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出版者:人民音乐出版社

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页数:0

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出版时间:2004-07-01

价格:3.7

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isbn号码:9787103025208

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• 中学音乐
• 音乐教材
• 九年级音乐
• 基础乐理
• 音乐欣赏
• 合唱
• 独唱
• 乐器演奏
• 音乐实践
• 课程标准

《弦音律动：西方古典音乐导赏》 导言：开启听觉的殿堂之门 本书旨在为广大音乐爱好者，特别是对西方古典音乐抱有浓厚兴趣，但缺乏系统知识的读者，提供一份全面而深入的入门指南。我们深知，面对浩如烟海的古典音乐作品与复杂的人物生平，初学者往往感到无从下手。《弦音律动》力求打破这种壁垒，以清晰的脉络、生动的叙述和详实的案例分析，带领读者循序渐进地领略西方古典音乐的恢宏气象与细腻情感。本书不追求晦涩的专业术语，而是侧重于培养读者的“听觉素养”和“审美感知力”，让音乐不再是遥不可及的艺术殿堂，而是触手可及的精神财富。 第一部分：历史的洪流——西方音乐的演进轨迹 本部分将追溯西方音乐自中世纪萌芽至今，历经数个世纪的变革与发展，形成清晰的时代划分。 第一章：中世纪与文艺复兴的曙光（约500年—1600年） 格里高利圣咏的肃穆与早期复调的探索： 简述中世纪教会音乐的统治地位，以及奥尔加农等早期复调形式的出现，为后世和声学奠定基础。 文艺复兴的人文光辉： 重点介绍复调音乐的成熟，如经文歌和弥撒曲的完美融合，以及世俗音乐（如牧歌）的兴起。探讨若斯坎、帕莱斯特里那等大师的贡献，着重分析其作品中追求的平衡与和谐之美。 第二章：巴洛克的辉煌与激情（约1600年—1750年） 巴洛克时期是西方音乐史上一个充满戏剧性与装饰性的时代。 歌剧的诞生与发展： 详细解析早期歌剧（如蒙特威尔第的作品）的结构、宣叙调与咏叹调的区分，以及其对戏剧表现力的追求。 器乐的独立与赋格的精妙： 深入探讨协奏曲、奏鸣曲、组曲等器乐体裁的成熟。将重点分析巴赫的对位法艺术，特别是《平均律钢琴曲集》和《赋格的艺术》中展示的逻辑严密与情感深邃的完美统一。同时，介绍亨德尔的清唱剧对公众艺术的影响力。 第三章：古典主义的理性与典雅（约1750年—1820年） 这一时期的音乐追求清晰的结构、和谐的比例和内敛的情感表达，是西方音乐形式发展的高峰。 奏鸣曲式与交响曲的定型： 详细拆解奏鸣曲式的呈示部、展开部、再现部的内在逻辑，解释海顿如何被称为“交响曲之父”，以及他如何完善了这一宏大体裁。 维也纳古典乐派的“三巨头”： 深入剖析莫扎特作品中无与伦比的旋律天赋与结构完美，以及贝多芬如何作为承上启下的巨人，在其晚期作品中开始注入强烈的个人意志和浪漫主义的先声。 