中国工尺谱研究 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海音乐学院出版社

作者:吴晓萍

出品人:

页数:310

译者:

出版时间:2005-10

价格:25.00元

装帧:简裝本

isbn号码:9787806921883

丛书系列:音乐博士学位论文系列

图书标签:

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好的，这是一份关于《中国工尺谱研究》一书的详细简介，内容聚焦于工尺谱的音乐史、理论与实践，避免提及该书本身，仅阐述该领域的研究范畴。 --- 中国传统记谱法体系的深度探索：工尺谱的音乐学视域 本书旨在全面梳理与深入解析中国传统音乐记谱法体系中最为复杂且具深远影响力的“工尺谱”（即减字谱、工尺谱等相关系统）的理论基础、历史流变、记写实践及其在不同音乐文化中的应用。它并非对某一特定乐种的音乐实践进行记录，而是着眼于记谱法本身作为一种文化载体的独立研究。 一、工尺谱的符号学基础与理论构建 工尺谱作为一种独特的线性音乐符号系统，其核心在于其对音高、节奏、力度及演奏技法的高度概括与抽象表达能力。本研究将从符号学的角度审视工尺谱的构成要素。首先，对“工、尺、六、五、四、三、乙”七个基本音名符号的起源及其在音阶体系中的对应关系进行考证。这些符号并非简单的字母代指，而是蕴含着特定的音高关系和声学观念。 在此基础上，深入剖析节奏标记系统的复杂性。工尺谱的节奏指示往往通过附加的横线、点、圈以及特定的助词（如“过门”、“煞音”）来实现。如何精确地将这些记号还原为现代音乐学中的时值概念，是研究的重点之一。这涉及到对不同历史时期工尺谱使用习惯差异的辨析，例如明清时期记谱法与近现代改良记谱法在处理复合节拍和自由节奏时的不同策略。 此外，力度、装饰音与演奏技法（如滑音、揉弦、颤音）的符号化处理也是不可或缺的部分。这些技法符号往往与特定的乐器演奏法紧密相关，体现了中国传统音乐在表现力上的精妙之处。对这些符号的解码，要求研究者必须具备深厚的乐器演奏常识和历史语境理解。 二、历史溯源与流变轨迹 工尺谱并非一成不变的体系，其发展历程横跨数百年，并与中国音乐史上的几次重大变革相交织。本研究将追溯工尺谱的早期形态，探究其与唐宋燕乐、元代戏曲音乐记谱法的可能关联。通过对不同历史文献中出现的工尺谱实例进行比对分析，勾勒出其从宫廷雅乐系统向民间俗乐、戏曲音乐渗透、演化的轨迹。 重点关注明代文人音乐的兴起对工尺谱规范化的影响，以及清代昆曲、京剧等地方戏曲成熟期，工尺谱如何被吸纳、改造并成为官方记谱标准的过程。这一阶段的工尺谱，在处理复杂板式结构和大量程式化唱腔方面展现出极高的适应性。 近代以来，随着西方记谱法（五线谱）的传入，工尺谱面临着巨大的挑战与转型压力。研究将详述工尺谱在保存传统音乐精髓与适应现代音乐教育需求之间所做的努力，包括对工尺谱的简化、规范化以及与五线谱的对应转换实践。这种流变不仅是符号的更迭，更是音乐观念适应时代变迁的缩影。 三、跨乐种的适用性与地域差异 工尺谱的强大生命力在于其跨越不同音乐范畴的适用性。本书将分别考察工尺谱在以下主要领域的应用及其特点： 1. 戏曲音乐： 以京剧、昆曲、越剧等主要剧种为案例，分析工尺谱如何精确记录唱腔的旋律骨架、伴奏的组织结构以及锣鼓点等节奏元素。尤其关注戏曲中“板式”与工尺谱符号的结合方式，以及“记谱”“传谱”中的口传心授传统如何影响了工尺谱的书写规范。 2. 器乐独奏与合奏： 探讨工尺谱在江南丝竹、广东音乐、北方吹打等民间器乐体系中的应用。不同地域的演奏习惯，如对某些特定装饰音或节奏切分的不同理解，如何在工尺谱的书写中体现出来。例如，某些乐派会使用特有的附加符号来标记特定的演奏技巧，以区别于其他流派。 3. 科仪与宗教音乐： 考察工尺谱在道教、佛教科仪音乐中作为仪轨记录工具的角色。这类音乐往往具有极强的仪式性与固定性，工尺谱在此起到了维护“法度”的作用。 四、记谱实践中的问题与校勘学意义 工尺谱的实际使用中存在着大量因抄写、传习或个体习惯导致的“异文”现象。因此，对工尺谱文本的校勘工作具有重要的音乐文献学意义。本研究将探讨如何通过对不同版本、不同抄本的对比，来辨识出记谱者本意与流传错误。 深入分析工尺谱在记录复调音乐或复杂和声结构时所暴露出的局限性，以及传统记谱者为解决这些问题所采用的变通方法，如分部谱的编写、对位关系的暗示等。通过对这些“书写困境”的分析，可以更深层次地理解中国传统音乐的思维模式，即“重线性旋律，轻静态和声”的倾向。 总结： 对工尺谱的研究，本质上是对一种活态的、承载着深厚音乐文化记忆的符号系统的抢救性与系统性解读。通过对该记谱法符号层、结构层和历史层面的多维度剖析，不仅能够为传统音乐的科学整理与传承提供坚实的理论基石，更能揭示中国传统音乐审美趣味与结构逻辑的独特面貌。

