现代DAW中如何利用算法实现类似的多声部交织，这种深厚的学理支撑，让整个学习过程变得更有深度和说服力。我记得有一次我在尝试为一个民谣旋律匹配一段爵士风格的和声伴奏时卡住了，翻阅这本书，发现其中关于“和声延伸音”在不同节奏型中的应用解析，精准地指出了我当时忽略的那个七和弦的九音处理问题。这本书的插图和图表绘制得极其清晰，即便是复杂的乐理图示，也能一目了然。对于我这种偏爱纸质书、喜欢在书页上做笔记的读者来说，这本书的装帧质量也非常出色，拿在手里就感觉内容的分量十足。

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这本书的阅读体验非常独特，它不像教科书那样板着脸孔，反而像是一位经验丰富的老音乐家，耐心地在你身旁手把手地演示操作。我最欣赏的是作者对**“不完美美学”**的探讨。在强调电脑伴奏精确性的同时，书中花了大量的篇幅讨论如何有意识地引入“随机性”和“人性化偏差”，这极大地拓宽了我的思路。我过去总是在追求MIDI音符的完美对齐，结果出来的音乐总是僵硬无比。通过阅读，我理解了原来连最顶尖的演奏家都会有微小的“提前”或“滞后”，而这些微小的偏差恰恰是音乐灵动的来源。书中提供的特定参数调整范围，比如对“摇摆（Swing）”感觉的微妙校准，让我明白原来那种“恰到好处的松弛感”是有科学依据可循的。此外，对于如何构建一个层次分明的伴奏层级结构，这本书的分析也非常到位，它教你如何分配低音、和声填充、节奏律动以及装饰音之间的权重，确保任何一个元素都不会喧宾夺主。这是一本关于如何“欺骗听众耳朵”的技术手册，但其目的却是为了创造更真实、更动人的听觉体验。

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我必须承认，我是在一个非常偶然的机会接触到这本书的，当时我正在为一部短片寻找合适的背景音乐素材，对于“快速生成高质量、符合特定情绪基调的伴奏”这件事感到束手无策。这本书的出现，简直是提供了一套现成的解决方案，但它远超我的初始预期。它不仅仅是教你如何操作软件，更重要的是教会你**“思考伴奏”**的方式。作者对不同音乐类型（从古典奏鸣曲的结构到电子乐的循环模式）的伴奏逻辑进行了细致的解构，让我明白一个好的自动伴奏绝不是随机音符的堆砌，而是服务于旋律和情感的骨架。书中关于“情绪映射”的章节尤其吸引我，它阐述了如何将诸如“焦虑”、“宁静”、“激昂”等抽象的情感词汇，转化为具体的节奏密度、和声色彩和动态起伏的参数设置。这是一种从艺术感出发指导技术实现的典范。我用书中的方法论为我的短片制作了一套主题音乐，反馈极佳，连专业的朋友都问我是找了多贵的音乐制作人。这本书真正做到了赋能创作者，将原本高高在上的专业技能，转化为了触手可及的工具。

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