陈其钢芭蕾舞剧大红灯笼高高挂音乐选段(CD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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作者:广州俏佳人文化传播有限公司

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出版时间:1900-01-01

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isbn号码:9787799621135

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《20世纪后半叶中国音乐的流变与创新：从民族乐器到电子声场》 导言：时代的脉搏与音乐的转型 20世纪下半叶，对于中国而言，是一个经历剧烈社会变革与文化碰撞的非凡时期。伴随着国家建设的恢宏叙事和对外交流的逐步深入，传统音乐的坚守与西方现代音乐思潮的涌入，在广阔的艺术土壤上激荡出了前所未有的火花。本书旨在深入剖析这一特定历史阶段内，中国音乐领域所经历的深刻流变、风格的多元探索以及技术层面的革命性创新。我们聚焦的不是某一特定的体裁或作品，而是驱动整个音乐生态向前发展的宏观趋势、内在动力及其产生的复杂效应。 第一部分：民族音乐的复兴、重塑与当代语境 在特定历史背景下，“民族性”成为音乐创作的核心命题。然而，这种民族性并非是对既有传统的简单复制，而是在新的政治美学和社会需求下，对传统素材进行有意识的提炼、加工与重构的过程。 1. 传统资源的再发掘与规范化： 本章首先考察了20世纪中后期，中国音乐学界和创作界对于民间音乐、戏曲音乐、少数民族音乐进行的系统性田野调查与资料整理工作。这一时期的工作具有双重意义：一方面，它有效地抢救、记录了大量濒临失传的口头音乐遗产；另一方面，在特定的创作规范下，这些原始素材被抽象化、提炼出具有普遍性的“民族音调”或“调式特征”，并被纳入到新的创作体系之中。我们详细分析了如何通过特定的配器法、对传统曲式结构的简化或扩展，使这些“民族音乐语汇”得以在大型交响乐、室内乐乃至电影配乐中获得新生。 2. 民族管弦乐队的现代化进程： 民族乐器的改良与发展是这一时期中国音乐现代化的重要标志。本书详细梳理了二胡、琵琶、古筝等主要独奏乐器的改良历程，特别是对音域扩展、音色统一性的技术攻关。更重要的是，我们探讨了民族管弦乐队的组建模式及其在和声学和对位法上如何尝试接纳西方管弦乐队的结构逻辑，同时又努力保持民族乐器群特有的音响色彩。这是一种艰难的平衡——如何在宏大的交响织体中，避免民族乐器声部的淹没，确保其音色辨识度，并为其寻找恰当的“和声功能”。 3. 戏曲音乐的“舞台化”与“剧场化”探索： 京剧、昆曲等传统戏曲，在特定年代经历了不同程度的“改革”与“现代化”尝试。本书不涉及对特定剧目（如样板戏）的深入分析，而是关注其音乐本体的变革：声腔的简化与标准化、伴奏乐队的编制变化（如加入固定低音声部或固定节奏乐器组）、以及板式结构在保持其精神内核的前提下，如何适应新的舞台叙事节奏。这些探索为后来的音乐剧和民族歌剧的创作提供了宝贵的经验与教训。 第二部分：西方现代音乐思潮的引进与本土化试验 伴随国际文化交流的恢复与深入，西方20世纪前卫音乐思潮如序列主义、偶然音乐、电子音乐等，开始在中国音乐学院和前沿作曲家群体中引起关注。 1. 和声语言的拓展与新调式探索： 本章聚焦于作曲家们如何吸收和消化了十二音体系、音高集合理论等概念。我们观察到，早期的尝试往往是“嫁接”而非“融合”，即在既有的民族音乐框架内，引入某些和声的“色彩性”或“结构性”元素。重点分析了“新五声性”、“复调织体中的非功能性音响”等概念的实践，这些实践试图打破传统调性束缚，为表达复杂的情感和宏大的主题寻找新的声响工具。 2. 电子音乐与声场构建的萌芽： 在技术条件极为有限的情况下，中国音乐家开始了对电子合成与录音技术在音乐创作中的早期探索。我们详细介绍了那些通过磁带剪辑、声频处理和简单的模拟合成器，试图构建“非传统声场”的先驱性尝试。这些工作虽然受限于设备和技术积累，但它们为后来的数字音乐和多媒体艺术的兴起奠定了思想基础，体现了对声音本体和空间感的全新认知。 3. 室内乐的结构重塑与极简主义的影响： 室内乐作为作曲家进行纯粹音乐语言实验的“实验室”，在本阶段显得尤为活跃。我们分析了少数在当时尝试运用结构主义手法（如模块化、片段化处理）的室内乐作品，以及部分受到极简主义影响的作品中对“时间性”和“重复性”的关注。这些作品往往是对传统曲式结构的一种解构，旨在探索音乐中除了旋律、和声之外，节奏和音色本身的叙事潜力。 第三部分：音乐与视觉艺术的交汇点：舞台、影视与观念艺术 音乐的社会功能在这一时期被极大地拓宽，它不再仅仅是独立的艺术欣赏对象，而是成为服务于宏大叙事和个体表达的重要媒介。 1. 舞台艺术中的音乐角色： 本书考察了在大型舞台艺术（如舞蹈剧场、音乐剧的早期形态）中，音乐如何被用作构建情境、烘托气氛、推动情节的关键元素。分析了编剧、编导与作曲家之间在“音乐如何服务于动作”、“动作如何引导音乐展开”等层面的创作互动机制。 2. 纪录片与叙事性配乐的成熟： 伴随纪录片制作数量的增加，专业配乐的需求也随之提高。我们探讨了配乐师如何在有限的音乐资源和技术条件下，通过精妙的配器、主题动机的运用以及对画面节奏的精准把握，创造出具有强大感染力的叙事音乐。这部分强调了音乐在影像构建“历史感”与“情感深度”中的不可替代性。 3. 音乐教育体系的改革与新一代人才的培养： 最后，本书将视角投向了音乐教育体系。系统性地分析了在这一时期，高等音乐院校的课程设置、教学理念如何逐步向西方现代音乐理论靠拢，同时如何试图在人才培养中强化本土文化根基。这种教育上的变革，是驱动上述所有音乐创新的根本动力。 结语：迈向多元化的未来 20世纪后半叶的中国音乐，是一部充满矛盾、探索与积累的史诗。它在传统与现代、本土与外来、政治需求与个体表达之间反复拉扯，最终完成了一次深刻的自我蜕变。本书旨在通过对这些宏观流变和微观试验的梳理，呈现一个更为立体、更具张力的艺术图景，为理解当代中国音乐的复杂生态提供坚实的学术基础。

