中文版Photoshop7.0图像处理基础教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:电子科技大学出版社

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页数:0

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出版时间:1900-01-01

价格:22.0

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isbn号码:9787810941907

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《数字影像的奥秘：从零开始的专业后期制作指南》 本书聚焦于当前主流专业图像处理软件（如Adobe Photoshop CC系列、Capture One Pro等）的最新功能与工作流程，旨在为读者提供一套全面、深入且紧跟行业前沿的数字影像后期制作体系。我们避开了对老旧软件版本（如Photoshop 7.0）的操作讲解，而是专注于构建符合21世纪高分辨率、高动态范围（HDR）处理需求的专业技能树。 --- 第一部分：现代影像捕获与 RAW 文件深度解析 本部分将引导读者理解现代数码相机的工作原理，重点剖析RAW（原始）图像文件的结构及其在后期工作流程中的核心地位。 1.1 高端相机成像原理与文件格式对比： 深入探讨CMOS/CCD传感器的工作机制，以及色彩深度（如12位、14位、16位）对后期宽容度的决定性影响。详细对比DNG、CR3、NEF等主流RAW格式的特性与差异。 1.2 专业级 RAW 显影工作站的搭建与优化： 区别于以往仅依赖单一软件的模式，本章侧重于利用如Adobe Camera Raw (ACR) 或 Capture One 等软件，建立高效的“数字暗房”。内容涵盖色彩空间管理（sRGB、Adobe RGB、ProPhoto RGB的实际应用场景）、镜头校正配置文件（Lens Profile）的自动与手动应用，以及如何根据不同拍摄场景（风光、人像、纪实）预设最佳的基础调整参数。 1.3 高级曝光控制与细节恢复技术： 讲解直方图的高级解读方法，特别是理解“剪影”（Clipping）与“死黑”（Crushed Blacks）的界限。重点介绍高光找回（Highlight Recovery）的非线性算法应用，以及在低光照条件下，如何利用降噪工具（如Luminance Noise Reduction）在最大程度保留纹理细节的同时，有效抑制彩色噪点。我们不涉及过时的“曲线”基础调整，而是深入探讨“色调映射”（Tone Mapping）在恢复高动态范围场景细节中的作用。 --- 第二部分：图层架构的革新与非破坏性编辑哲学 本部分彻底摒弃基于像素的破坏性编辑思维，转而构建完全可逆、可追溯的图层管理体系。 2.1 智能对象与动态链接的效能： 详细阐述智能对象（Smart Objects）的创建、嵌套与编辑流程。讲解其在保留原始图像数据、实现快速缩放和滤镜应用中的不可替代性。同时，介绍如何利用“动态链接”（Linked Assets）实现多个设计项目间素材的同步更新。 2.2 现代混合模式的深度应用： 超越基本的“正片叠底”与“滤色”，本章探讨诸如“叠加”（Overlay）、“柔光”（Soft Light）以及“线性光”（Linear Light）在实现自然光影叠加、增强对比度时的实际效果与参数控制。结合实例演示如何利用混合模式叠加不同曝光的照片以实现局部曝光校正。 2.3 蒙版的艺术：从像素到选择范围的转变： 详尽讲解图层蒙版（Layer Masks）的原理，并重点介绍高级选择工具的应用，如“主体/天空选择”、“通道选择”（Channel Blending）以及“路径工具”在复杂边缘精确抠图中的应用。本章不会复述基础的“画笔涂抹”，而是强调如何利用渐变蒙版控制调整的过渡自然度。 --- 第三部分：色彩校正的科学与艺术 色彩是图像的灵魂。本部分专注于利用先进的色彩工具实现专业级的色彩分级（Color Grading）和一致性处理。 3.1 Lab 颜色空间下的精细调色： 深入分析Lab颜色空间（亮度、红-绿、黄-蓝轴）的特性，阐述为何在特定情况下，直接在Lab模式下调整对比度和饱和度能获得比RGB模式更精准、更自然的结果。 3.2 通道混合器（Channel Mixer）的魔力： 将通道混合器提升到高级应用层面。演示如何利用它来精确控制特定颜色（如皮肤的红色或天空的蓝色）的增益和交叉污染，实现与传统“色相/饱和度”工具无法比拟的色彩分离效果，特别是在高难度色彩平衡（如校正偏色人像）中的应用。 3.3 局部调色与 LUTs 的现代应用： 讲解如何使用“可选颜色”（Selective Color）工具进行极其精细的色彩偏移调整。同时，系统介绍查找表（LUTs，Look-Up Tables）的工作原理，以及如何将第三方电影调色LUTs导入工作流程中，并结合蒙版和不透明度，实现电影级色彩分级效果。 --- 第四部分：精修与修饰的高级技术流 本部分关注于那些区分业余与专业的细节处理技巧，重点在于保持纹理的真实感和自然过渡。 4.1 皮肤修饰的无损化处理（Frequency Separation 2.0）： 详细介绍并升级“频率分离”（Frequency Separation）技术，重点在于如何处理高频细节层，确保在磨皮过程中，皮肤的毛孔和纹理信息不会被过度抹除。讲解如何利用新的模糊工具精确控制中频层的光影过渡。 4.2 锐化策略的科学选择： 对比“高反差保留”（High Pass Sharpening）与“智能锐化”（Smart Sharpen）的优劣。核心内容是根据输出媒介（印刷、高清屏幕、社交媒体）和图像内容（人像、风光）选择最佳的锐化时机和锐化半径（Radius）设定，确保在最终输出时达到最佳清晰度。 4.3 复杂对象的精确移除与重构（内容识别的局限性超越）： 超越基础的“修补工具”，本章重点讲解如何利用“仿制图章工具”的智能取样策略，结合“内容感知填充”（Content-Aware Fill）的新版算法，实现大型、复杂背景（如建筑、人群）中干扰元素的无痕移除与背景的逻辑重构。 --- 第五部分：自动化、批处理与输出优化 在快节奏的商业环境中，效率至关重要。本部分教授如何将重复性工作标准化和自动化。 5.1 动作（Actions）的录制、优化与条件触发： 不仅是录制一系列操作，更关键的是学习如何在动作中嵌入“插入暂停”（Insert Pause）命令，使其在执行过程中仍能进行人为干预（如输入文字或调整蒙版）。讲解如何利用第三方脚本插件增强动作的自动化能力。 5.2 批处理与图像序列输出： 针对需要处理大量图片的摄影师或设计师，本章演示如何利用“图像处理器”批处理工具，将预设的调整和输出规格（如尺寸、分辨率、目标文件夹）应用于整个文件夹的照片集。 5.3 针对印刷与网络的输出标准： 清晰界定打印（CMYK/300dpi/色彩配置文件）与网络（RGB/72dpi/sRGB）的输出要求。重点讲解“为Web所用”命令的高级设置，以及如何利用“软打样”（Soft Proofing）功能，精确预估最终输出成品在不同设备上的色彩表现，确保最终成品符合商业标准。 本书旨在让读者跨越软件版本的限制，掌握一套基于现代数字影像处理理念的、可持续发展的专业后期制作思维框架。