第四章：浪漫主义的狂想与个性（约1820年—1910年） 随着社会思潮的变革，音乐的焦点从“形式”转向“情感”和“个人体验”。 钢琴的黄金时代与艺术歌曲（Lied）： 探讨肖邦对钢琴技巧和表现力的革新，舒伯特、舒曼在艺术歌曲中如何通过音乐捕捉诗歌的精髓。 交响诗与民族乐派的崛起： 分析李斯特的交响诗如何打破传统交响曲的界限，以标题音乐叙事。介绍德彪西、瓦格涅等作曲家对和声和音色的革命性探索，以及俄罗斯五人组等民族乐派对本土文化元素的挖掘。 第五章：二十世纪的多元探索与后现代的回响（1910年至今） 这是一个充满实验、冲突与并存的时代。 印象主义、表现主义与无调性： 解析德彪西对色彩的捕捉、勋伯格十二音体系的建立，以及斯特拉文斯基《春之祭》带来的音乐革命。 极简主义与电子音乐的渗透： 讨论新古典主义的回溯，以及极简主义（如赖希）对重复与时间感知的挑战，探讨电子音乐如何成为当代古典音乐表达的重要组成部分。 第二部分：聆听的艺术——体裁与乐器的透视 本部分专注于帮助读者识别和理解主要的音乐体裁及其所依赖的乐器群。 第六章：管弦乐的色彩魔术 交响曲的结构与功能： 以贝多芬第五或德沃夏克“新世界”交响曲为例，解析不同乐章的特点（快板、慢板、谐谑曲、终曲）。 协奏曲的对话与张力： 区分协奏曲中独奏乐器与乐队之间的“竞争”与“合作”，特别是小提琴、钢琴协奏曲的特点。 管弦乐队的家族构成： 详细介绍弦乐组、木管组、铜管组、打击乐组各自的音色特点、演奏功能及在不同时代的功能变化。 第七章：键盘上的宇宙 钢琴的独奏体裁： 探讨奏鸣曲、变奏曲、圆舞曲、练习曲等在展现钢琴表现力上的差异。 管风琴的庄严： 简述管风琴的结构特性，以及其在巴赫宗教音乐中的核心地位。 第八章：人声的极致表达——歌剧与清唱剧 歌剧的“舞台语言”： 剖析歌剧的要素（咏叹调、宣叙调、合唱、序曲），并以莫扎特的《费加罗的婚礼》或威尔第的《茶花女》为例，解析其戏剧冲突是如何通过音乐推动的。 合唱音乐的力量： 区分清唱剧、弥撒曲与安魂曲的内在联系与区别，理解人声合唱在营造宗教氛围或史诗场面中的作用。 第三部分：深度欣赏与实践指南 本部分提供工具和方法，将理论知识转化为实际的聆听体验。 第九章：解析动机与主题的生命力 辨识“主题”： 教授读者如何抓住乐曲开头的核心旋律片段（主题动机）。 发展与转调的魔力： 解释作曲家如何通过模仿、倒影、扩大、压缩等手法，使一个简单的动机贯穿整部作品，从而产生统一感和发展感。 第十章：音乐会礼仪与资源导航 如何准备一次聆听： 强调在聆听前了解背景信息（作曲家、创作时代、体裁）的重要性。 现场体验指南： 介绍古典音乐会的流程、基本的礼仪规范（如何时鼓掌），以确保获得最佳的现场体验。 推荐曲目清单： 根据不同情绪和场景，提供一份精心挑选的、覆盖各个历史时期的“必听”曲目列表，引导读者进行自主探索。 结语：与经典对话，丰富生命体验 本书的最终目的，是激发读者将古典音乐融入日常生活，将其视为一种理解人性、历史与美学的独特视角。通过这些历史的脉络、结构的解析和对乐器音色的敏感捕捉，读者将能够更深刻地体会到，那些穿越时空的音符所蕴含的永恒价值。

