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出版者:Wise Publications

作者:Coldplay

出品人:

页数:40

译者:

出版时间:2004-10-01

价格:USD 16.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780634089237

丛书系列:

图书标签:

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《指尖上的星辰：钢琴演奏与音乐赏析指南》 本书简介 本书并非对特定乐队或流行音乐作品的直接改编或学习指南，而是一部深度聚焦于钢琴演奏技巧、音乐理论构建以及古典与现代音乐语境下演奏美学的综合性著作。它旨在为所有热爱钢琴、渴望提升演奏水平的音乐学习者提供一个广阔而深入的知识框架，帮助他们理解音乐的本质，并将其转化为指尖上的动人旋律。 第一部分：钢琴演奏的基石——技巧与身体的和谐 本部分将演奏者的身体视为乐器本身，详细剖析了如何通过科学的练习方法，实现技术与情感表达的完美统一。 第一章：触键的艺术与力量控制 本章深入探讨了钢琴触键的物理学原理。我们不讨论如何弹奏某首特定歌曲的特定音符，而是专注于“如何”弹奏。内容涵盖了从指尖到手腕、手臂乃至整个身体的重量传递系统。详细介绍了不同类型的触键（如重量触键、指尖触键、手掌侧击）在表现不同音乐织体（如柔和的连奏、清晰的断奏）时的应用。特别强调了力度控制的渐变性，如何通过微小的肌肉调整，实现从 pppp 到 ffff 范围内细腻的情感过渡，而非简单的音量增减。 第二章：手指的独立性与灵活性训练 本章聚焦于传统钢琴技术的核心——手指的独立性。我们提供了一套系统化的、不依赖于特定曲目的音阶、琶音和和弦练习体系。这套体系强调了对弱指（尤其是无名指和小指）的强化训练，使其能与其他手指保持同等的清晰度和力度。内容包括了巴斯蒂安训练法、哈农练习曲的深度解析（侧重于其背后的原理而非曲目本身），以及如何设计个性化的练习方案来克服特定的技术瓶颈，如跨越、快速音群的均匀度控制。 第三章：踏板的运用——营造声场与共鸣 钢琴的延音踏板是赋予声音生命力的关键工具，但其运用常被初学者误解为简单的“踩住”。本章将踏板的运用提升到声学和美学的层面。探讨了不同钢琴的共鸣特性，如何根据乐曲的织体密度和空间感来选择性地使用延音踏板（Sustain）、柔音踏板（Soft/Una Corda）和保持踏板（ sostenuto）。通过对巴赫赋格与德彪西印象派作品中踏板处理的对比分析，阐明踏板如何构建“声音的雾气”或“清晰的轮廓”。 第二部分：音乐的语言——理论与和声的构建 掌握演奏技巧后，理解音乐背后的语法结构至关重要。本部分旨在建立坚实的音乐理论基础，使演奏者能“读懂”乐谱所蕴含的深层意图。 第四章：功能和声学深度解析 本书的理论核心在于功能和声。我们将系统梳理大小调体系下的和弦功能（主、属、下属）及其导向性。重点分析如何识别和处理复杂的和声进行，如副属和弦、离调和弦以及半音进行。通过分析莫扎特、贝多芬等古典大师作品中的和声骨架，帮助学习者理解旋律是如何被和声逻辑所驱动的。这部分内容与任何流行音乐的和弦套路无关，而是回归到西方音乐体系的根源。 第五章：节奏的弹性与律动的精确性 节奏不仅仅是节拍器上的数字。本章探讨了节奏的“人性化”处理，即如何平衡精确性与音乐的自由感。内容包括：对传统节拍（4/4, 3/4）的精准掌握，以及在不同历史时期（如巴洛克时期的“韵律感”与浪漫主义时期的“自由速度”）中对速度标记（如 rubato）的恰当解读和实施。着重分析复节奏和交叉节奏在构建复杂音乐结构中的作用。 第六章：对位法的思维模式 对位法是西方音乐的精髓之一，它代表着多条独立旋律线的对话。本章以巴赫作品为例，剖析如何识别、追踪和演绎两条或多条相互交织的旋律线。理解对位法能极大地提升演奏者对乐曲层次的把握能力，确保在演奏多声部作品时，主旋律不会被伴奏声部或对位声部所淹没，实现真正的“多声部平衡演奏”。 第三部分：风格的塑形——历史语境与诠释 理解音乐的风格背景，是避免“一刀切”演奏方式的关键。本部分引导读者探索不同历史时期钢琴音乐的审美取向。 第七章：从巴洛克到浪漫主义的风格差异 本章详细对比了巴洛克时期（强调清晰的音色、装饰音的精准执行）、古典时期（强调结构平衡与清晰的乐句划分）、浪漫主义时期（强调情感的释放与踏板的丰富运用）以及印象主义时期（强调色彩与氛围）在演奏实践上的核心要求。例如，巴洛克音乐的装饰音应如何“嵌入”而非“附加”在旋律之上；浪漫主义的 cantabile（歌唱性）应如何通过音色变化而非单纯的音量来体现。 第八章：乐句的构建与呼吸感 音乐如语言，需要明确的停顿、起伏和强调。本章着重于宏观结构上的处理，即如何将单个的音符和和弦组织成具有逻辑和情感张力的乐句。探讨了如何通过动力学变化、微小的速度调整以及在乐句高潮前的蓄势，来赋予演奏以“呼吸感”和叙事性。这要求演奏者不仅是执行者，更是音乐故事的讲述者。 总结 《指尖上的星辰》是一本面向严肃学习者的工具书，它提供的知识体系独立于任何单一的流行音乐范畴。它教授的是如何通过对钢琴这件乐器的深刻理解和对音乐语言的精通，来发展出属于自己、能够驾驭任何复杂作品的演奏能力与审美视野。本书的目标是培养出能够独立分析、深入诠释任何风格钢琴作品的音乐家。