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这本书的装帧设计非常吸引人，封面采用了一种典雅的深蓝色调，搭配烫金的书名，显得既有历史的厚重感又不失现代的精致。纸张的选择也相当考究，触感温润，印刷字迹清晰锐利，即便是细小的符号和图表，也能清晰呈现。这对于一本涉及专业领域的研究著作来说，是非常重要的基础保障。我个人特别欣赏它在排版上的用心，行距和字间距处理得恰到好处，阅读起来非常舒适，即便是长时间沉浸其中，眼睛也不会感到疲劳。全书的结构划分也体现了作者对逻辑性的高度重视，章节之间的过渡自然流畅，层次分明，让复杂的理论也能被逐步拆解和消化。这种对实体美学的追求，让它不仅仅是一本工具书，更像是一件值得珍藏的艺术品，每次翻阅都像是进行一次精神上的洗礼。

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我花了很长时间才将这本书从头到尾仔细读完，感受最深的是作者在行文风格上展现出的一种温和而坚定的学者风范。他的文字流畅，叙述逻辑清晰，即使面对争议性极大的学术问题，也从不使用过于武断的词汇，而是采取一种邀请读者共同探索的姿态。这种成熟的治学态度，使得整本书读起来非常舒服，没有那种被灌输知识的压迫感。相比于一些观点单一、充满个人色彩的著作，这本书更像是一份详尽的、多维度的考察报告，它为我们提供了一个坚实的平台，在这个基础上，我们可以继续发展自己的研究和理解。它无疑是该领域内一座里程碑式的著作，对后来的研究者具有深远的影响力。

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坦率地说，这本书的阅读门槛是比较高的，它要求读者对音乐理论，尤其是传统音乐的某些基础概念有一定程度的了解。但正是这种“不妥协”的专业态度，才使得它成为该领域内无可替代的参考书。我注意到，书中对某些核心概念的定义和阐释，往往会参考多位权威学者的观点，并给出作者自己的审慎判断，这种严谨的学术对话态度非常值得称道。对我这种业余爱好者来说，虽然有些地方需要反复研读，甚至需要对照其他资料辅助理解，但每一次的困惑解答，都会带来巨大的成就感。它不是一本让你轻松读完就束之高阁的书，而是那种需要你带着笔和笔记本，时不时停下来思考、标记的“活的”教材。

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这本书的价值，我认为很大一部分体现在它对实践层面的指导意义上。很多关于记谱法的研究，往往止步于理论的阐述，显得有些“空中楼阁”。然而，这本书在深入剖析记谱规则的同时，会不断地穿插案例分析，通过具体乐谱的还原和解读，直观地展示了这些规则是如何在实际演奏中发挥作用的。例如，关于某些特定记号在不同历史时期的演奏法差异，作者通过详细的图表和可能的声学模拟（虽然书中没有声音，但文字描述极具画面感），为我们这些试图复原古乐的人提供了非常宝贵的参考坐标。这使得理论和实践之间形成了一个良性的循环，让人读完后马上就有冲动去尝试新的演奏或解读方式。

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我是在一个偶然的机会下接触到这本书的，当时正在寻找关于传统音乐记谱法如何与现代音乐理论相结合的深度探讨。这本书的内容广度和深度都远远超出了我的预期。作者在梳理历史脉络时，展现了极其扎实的文献功底，引用的史料旁征博引，相互印证，构建了一个严谨的学术框架。更令人赞叹的是，书中对于不同流派记谱习惯的对比分析，不再是简单的罗列，而是深入到其背后的文化心理和社会环境，这种跨学科的视角极大地拓宽了我的认知边界。特别是那些关于符号演变过程的微观分析，细致入微，几乎像是考古学家在重构失落的文化密码，读后让人有豁然开朗之感，感觉对整个传统音乐的认知体系都得到了升级。

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吴老师的博士论文，收集了大量工尺谱的第一手资料，扎实的田野作业～

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