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说实话，我抱着相当怀疑的态度拿起了这本《中学音乐三》，毕竟市面上音乐教材汗牛充栋，大多不过是换汤不换药的陈词滥调。然而，翻开前几页我就发现自己错了。这本书最让我惊喜的是它对“实践性”的强调。它不仅仅是让你“知道”音乐是什么，更重要的是教你如何“做到”音乐。比如，在介绍和声学基础时，教材没有止步于给出规则，而是设计了大量的“即兴创作小练习”和“和弦连接尝试”，要求学生动手去听、去感受音与音之间微妙的张力与和谐。这种“做中学”的理念贯穿始终，从简单的节奏模仿到复杂的视唱练耳训练，都设计得非常巧妙，既有挑战性，又不会让人产生挫败感。我特别喜欢其中关于“音乐审美培养”的那一章，它没有用空泛的理论去灌输“高雅”，而是通过对比分析流行音乐与古典音乐的结构差异，引导我们去理解“好听”背后的深层逻辑，这种尊重学生现有音乐经验的做法，非常人性化。这本书就像一位循循善诱的良师，它在我的手中，变成了一个充满探索乐趣的工具箱，而不是冰冷的知识储存器。

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这本《中学音乐三》的封面设计真是让人眼前一亮，色彩搭配既富有活力又不失沉稳，透露出一种对音乐艺术的敬畏与热爱。初次翻阅，我立刻被它清晰的目录结构所吸引。章节安排逻辑性极强，从基础乐理的夯实，到中外名曲的鉴赏，再到合唱与器乐实践的指导，每一步都像是精心铺设的阶梯，引导着学习者循序渐进地攀登音乐的高峰。尤其值得称赞的是，书中对不同历史时期音乐风格的介绍，绝非简单的罗列事实，而是结合了当时社会背景和作曲家心路历程的深度剖析，使得枯燥的知识点瞬间变得生动有趣起来。例如，对巴洛克时期复调音乐复杂结构的讲解，配上了细致入微的声部线条图示，即便是初学者也能大致把握其精妙之处。而且，书中的插图和乐谱排版质量极高，墨迹清晰，行距适宜，即便是长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。可以说，这本教材在视觉传达和知识组织上，达到了教科书应有的高水准。我期待着用接下来的时间，带着它一起深入探索那些宏伟的音乐世界，我相信它会成为我中学阶段最得力的音乐伙伴。

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我必须得说，这本书在对音乐史的叙述上，展现了一种非常细腻和人性化的笔触。许多同类教材在讲到历史时，无非是年份、人物、作品名称的机械堆砌，读起来昏昏欲睡。但《中学音乐三》似乎更像是在讲述一系列精彩的故事。它没有将作曲家塑造成遥不可及的天才，而是将他们放在特定的历史洪流中，展现他们的挣扎、创新与突破。比如，讲述贝多芬如何克服耳聋的困境进行创作时，那种文字的力量感和情感的冲击力，让人在课本面前也忍不住动容。此外，书中对不同地域音乐文化差异的比较分析也做得十分到位，它鼓励我们以一种开放和包容的心态去接纳多样的艺术表达形式。这对于培养学生的全球视野和文化素养，无疑是至关重要的。我感觉自己不仅仅是在学习音乐知识，更是在进行一场跨越时空的文化对话。这本书的价值，已经超越了单纯的音乐学科本身，它在潜移默化中塑造着我们对世界的理解方式。

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这本书的装帧设计，坦白说，是那种很“耐看”的类型，没有花里胡哨的装饰，但透着一股子沉淀下来的专业感。我主要关注的是它的内容广度与深度是否能匹配“中学”这个阶段的需求。我认为它在这方面做得非常平衡。它没有盲目追求高深莫测的大学理论，而是紧密围绕着青少年的认知特点来展开。例如，在介绍中国民族音乐时，它选择了那些学生相对熟悉的戏曲选段或民歌作为切入点，然后逐步深入到五声调式的奥秘，这种“从已知到未知”的过渡处理得非常流畅自然。更难得的是，它还融入了现代音乐的元素，比如对电影配乐的基本构成和作用的探讨，这立刻拉近了与当代中学生之间的距离。这让音乐学习不再是脱离现实的象牙塔活动，而是与我们日常生活息息相关的一部分。读完这些章节，我感觉自己对身边的声音世界都有了更敏锐的洞察力，不再是简单地“听”，而是开始“解构”和“欣赏”了。这本教材，真正做到了普及与提高的统一。

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作为一名对教学方法有一定要求的学习者，我尤其关注教材在引导互动和反馈机制上的设计。《中学音乐三》在这方面的用心程度，让我印象深刻。它在每单元的末尾都设置了“反思与延伸”环节，这些问题往往不是封闭式的标准答案，而是开放性的讨论题，鼓励学生进行批判性思考和小组合作。例如，要求学生比较两个不同时代对同一主题（如“爱国”）的音乐表达方式，这极大地激发了课堂讨论的深度。同时，书中对视唱练耳的练习曲目选择也很有考量，它们大多选取自教材中已经学过的乐曲片段或改编版本，使得视听训练与理论学习能够形成有效的闭环反馈，极大地提高了学习效率。这本书没有让学习成为一种单向的信息输入，而是构建了一个完整的、自我完善的学习生态系统。它让你感到，学习音乐是一个主动建构知识、不断修正理解的过程，这种主动性是真正掌握一门艺术的关键所在。总而言之，这是一本设计精良、目标明确的优秀教材。

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