怎样画荷花·桃花 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海书画出版社

作者:龚继先

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1989-06-01

价格:14.0

装帧:

isbn号码:9787805123875

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《古韵流芳：中国传统文人画的审美与技法探微》 书籍简介 本书旨在深入剖析中国传统文人画，这一植根于深厚文化土壤、承载着独特哲学思想与审美情趣的艺术门类。它并非简单的技法指导手册，而是一部融合了艺术史论、美学解析与实践指导的综合性著作，旨在引导读者超越形似，进入“以书入画”、“胸有丘壑”的境界。 第一章：文人画的哲学基石与历史溯源 本章追溯文人画的诞生背景，阐述其区别于院体画的核心精神。我们将探讨魏晋以来，士大夫阶层对艺术的价值重估，特别是东晋“以形写神”的理论如何奠定文人画的审美基调。重点分析“逸品”概念的形成，以及儒、释、道三家思想对文人画“写意”精神的影响。 核心议题： “道”与“艺”的融合——文人画如何成为士人修身养性的载体。 历史脉络： 从唐代王维的“诗中有画”到宋代苏轼提出的“论画以形似，见与鄙夫等”，直至元代“元四家”的集大成。 第二章：笔墨的语言学——点、线、面的内在张力 文人画的精髓在于笔墨。本章将细致解构文人画的“笔墨语言”，将其视为一种成熟的符号系统，而非单纯的描绘工具。我们详细阐述“十八描”之外的写意性用笔，着重分析线条的“骨法用笔”。 用笔的“筋骨”： 探讨“中锋、侧锋、偏锋”在表现不同物象时的情感指向。例如，如何通过“飞白”表现枯槁之态，或以“圆润饱满”的线条勾勒生命力。 墨法的层次与变化： 区分“焦、浓、重、淡、清”五色墨的运用，以及“墨分五色”在营造空间层次感和烘托主体氛围中的作用。特别分析“积墨法”和“破墨法”如何实现墨色的交融与渗化。 第三章：意境的营造：虚实相生的空间哲学 中国画讲究计白当黑，留白（虚）与着墨（实）的辩证关系，构成了文人画独有的空间哲学。本章聚焦于如何通过构图安排，实现画面的呼吸感和无限延伸性。 留白的应用： 探讨留白不仅仅是空白，而是“未尽之意”，是观者想象力的介入空间。分析高远、深远、平远三种传统构图法在表现空间深度时的差异与妙用。 气韵生动： 论述“气”在画面中的流动性。如何通过枝干的穿插、云雾的缭绕，引导观者的视线，使画面充满生命的气息，达成“不着色而自成高妙”的境界。 第四章：山水篇：胸中丘壑的构建 山水画是文人画中最具代表性的门类。本章深入探讨山水画的造型原则，强调其非自然主义的写意性。 皴法的体系化解析： 系统梳理披麻皴、斧劈皴、荷叶皴、解索皴等主要皴法的地域特征与情感表达倾向。例如，如何运用不同皴法表现北方山石的雄浑与南方山水的秀润。 树法的象征意义： 树木在文人画中常被赋予人格化的象征意义。分析古松的遒劲、竹枝的清雅（如“凤眼、蟹爪”等具体描绘要领），以及它们如何共同构建画家的自我写照。 第五章：花鸟与人物：寓意与性情的寄托 本章转向花鸟和人物画，阐释它们如何作为文人表达个人情操的载体。 花鸟的“四君子”精神： 深入剖析梅、兰、竹、菊（或梅兰竹菊的组合）所承载的坚韧、高洁、虚心、隐逸的道德品格，以及如何通过对花蕊、枝脉的精微刻画来体现这种精神。 人物画的“神似”： 探讨人物画如何摒弃世俗的工笔描摹，转而通过衣纹的流畅性、眼神的刻画，传达人物的内在气质与学养，实现“以简驭繁”的艺术效果。 第六章：题跋的艺术：诗、书、画的完美结合 在中国艺术语境中，一幅完整的文人画作品离不开题跋。本章强调“诗、书、画、印”四绝的合一性。 书法的辅助性与主体性： 分析题跋的书法风格如何与画作本身的笔墨趣味相互呼应。探讨楷、行、草等书体在画面不同位置上的选择与布局。 印章的韵味： 讨论印章的选择（姓名章、闲章、吉语章）对画面平衡感和意境的最后点睛作用。 结语：当代视野下的文人画传承与创新 总结文人画的核心价值在于其内求的探索精神，鼓励当代学习者在扎实掌握传统笔墨功底后，应积极思考如何在现代生活中，以文人画的理念来审视和表达自我。本书旨在为所有对中国传统艺术抱有热忱的读者，提供一把开启文人画精神宝库的钥匙。 本书特色： 1. 理论与实践并重： 既有深入的美学理论阐述，也辅以清晰的笔墨技法解析。 2. 案例丰富： 大量引用历代名家真迹进行剖析，使读者能够直观感受“笔墨之妙”。 3. 文化底蕴深厚： 贯穿中国传统文化精髓，强调艺术是生活哲学的延伸。