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我是一个键盘乐器爱好者，但我对传统乐理并不太精通，尤其是在即兴伴奏方面，总是感觉抓不住重点。我购买的这本书（不妨称之为《键盘即兴的秘密花园》）给我带来了极大的启发。这本书的重点在于“转位”和“色彩音”。它没有强迫读者去死记硬背大量的和弦公式，而是通过展示如何在简单的三和弦基础上，通过增加七音、九音、甚至加四音，来瞬间提升音乐的质感和高级感。最让我惊喜的是，书中有一个章节专门讲解了如何用简单的琶音和分解节奏来快速填充空隙，让独奏听起来像是一个完整的乐队在演奏。我尝试着用书里的技巧去即兴伴奏我爱人唱歌，效果立竿见影，她都惊讶地问我最近是不是偷偷报了什么高级课程。这本书非常适合那些想要快速提升自己“伴奏能力”和“音乐色彩感”的业余乐手，实战性极强，理论讲解也非常到位。

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我一直很关注音乐教育领域的新动态，市面上很多乐谱集都停留在十年前的编配水平，缺乏创新。当我看到这本（我们称之为《数字时代钢琴演奏指南》）的介绍时，立刻被它融合了现代科技感的理念吸引了。这本书最特别的一点在于，它不仅提供了纸质乐谱，还附带了大量的在线资源链接。这些资源包括了高品质的MIDI示范音轨、可以单独控制不同声部的伴奏音轨，甚至还有一些针对特定难点的慢速视频讲解。这对于自学者来说简直是救星。我可以通过对比自己的弹奏和专业示范，立刻发现自己节奏上的微小偏差或力度控制上的不足。此外，书中的曲目选择也紧跟时代，挑选了一些近年来在流媒体上非常火爆，但传统乐谱店尚未引入的曲目。这让我感觉自己走在了音乐的前沿。这本书的制作精良，纸张厚实，装订牢固，即便是频繁翻阅也不会轻易损坏，体现了出版方对细节的重视。

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这本乐谱集简直是为我这种半吊子钢琴爱好者量身定做的！我之前买过好几本流行歌曲的简化版，但总觉得要么和原曲差得太远，要么就是对初学者来说和弦指法复杂得让人望而却步。但拿到这本《XX》（这里用一个虚构的书名，比如《指尖上的流行金曲精选》）后，我的体验完全不同了。首先，它的排版清晰得让人感动，每一个音符的大小、间距都处理得恰到好处，即使在光线不太好的情况下看谱，也不会感到吃力。更重要的是，它真的做到了“易于上手，难于精通”的完美平衡。我花了一个下午的时间攻克了其中一首节奏相对简单的曲子，惊喜地发现，即使是只有两年基础的我，也能弹奏出那种流畅的律动感，而不是那种生硬的、断断续续的“弹奏”。编曲者显然花了很多心思去研究如何用最少的音符、最合理的和弦转换来还原歌曲的神韵，这比那些恨不得把原曲所有细节都塞进去的“原版复刻”谱子要实用得多。我已经迫不及待想带着它去朋友的聚会上露一手了。强烈推荐给所有想在短时间内提升演奏效果的朋友们。

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我是一名音乐学院在读的学生，平时的练习曲目大多是古典正经的巴赫、肖邦，但这偶尔也会让我感到一丝枯燥。我买这本书（姑且称之为《现代钢琴伴奏艺术研习录》）是想找一些能放松心情，同时又能练习节奏感和和声色彩的材料。这本书的选曲角度非常刁钻，它没有选择最烂大街的那几首流行金曲，而是挑选了一些旋律线条优美，但和声进行设计非常巧妙的曲目。更让我欣赏的是，书中对于每一首曲子的“演奏提示”部分，简直像是一篇微型论文。它不仅标注了和弦的功能性分析，还探讨了不同踏板使用技巧对情感表达的影响。比如，有一首曲子要求使用大量的分解和弦和延音踏板，作者就详细解释了如何通过控制击键力度和踏板抬起时机，来营造出那种“朦胧的梦境感”，而不是一团混浊的声音。这种对细节的深度挖掘，让这本书的价值远超一般的流行乐谱集，它更像是一本结合了演奏实践与音乐理论的优秀教材。

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说实话，我买很多钢琴书都是抱着“试试看”的心态，结果它们大多躺在了书架上积灰。这本（我们叫它《钢琴演奏的乐趣：从入门到进阶的七十个理由》）却是个例外。我最烦的就是那些“一刀切”的教材，要么就是对新手极其不友好，要么就是对有一定基础的人来说过于幼稚。这本书的结构设计非常人性化。它采用的是模块化学习，每完成一个模块的学习，都会让你感觉自己解锁了一个新的“钢琴技能包”。比如，学会了某几个特定的和弦连接技巧后，你突然发现原本觉得很难的两三首曲子瞬间变得简单了。而且，它不仅仅关注“弹什么”，更关注“怎么弹”。里面穿插了许多关于身体放松、手指独立性训练的小练习，这些练习一点也不枯燥，因为它们都被巧妙地融入到那些大家耳熟能卓的旋律背景中。看完这本书，我感觉自己对钢琴的理解上升了一个层次，不再是机械地移动手指，而是开始真正“思考”音乐的逻辑了。

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