具体描述
中国传统绘画史论研究，在世界文化史上占有独具意义的一席。它以其他文化所少有的低限度陈述方式，建构其锲入生活、锲入历史、锲入创作实践和接受美学实践的生动效应，从而成为砥砺民族艺术精神和营造传统人文气象的重要组成部分。本世纪以来，随着国际文化交流的广泛开展以及现代化欲求的日益高涨，中国绘画史论逐渐溶入了新的学术思想，在情境立场和研究方法上也发生了多种方向的变异，原先作为同一种文化性状的一体化局面，被代之以依据不同文化性状而成立的多元化格局。其间既有并存和互融，也有交叉、错综和对立。这一变化使处于世纪之交的中国绘画史论研究显得更加丰富多彩，与此同时，又引发了不同研究目标和研究方法之间的隔膜、磨擦或论争。除了形式分析方法、社会学方法、比较学方法以及印象、逻辑、宏观、个案等等各有所长的操作性层面的不同取向，围绕着中国美术史论研究是否应该成为一门独立的人文学科这一问题，人们的争议更为激烈。在西方，艺术史可以像哲学、美学、历史或其他人文学科一样对世界上的各种问题表达其独特的认识，而无须仰仗别的学科为之确立准则；但在中国文化的传统语境中，绘画史论与绘画实践维持着亲密无间的关系，历史的标准与逻辑、美学的标准始终处于整合统一的状态。面对已经发生变更并将继续变更着的中国画存在方式及其理论思维，如何充实、调整我们的研究目标和研究方法，如何在借鉴、改造、确立相关研究目标和研究方法的同时，能少犯刈著遗簪或邯郸学步的错误，是中国美术史论工作者们日益引来关注和重视的新课题。
本期《中国画研究方法论》专辑，就是基于上述背景而编就的。它集中了国内外近阶段的多种代表性观点，从不同的立场和角度展现了各自学术情境中的存在理由及其理论风貌。我们希望它能有助于中国美术史论研究事业的合理化发展，同时也希望这种探讨能继续下去，在适当的时候再来一次专题论文结集。
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用户评价
对于中国画中“意境”这个非常重要的概念，书中给予了相当篇幅的阐述，并且给出了研究它的方法。我常常被一些中国画中留白的部分所吸引，觉得那里充满了无限的想象空间，但具体这种“意境”是如何形成的，又如何去体会，我始终没有一个清晰的框架。作者通过对历代画论的梳理和对具体画作的分析，阐释了“意境”在中国画中的核心地位，以及它如何通过笔墨、构图、色彩等多种手段来营造。他提出的研究“意境”的多种途径，比如从画家的题跋、印章，甚至当时的诗词歌赋中去寻找线索，让我豁然开朗。
评分当我读到关于“时代性”在中国画研究中的作用时，我感到了一种前所未有的启发。我过去在欣赏中国画时，更多的是关注画作本身的美感，但很少去思考它如何反映了当时的社会风貌、思想观念和审美趣味。作者在这部分内容中，详细阐述了如何将中国画置于特定的历史语境中进行研究，分析画作的创作年代、画家所处的社会环境，以及这些因素如何影响了画作的题材选择、表现技法和情感内涵。这种从宏观历史角度审视中国画的思路，让我对许多画作有了全新的认识，也让我更加深刻地理解了艺术与历史的紧密联系。
评分书中的一部分内容，着重讲解了中国画的“鉴赏”与“研究”之间的关系。我一直认为，这两者是相辅相成的，但如何将鉴赏的感性认识转化为研究的理性分析，是一个值得深入探讨的问题。作者在这部分内容中，详细阐述了如何将鉴赏的直觉和感受，通过科学的研究方法来加以验证和深化。他提出了从“看”到“懂”再到“说”的这样一个过程，鼓励读者在欣赏画作的同时，积极地运用所学的研究方法去探究其背后隐藏的意义。这种将感性体验与理性分析相结合的思路，极大地激发了我进一步深入研究的兴趣。
评分翻开书的第一页，我就被一种严谨而又充满历史感的氛围所吸引。作者并没有急于抛出具体的画作案例，而是从中国画研究的“是什么”和“为什么”入手，奠定了坚实的方法论基础。这种开篇方式，对于我这样之前更多是凭着个人喜好和零散知识来欣赏中国画的读者来说，无疑是极其重要的。它让我意识到，我们对中国画的理解，不应该仅仅停留在表面的技法和题材，更需要从历史的语境、文化的脉络、哲学思想的根源去探究。作者在这里详细阐述了中国画研究的独特性，例如它如何与中国传统文化中的“天人合一”、“意境”、“气韵生动”等核心概念相互关联，这些理论性的探讨，为我后续理解具体的画作提供了重要的理论支撑。