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最近学习了不少关于色彩理论的书籍，但大多都集中在西方油画或水彩体系。这本书提供了一个非常宝贵且难得的东方视角。它巧妙地将中国传统绘画中对“自然色”的理解融入到绘画实践中。作者强调的不是严格意义上的调色盘，而是如何通过笔法和留白来暗示色彩的冷暖和明暗关系，这对于习惯了西方色彩逻辑的我来说，是一种全新的思维冲击。阅读过程中，我仿佛听到一位经验丰富的前辈在耳边谆谆教诲，语气中充满了耐心与鼓励。书中的案例分析非常具有说服力，每一步的变化都能清晰地看到其背后的逻辑支撑，让我对如何驾驭水和墨之间的微妙关系有了更深刻的认识。

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这本书的封面设计简直是艺术品，色彩的搭配和构图的平衡感让人眼前一亮。光是看着封面，就能感受到作者对美的独特理解。内页的纸张质感也相当出色，印刷清晰，即便是最细微的线条也能呈现得淋漓尽致。我原本以为这只是一本普通的绘画教程，但深入阅读后才发现，它更像是一部融合了东方哲学与艺术审美的著作。作者在讲解技法的同时，也融入了许多关于自然观察和心态调整的思考，这种由内而外的引导，让学习过程充满了乐趣和启迪。我特别喜欢其中关于“气韵生动”的阐述，它让我明白绘画不仅仅是描摹形体，更是捕捉事物内在的生命力。这本书的排版也非常人性化，图文并茂，讲解步骤循序渐进，即便是零基础的初学者也能轻松上手，丝毫不会感到压力。

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这本书的装帧设计透露着一股沉稳的大气。封面材质的选择，内页的哑光处理，都散发出一种高级的质感，让人爱不释手。内容编排上，作者的叙事节奏掌握得非常好，不会让人产生急躁感。它更像是一场精心策划的艺术之旅，引导读者从最基础的笔法练习开始，逐步深入到复杂的构图和意境表达。我特别赞赏作者在讲解过程中那种谦逊的态度，他从不以“绝对真理”自居，而是不断鼓励读者去探索和发现自己的个性化表达方式。读完这本书，我感觉自己不仅仅是学会了几种绘画技巧，更重要的是，我对中国传统艺术的审美情趣有了更深层次的理解和敬畏之心。这绝对是一本值得反复研读的精品之作。

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说实话，我一开始对这种“主题明确”的画册抱有怀疑态度，担心内容会非常单薄、重复。然而，这本书的广度和深度完全超出了我的预期。作者不仅展示了多种不同的表现手法——从工笔的精细入微到写意的挥洒自如——还非常细致地对比了不同时期、不同流派的画作是如何处理同一主题的。这种横向和纵向的对比分析，极大地拓宽了我的视野。我尤其欣赏其中关于“墨分五色”的章节，作者通过不同水分的控制，清晰地展示了如何用单一的墨色创造出丰富的层次感，这一点在很多其他画册中是难以找到的详细讲解的。对于想要系统提升自己水墨画技艺的爱好者来说，这本书绝对是案头必备的“工具书”，而不是仅仅摆设用的“装饰品”。

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我一直对传统水墨画情有独钟，但总苦于找不到一本能真正触及灵魂深处的指导书籍。这本书的出现，简直是为我打开了一扇通往更高层次艺术境界的窗户。它没有过多纠缠于那些繁琐的几何透视或机械化的笔触练习，而是着重于引导读者去“感受”笔下的对象。比如，作者用非常诗意的语言描述了如何观察一滴露水在花瓣上滚动时的动态美，以及如何在宣纸上留白以营造出空灵的意境。这种讲解方式非常高明，它训练的不是手，而是眼睛和心。我尝试着用书中的方法去画山水，虽然技巧上还很稚嫩，但作品中那种“意境”的营造，已经比我以往的尝试要成功得多。这本书的价值，远超出了单纯的绘画技巧层面，它教会我如何用艺术的眼光去重新审视这个世界。

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