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这张唱片最让我印象深刻的，是它在情绪张力上的拿捏。它不像许多电影原声带那样，只是简单地配合剧情推进而起伏，它似乎拥有独立的生命力。某些段落的悠长和停顿，那种慢到仿佛时间凝固的乐句，比任何激烈的冲突更能让人感到窒息。我常常好奇，陈其钢在构思这些旋律时，是如何精确捕捉到那种“欲言又止”的东方含蓄美的？它不是那种直白的宣泄，而是一种层层包裹、最终才能触及的内核情感。对于那些习惯了快节奏流行乐的听众来说，可能需要静下心来细细品味，但一旦沉浸其中，你会发现它提供的精神满足感是多么的深厚和持久，值得反复咀嚼。

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老实说，我最初购买这张CD是冲着“芭蕾舞剧”这个名头去的，想看看陈其钢如何将一个如此具有中国古典叙事气质的故事，用西方的古典音乐语汇重新诠释。听完后，我发现它在交响乐团的运用上，展现出一种令人惊艳的平衡感。它既没有完全倒向西方现代派的生硬和晦涩，也没有流于简单的民族元素点缀。那些打击乐器的运用，特别是对中国传统戏曲中那种节奏的提炼和放大，处理得极为高明，既保持了现代音乐的张力，又找到了与原剧精神的契合点。我常常在夜深人静时播放，闭上眼睛，那些复杂的和声线条在我脑海中构建起了一个宏大而又精妙的建筑结构，每一个音符都像是经过精确计算的砖瓦，共同支撑起这个悲剧的殿堂。

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对于热衷于研究当代中国音乐创作的乐迷来说，这张选段录音绝对是一部里程碑式的作品。它成功地证明了，中国的当代作曲家完全有能力在全球音乐的语境下，创作出既具有民族地域特色，又在音乐结构和技术上达到国际一流水准的作品。我反复聆听那些充满着不和谐音程和复杂节奏的段落，从中感受到的是一种挑战与突破。它不像传统的中国音乐那样依赖五声音阶的和谐美感，而是大胆地引入了现代和声语言来表达现代人的困境。这不仅仅是一张舞剧配乐CD，它更像是一本关于当代中国音乐语言如何转型的教科书式的范例，非常具有研究价值和收藏价值。

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这部专辑的选曲，从我第一次听到那个熟悉的旋律起，就有一种强烈的画面感扑面而来。它不仅仅是音乐的堆砌，更像是一部无声电影的配乐，将张艺谋原著中那种压抑、华丽而又充满宿命感的氛围，通过陈其钢的管弦乐编织得淋漓尽致。特别是那些铜管乐器的爆发，总是在最关键的戏剧冲突点上，如同烈火般燃烧，瞬间将听者带入那个深宅大院里暗流涌动的权力斗争之中。我尤其喜欢其中几段弦乐的处理，那种细密、幽怨的拉奏，仿佛是那些笼中鸟的叹息，既凄美又充满着不甘。听着这些片段，我仿佛能看到那些红色的灯笼在风中摇曳，映照着人物复杂的内心世界，那种中国传统美学和现代悲剧精神的结合，处理得非常到位，让人在享受音乐的同时，也深思着其中的文化意涵。

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我对比了几个不同版本的录音，这张CD的混音和母带处理水平绝对是顶级的。音场的宽度和深度都做得非常出色，即便是用普通的耳机聆听，也能清晰分辨出不同乐器组的位置，例如低音提琴的浑厚、圆号的温暖以及木管组灵动的色彩变化。特别值得称赞的是，即使在全乐队齐奏，力度达到最强时，那些精妙的对位声部依然保持着极高的清晰度，没有产生任何的混浊感，这在处理大型交响作品时是极其困难的。这使得听众能够真正体验到，一个作曲家如何利用交响乐团这个“巨型乐器”，去描绘出那样一个充满张力与禁锢的戏剧世界。

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美妙的声音啊

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