二胡演艺知识500问

二胡演艺知识500问 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:人民音乐出版社
作者:赵寒阳
出品人:
页数:260
译者:
出版时间:2005-1
价格:16.00元
装帧:简裝本
isbn号码:9787103028957
丛书系列:
图书标签:
  • 二胡
  • 民族乐器
  • 演奏技巧
  • 乐理知识
  • 音乐教学
  • 入门指南
  • 常见问题
  • 艺术修养
  • 音乐文化
  • 二胡学习
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具体描述

儿时最爱读的一本书就是《十万个为什么》,它以问答的形式、通俗的语方,在儿童们的心中开启了一扇自然科学之门。在我的二胡教学中,学生们也会提出各种各样的问题,有些问题是常识性的,有些问题却也值得我认真思考的——俗话说“教学相长”吗。所以我一直想,在一般演奏教程与练曲集之外,能否再为二胡写一本辅助学习的、问答式的书,一方面满足善于探究的读者们的学习需要,另一方面也总结一下自己的对二胡的思考。也许是溟濛中的缘分,一次与人民音乐出版社资深编辑张辉老师偶然间的攀谈,使我们二人均有不谋而合的感触——他提出要我编写一本二胡学习中所出现的问题具有针对性的、操作简便易行的“教辅”图书,无疑这是对我已有想法的极大鼓励,所以就愉快地答应了下来,应该说二胡音乐世界就像地垠的大海一样,其包含的方方面面岂能是区区500问就能说得清楚的呢!因此,这本《二胡演艺知识500问》其实不过就是一块:“引玉之砖”而已。

弦音探秘:中国传统乐器独奏艺术的理论与实践 一册深度解析中国传统音乐核心乐器演奏技巧、历史传承与当代演绎的权威指南 本书并非聚焦于二胡这一特定乐器,而是将视野拓展至整个中国传统音乐器乐独奏的广阔领域。它旨在为所有对中国民族管弦乐怀有浓厚兴趣的学习者、演奏家、教育工作者乃至音乐爱好者,提供一套系统、深入且富有启发性的理论与实践框架。全书以严谨的学术态度结合丰富的实践经验,从宏观的音乐哲学到微观的演奏技法,层层递进,构建起一座连接传统与现代的艺术桥梁。 第一部分:民族管弦乐的哲学基石与历史脉络 本部分首先确立了研究的理论基础,探讨中国传统音乐的核心美学观——“意境”、“气韵”与“声韵”。我们深入剖析了古代乐论对“中正平和”与“自然天成”的追求,如何体现在器乐的结构与表现力之中。 乐器家族的谱系学考察: 详细梳理了如古琴、琵琶、笛箫、扬琴等主要独奏乐器在不同历史时期的形制演变、材料革新及其对音色特性产生的根本性影响。例如,对丝弦到尼龙弦的转变如何重塑了琵琶的颗粒感和张力,以及竹材的产地与处理工艺对笛子音色的微妙调控。 流派传承与地域风格: 通过对南北派别、文人音乐与民间音乐的对比分析,揭示地域文化(如江南丝竹、北方鼓吹、四川清音)如何塑造了器乐演奏的独特审美取向和指法习惯。对于每种主流乐器的代表性曲目,进行文本考证与音乐形态学的解析,探究其从产生到成熟过程中的社会背景。 记谱法与文献研究: 探讨中国传统音乐记谱法的复杂性,包括工尺谱、减字谱等古代记谱法对后世演奏理解的挑战与启示。我们精选了数份重要的早期器乐文献(如《神奇秘谱》或《太古遗音》中的部分篇章),进行现代解读,以期还原古人的演奏状态和审美趣味。 第二部分:核心独奏乐器的技法深度解析 本部分是本书的技术核心,摒弃对单一乐器的局限,选取了数种代表性独奏乐器(如古琴的“指法”系统、琵琶的“轮扫”技术、笛子的“气息”控制、板胡的“靠弦”技巧等),进行跨乐器横向的比较研究。 气息的驾驭与发声学原理: 探讨不同乐器(吹管乐器与拉弦乐器)在如何构建稳定、饱满且富于色彩的“气”的运用。针对吹管乐器,详述循环换气在长乐句中的应用与挑战;针对拉弦乐器,剖析弓法与弦位的微妙关系,如何实现音色的“歌唱性”。 指法与触键的控制美学: 深入剖析不同乐器的指法系统。以拨弦乐器为例,分析“实音”与“虚音”的对比运用,以及通过指甲形状和按弦力度对音色颗粒的精细雕琢。对于键盘类乐器(如扬琴),则侧重于槌头的材质选择、击打角度与力度分布对泛音和共鸣的影响。 装饰音与韵味的营造: 中国传统音乐的“韵味”很大程度上依赖于装饰音的运用。本书系统分类了揉弦、滑音、颤音、倚音等技巧,并分析了不同流派如何赋予这些装饰音不同的情感色彩和速度要求,如何避免机械化,实现“神似”而非“形似”。 第三部分:作品的诠释与当代演绎的挑战 艺术的生命在于传承与发展。第三部分关注如何将传统技法应用于具体的音乐作品,并应对现代音乐环境带来的挑战。 结构分析与情绪铺陈: 以几部经典的传统独奏曲(例如,假设的《月夜》、《春江花月夜》的某个变奏或《苏南行板》等)为例,进行逐段的结构解构。分析作曲家或民间艺人是如何通过速度的渐变、力度的起伏,构建出完整的叙事性或意境氛围。 速度、弹性与节奏自由度: 探讨中国传统音乐中“慢板”的哲学意义,即非固定节拍下的自由弹性处理。分析演奏者如何在遵循核心节奏框架的前提下,运用如“散板”、“自由节奏”等手法,增强音乐的呼吸感和口语化表达。 舞台呈现与听觉体验的优化: 面对现代大型音乐厅和扩音设备,传统独奏乐器如何保持其原有的音色纯净度和亲近感?讨论在不失古韵的前提下,对音量控制、乐器调性选择(如小工调、清太平调等)的现代适应性调整。 跨界与融合的可能性: 探讨传统独奏艺术在与西方交响乐、爵士乐等领域进行合作时的机遇与陷阱。强调在借鉴现代和声、复调手法的过程中,如何坚守中国音乐自身独特的逻辑,避免“西化”和“肤浅化”。 结语:面向未来的演奏家 本书倡导的不仅仅是技巧的掌握,更是对音乐背后文化精神的深刻理解。它激励读者以敬畏之心对待历史遗产,同时以创新的勇气探索传统乐器在二十一世纪的无限可能。阅读本书,即是踏上了一条对中国器乐艺术进行全面、深入、立体探索的求索之路。