评分这本书的名字叫《中国画研究方法论》，我拿到它的时候，内心是既期待又有些忐忑的。期待是因为，中国画博大精深，流传至今的画作，无论是文人画的写意，还是宫廷画的工整，亦或是民间画的朴拙，都蕴含着深厚的文化底蕴和独特的审美情趣。然而，要真正深入理解这些作品，仅仅停留在“看”的层面是远远不够的。我一直觉得，艺术的学习，尤其是中国画这种与哲学、历史、文学紧密相连的艺术，需要一套科学、系统的方法来引导。这本书的书名正好契合了我的需求，仿佛为我打开了一扇通往中国画研究殿堂的大门，让我看到了掌握研究工具的可能性。
评分“风格”是中国画研究中另一个绕不开的话题。我一直能感受到不同画家、不同流派之间的风格差异，但要将这些差异清晰地描述出来，并且探究其形成原因，对我来说是颇具挑战的。这本书在这方面的内容，为我提供了非常实用的工具。作者详细讲解了如何从技法、题材、情感表达等多个维度来分析和界定中国画的风格，并且通过大量不同风格的画作案例，生动地展示了这些分析方法。他强调了风格的演变性和复杂性，指出风格的形成是多种因素共同作用的结果，这让我对中国画风格的研究有了更深刻的认识。
评分关于中国画的“图式”研究，也是这本书中令我眼前一亮的部分。我常常会在一些不同的画作中看到相似的造型、构图或者表现手法，但不知道这种现象背后的原因。作者将“图式”的概念引入到中国画的研究中，并详细阐述了图式的起源、演变以及其在绘画创作中的作用。他通过对一些经典图式的分析，例如山水画中的“皴法图式”、“点景图式”，人物画中的“衣纹图式”等，让我对中国画的传承与创新有了更直观的理解。这部分内容，为我理解中国画的“源”与“流”提供了非常重要的视角。
评分总的来说，《中国画研究方法论》这本书，并没有给出“标准答案”式的研究范式，而是提供了一套系统而又灵活的研究框架和方法论工具。它不仅仅是一本关于中国画的“技法”书籍，更是一本关于如何“思考”中国画的书。作者的严谨、深入和广阔的视野，让我受益匪浅。它教会我用一种更专业、更深入的视角去审视中国画，去挖掘那些隐藏在笔墨丹青背后的历史、文化和哲学信息。这本书为我开启了一个新的研究世界，也让我对未来学习和探索中国画充满了信心和期待。
评分在接下来的章节里，作者深入探讨了文献资料在研究中国画中的重要性。我一直觉得，文字资料是理解艺术作品不可或缺的补充，但如何有效地利用这些资料，却是我常常感到力不从心的地方。书中详细介绍了不同类型的文献资料，例如史书、笔记、画论、文人诗文等，以及如何从中提取与画作相关的有效信息。更令我印象深刻的是，作者强调了资料的辨析和考证，指出并非所有文献都具有同等价值，需要运用批判性思维来筛选和解读。这让我意识到，研究的严谨性，很大程度上取决于对原始资料的尊重和审慎的态度。
评分随后，书中开始触及了具体的“如何研究”的层面，这部分内容对我来说是极具实践指导意义的。我一直对如何解读一幅中国画感到困惑，比如如何看待画面的构图、用笔、用墨，以及这些元素背后所蕴含的意义。作者在这里系统地梳理了中国画的各个构成要素，并提供了分析这些要素的视角和方法。他不仅仅是罗列这些要素，更重要的是，他讲解了如何将这些要素放在特定的历史时期、画家的个人经历、甚至当时的社会思潮中去解读。这让我明白，一幅画的价值，并非孤立存在，而是与它所处的时代背景、创作者的生命体验以及观者的文化认知紧密相连。
评分认为应把审美关系作为美术史论研究的轴心线；主张通过中外比较、历史比较、综合比较等方法来进行研究；提出要研究美术本身。认为史与论是和谐融合的。讨论艺术家创作或选用此种风格是企图表达何种意念。关注连续的风格传统与视象的时代性结构应是中国画研究的经与纬。文字著述是通过对实物的认识而形成的。
评分有一篇很废柴的文章，作者后来还不知耻的告了卢辅圣先生。。。逗了个逼
评分只有方闻、石守谦的文章还像回事
评分认为应把审美关系作为美术史论研究的轴心线；主张通过中外比较、历史比较、综合比较等方法来进行研究；提出要研究美术本身。认为史与论是和谐融合的。讨论艺术家创作或选用此种风格是企图表达何种意念。关注连续的风格传统与视象的时代性结构应是中国画研究的经与纬。文字著述是通过对实物的认识而形成的。
评分所收文章大都注水，只有高居翰、石守谦、邵琦和方闻的文章还能令人有些收获，但有的地方也不免陈旧了。其中邓福星、邵大箴的文章，过于抽象教条（邵氏正好以“抽象教条”指责普遍现象，看来本人也没能避免），又无举例论证，过于空泛。邓福星行文过于随意，明显不合学术规范，而且论及比较研究时，以大量篇幅夸赞自己老师，更进一步降低了文章的质量。
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