侯宝林相声表演艺术4片套装(VCD) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版时间:1900-01-01

价格:57.0

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isbn号码:9789999997102

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• 侯宝林
• 相声
• 表演艺术
• VCD
• 喜剧
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京韵流芳：二十世纪中国曲艺的辉煌足迹 本书旨在系统梳理和深入剖析二十世纪中国曲艺艺术，特别是相声、评书、大鼓等传统曲种，在新旧交替的历史洪流中所展现出的蓬勃生命力与深刻的时代烙印。这不是一部聚焦于单一艺术家或某一套特定表演形式的资料汇编，而是从更宏大的历史、社会和艺术流变的角度，构建起一幅二十世纪中国曲艺的立体画卷。 第一部分：萌芽与奠基——民国时期的曲艺生态 本部分聚焦于上世纪初至解放战争前夕的曲艺发展。彼时，伴随着城市化进程的加速和娱乐需求的增长，以茶馆、园子为主要载体的曲艺迎来了第一个“黄金时代”。我们将详细考察天津、北京、上海三大曲艺重镇的各自特色。 在天津，以“谦德林”“劝业场”为代表的园子，如何成为相声艺术的熔炉，孕育出早期的“文哏”与“武哏”的风格分野。重点分析如“三大贤”（张寿臣、周德山、白全福等）的艺术手法，他们如何将民间俚语、生活观察，通过精巧的结构和节奏感融入到对口或单口表演中。材料将细致展现早期相声脚本的结构特点，如垫话、贯口、活引子等基本功的雏形。 在北方，评书艺术依然占据重要地位。本章将深入探讨“说书”这一门类，如何从街头巷尾的“撂地”表演，逐步走向室内剧场。重点分析如“说新公案”“三国评书”等大套路在不同艺术家的手中呈现的差异。对比不同流派的“说、学、逗、唱”四门功课的侧重点，例如“武松”故事中对环境氛围的渲染，与“刘墉”故事中对时政讽喻的把握。 此外，本书还将探讨这一时期，曲艺与当时新兴的通俗文学、小报文化之间的相互渗透。曲艺艺人如何捕捉社会热点，将时事评论巧妙地融入到传统段子中，形成一种独特的“民间新闻广播”功能。 第二部分：战火与新生——曲艺的社会责任与转型 二十世纪三四十年代，中国的社会动荡对曲艺产生了深刻影响。这一部分着重考察曲艺艺人在民族危亡之际所肩负的社会责任。 我们将梳理相声、评书等艺术形式如何在抗战时期，从单纯的娱乐消遣，转变为宣传抗日救亡思想的有力工具。分析艺人们如何利用自身的群众基础和语言优势，创作出具有强烈爱国主义色彩的新段子。例如，一些艺人如何巧妙地借用传统神话或历史故事，影射现实，鼓舞人心。 解放战争结束后，曲艺进入了一个重塑自我的时期。新成立的文艺团体为曲艺的规范化、专业化提供了平台。本章将探讨曲艺如何开始“上台”——即从茶馆的松散结构，向剧场化的、更注重整体艺术效果的舞台表演转变。对传统“活儿”的整理、挖掘和修订工作，是这一时期的核心任务。例如，一批老艺人如何花费大量心血，将那些因时代变迁而显得陈旧或不合时宜的段子进行现代化改造，使其内容更贴近新时代人民群众的精神需求。 第三部分：高峰与探索——新中国成立后的艺术创新 新中国成立后，曲艺迎来了国家层面的扶持与引导，艺术形式得到了前所未有的发展，但也面临着如何在新理论指导下进行创新的挑战。 本部分将详尽分析相声艺术在这一时期的面貌。如何将马克思主义文艺观融入到相声的创作与表演中，是当时艺术家的主要议题。重点分析“新相声”的创作路径，包括如何围绕国家建设主题、劳动模范事迹等创作全新题材。这一时期的相声，对“包袱”的结构、材料的选择，以及演员的台风、身份认同等方面，都提出了更高的要求。我们将通过对代表性作品的文本分析，展示其在批判性、教育性和娱乐性之间的精妙平衡。 评书艺术同样经历了深刻的变革。传统“侠义公案”的叙事模式，如何与“现代题材”的创作相结合？本书将考察评书演员如何将目光投向工厂、农村、科研一线，用说书的传统腔调讲述“新故事”。分析“说、学、逗、唱”中“学”的部分，如何吸收戏曲、曲艺其他门类的精华，形成更加丰富的表演语汇。 第四部分：曲艺的传承与时代的回响 本卷的最后一部分，将目光投向二十世纪后半叶，探讨曲艺在社会思潮变动中的韧性与适应性。我们将关注老一辈艺术家如何薪火相传，将技艺传授给年轻一代，确保曲艺血脉的延续。 本书强调的不是某一个艺术家的巅峰时刻，而是整个曲艺“生态圈”在不同历史阶段所做出的集体回应。从早期的街头俚语到后期的舞台规范，从民间自发娱乐到国家艺术体系的培养，二十世纪的中国曲艺是一部充满张力、不断自我超越的艺术史诗。它记录了语言的生命力，反映了民间智慧的深度，更折射出一个古老国度在剧烈变革中的文化脉搏。通过对大量文本、回忆录及历史资料的交叉比对，本书力求还原一个完整、鲜活、充满细节的二十世纪中国曲艺图景。