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读后感

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用户评价

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这本书的整体厚度让人望而生畏,但翻开后才发现,这种“厚重感”更多来源于其内容的广博而非注水的冗余。我惊喜地发现,它在各个侧面都进行了非常细致的拓宽和延伸。例如,它对某些技术细节的处理,那种深入骨髓的剖析程度,远超我预期的范围。同时,它在涉及历史背景和文化传承的部分,也展现出了令人信服的扎实研究基础,这些补充信息极大地丰富了知识的维度。这本书似乎致力于构建一个全面的知识生态系统,而不只是停留在表面的信息罗列。这种百科全书式的全面性,确保了读者在其中能够找到几乎所有可能遇到的疑惑的答案,其广度令人印象深刻。

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在使用这本书的过程中,我深切体会到了一种被尊重的感觉。这绝非一本冷冰冰的教科书,而是真正为学习者着想的伙伴。我特别留意了它在引用或解释某些复杂概念时的处理方式,那种提供多种视角、不强加唯一答案的态度,体现了极高的学术包容性。而且,书中的排版设计非常注重读者的体验,行距、字号的搭配都经过了科学的考量,即使是对于视力不太好的读者,长时间阅读也不会感到负担。这种对细节的执着,最终汇聚成了卓越的阅读体验,它不仅仅是一本提供知识的工具,更像是一份精心准备的学习地图,引导着每位学习者高效且愉悦地前行。

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初次翻阅这本书的目录结构,我立刻被其逻辑性和系统性所折服。它似乎并非简单地罗列知识点,而是构建了一个由浅入深、层层递进的学习路径。信息的组织方式非常科学,从最基础的概念入手,逐步过渡到复杂的技巧和理论,这种编排方式极大地降低了学习的门槛。我注意到,章节之间的衔接过渡自然流畅,没有那种突兀感,仿佛有一位经验丰富的大师在旁边循循善诱。尤其值得称赞的是,它在关键知识点上的布局处理,总能在最需要深入讲解的地方给予足够的篇幅,使得读者在遇到难点时不会感到迷茫。这种精心的结构设计,无疑体现了编者深厚的学术功底和对读者需求的深刻理解,让每一次查阅都像是在进行一次结构清晰的知识探索之旅。

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我试着随机翻阅了其中的一些段落进行阅读,发现其语言风格极其平实而又充满洞察力。它没有过多使用晦涩难懂的专业术语,而是用最贴近生活的、易于理解的语言来阐释那些看似高深的理论。阅读过程中,我时常能感受到作者那份真挚的热情,仿佛作者正坐在我对面,用一种轻松愉快的语气与我交流心得。这种亲切感是很多专业书籍所缺乏的。行文的节奏把握得恰到好处,既有娓娓道来的叙述,也有干脆利落的总结,读起来一点也不觉得枯燥乏味。这种既保持了学术的严谨性,又兼顾了大众可读性的文笔,实在是非常难得,让人越读越想继续深入了解下去。

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这本书的装帧设计真是让人眼前一亮,封面的排版和色彩搭配透露出一种古典而又现代的气息,拿到手里沉甸甸的质感也让人感觉物有所值。我特别欣赏它在细节上的用心,比如内页的纸张选择,触感非常舒服,即便是长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。装帧的硬挺度也很好,确保了书籍在频繁翻阅后依然能够保持平整,这对于一本工具书来说至关重要。封面上的字体选择也很有品味,既有传统书法的韵味,又不失现代印刷的清晰度,让人在拿起书本的第一时间就对内容产生了浓厚的兴趣和期待。可以说,从物理层面上讲,这本书已经达到了一个非常高的水准,完全配得上它所承载的知识的重量。这本书的整体视觉效果,绝对是书架上的一道亮丽风景线,让人忍不住想要反复摩挲和把玩。

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