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这套“侯宝林相声表演艺术4片套装(VCD)”的收藏价值简直是无价之宝！我拿到手的时候，光是那精美的包装就让人眼前一亮，充满了老一辈艺术家的那种质朴和沉稳。里面的内容，更是让人仿佛穿越回了那个黄金年代。我最欣赏的是他对传统段子那种“化腐朽为神奇”的改编能力。举个例子吧，像《戏剧与方言》这样的作品，别人说就是抖机灵，但侯先生一讲，就不仅仅是字面上的对比，他能把不同地域的语言习惯、人物性格用最精妙的腔调和肢体语言表现出来，那种“说学逗唱”的功力，真不是现在年轻演员能轻易模仿的。尤其欣赏他在“说”上的把握，那种不紧不慢、字斟句酌的感觉，每一个字都像是精心雕琢过的宝石，你得仔细听，才能体会到其中的韵味。看完第一张碟，我就忍不住去翻阅了一些关于相声理论的书籍，想探究他那看似信手拈来，实则暗藏玄机的表演体系。对于真正想深入了解中国曲艺艺术的爱好者来说，这简直是一部活生生的教科书，而不是简单的娱乐光盘。

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我是一个对曲艺史有些研究的业余爱好者，坦白说，市面上关于侯先生的资料很多，但大多是文字记载，缺乏直观的感受。这套VCD的出现，可以说是弥补了这一巨大的空白。我花了整整一个周末，一口气看完了前两张碟，最大的震撼来自于他对“说学逗唱”中“逗”的理解。侯先生的“逗”是高级的，是建立在深厚文化底蕴之上的，绝非低俗的插科打诨。你看他在某些段子中对社会现象的讽刺，那种温和而有力的批判，让你在哈哈大笑之余，不由得反思。比如他对“官僚主义”的讽刺，用的都是百姓都能理解的日常场景，但讽刺的力度却是穿透人心的。而且，VCD的画质虽然受限于载体，但记录下的那种舞台气氛、观众的即时反应，是再高清的录像都无法复制的。那种剧场里此起彼伏的笑声和掌声，让你真切感受到一个艺术大师的现场魅力。我特别留意了他和搭档之间的配合，那种默契简直是心有灵犀一点通，每一个眼神、每一个停顿都像是事先排练了无数次，却又自然得像是生活本身。

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我最近在准备一次面向大学新生的曲艺入门讲座，这套“侯宝林相声表演艺术4片套装(VCD)”直接成了我的核心参考资料。我特意选取了其中关于“贯口”和“说柳活儿”的片段给学生看。侯先生的贯口，速度固然惊人，但更难得的是，他每个字的发音都是清晰、饱满、有弹性的，绝不是为了快而快。这和现在一些追求“炫技”的表演形成了鲜明的对比。而柳活部分，他处理得极其细腻，即便是模仿不专业的唱腔，也带着一种幽默的尊重，而不是嘲弄。这套碟片让我找到了最好的案例来诠释“分寸感”这个词——在艺术创作中，什么时候该收、什么时候该放，侯先生拿捏得炉火纯青。对于学习表演艺术的学生来说，这套碟片比厚厚的理论书本更有说服力，它直观地展示了如何将理论融入到舞台实践中，形成自己独特的风格体系。

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作为一个已经步入中年的老观众，我最怀念的还是侯先生作品里那种浓郁的“京味儿”和“文人气质”。这套VCD重温的体验，就像是冬日里喝了一碗热腾腾的八宝粥，暖心又踏实。我注意到，在一些表现市井生活的段子里，侯先生的语言是极其生活化的，充满了老北京的俚语和歇后语，这些用词的精准和恰到好处，让人感觉他就是那个胡同里走出来的老先生，而不是舞台上的表演者。而且，这套碟片似乎收录了不少相对不那么常见的“冷门”段子，这对于像我这样听过他很多经典作品的观众来说，简直是意外的惊喜。我尤其喜欢他处理人物时的那种“到位而不出格”的表演方式，他演的是社会百态，最终却回归到对美好人性的歌颂。这套VCD，不光是艺术品的收藏，更是一次对特定时代文化精神的回溯和致敬。

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说实话，我本来是抱着“情怀消费”的心态买的，毕竟现在VCD这种载体已经很老旧了，担心效果会很差。没想到，这套碟片的修复和整理工作做得相当到位。我最喜欢其中关于“学”的部分，侯先生对京剧、评剧乃至地方戏曲的模仿，绝不仅仅是皮毛，而是抓住了不同剧种最核心的“腔调”和“做派”。他能在一个相声段子里，瞬间切换几种不同的唱腔，而且切换之间衔接得天衣无缝，既保持了喜剧效果，又展现了他深厚的戏曲功底。这让我意识到，相声演员的底子有多重要。现在的很多相声演员，似乎更侧重于网络热词和时效性段子，而侯先生的作品，经过几十年的时间检验，依然让人百看不厌，其中的“生命力”就在于他作品里蕴含的永恒人性与文化价值。这套碟片让我对“艺术的保鲜期”有了全新的认识，真正的经典，永远不会过时。

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