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这本书的封面设计，坦率地说，显得有些老气横秋了，那种蓝白相间的配色，配上略显粗糙的字体，让人一下子就联想到了那个年代的软件教程。我是在一个旧书店的角落里翻到它的，当时的心情是既好奇又带着一丝不信任。毕竟，都什么年代了，Photoshop早都更新了十几个版本了，买一本关于7.0的教程，图什么呢？然而，当我翻开目录时，一股莫名的亲切感袭来。它没有像现在的新书那样上来就堆砌晦涩难懂的专业术语，而是非常朴实地从“什么是像素”、“画布的建立”这种最基础的概念讲起。我记得有一章节专门讲了图层蒙版的原理，作者用了一个非常生活化的比喻，把蒙版比作“一张可以随时擦除的草稿纸”，一下子就把我这个完全的新手给说通了。现在的新教程，往往默认读者已经了解了数码图像的基础知识，直接跳到“高级混合模式的应用”，让人望而却步。这本书的价值，恰恰在于它的“慢”，它用了足够的时间，把我这个电脑小白，扎扎实实地领进了图像处理的大门。阅读过程中，我甚至能感受到那种老一辈技术作者的耐心和匠心，每一个步骤的截图都清晰可见，即便是多年后的今天，对比那些模糊不清的在线视频教程，它的直观性依然是无可替代的。

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这本书的排版和用词风格，简直像是一部充满人情味的旧杂志，而不是冷冰冰的技术手册。它的语言不是那种教科书式的干巴巴的描述，而是带着一种鼓励和引导的语气。我尤其欣赏它在讲解工具箱里的每一个小图标时所花费的心思。比如“加深工具”和“减淡工具”，现在的教程可能会用一句“用于局部提亮或压暗”就带过，然后就让你去尝试不同的曝光度设置。但这本书里，作者用了大段的文字，结合历史上的暗房技术来解释这两个工具的哲学思想，告诉你为什么要这么做，而不是仅仅告诉你“怎么做”。这种对工具背后理念的挖掘，对我后来的学习产生了深远的影响。它让我明白，Photoshop不仅仅是一堆按钮的组合，它是一门关于光影、色彩的艺术实践。书里很多案例都是围绕着修复老照片展开的，那些泛黄的、有裂痕的家庭照片，通过书中的步骤一步步被“拯救”出来，那种成就感是巨大的。它教会我的，是如何“看”一张照片，如何去理解图像的结构，而不是盲目地套用滤镜。

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说实话，这本书的内容在技术层面上已经完全过时了，但它的“结构性思维训练”价值却经久不衰。我尝试用现在的最新版PS去操作书中的练习，发现很多菜单路径都变了，有些功能甚至被整合或重命名了。这本教程无法教我如何使用最新的3D功能，也无法指导我进行复杂的非破坏性后期流程。但它非常有效地训练了我的逻辑推理能力。当作者讲解“色彩平衡”和“色相/饱和度”的区别时，他不是简单地罗列参数，而是设计了一套递进式的练习：先用色彩平衡建立大基调，再用色相/饱和度微调局部色彩倾向。这种由宏观到微观，由全局到局部的讲解顺序，形成了一种非常稳固的学习框架。现在的很多快速入门指南，为了追求速度，往往会牺牲这种逻辑上的连贯性，让学习者像在走迷宫，不知道自己在哪一步，下一步该往哪里走。这本书就像一张精确绘制的地图，虽然地图上的路牌有点旧了，但方向感绝对不会错。我甚至觉得，如果一个人能完全吃透这本书关于图层、选区和路径这三大核心概念的讲解，那么他去学习任何新版本的软件，都会感到事半功倍。

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这本书给我最大的启示是关于“效率”的重新定义。它不是一本教你如何快速做出“看起来很厉害”效果的书，而是一本教你如何“正确地”做出效果的书。在基础工具的学习部分，作者花费了大量的篇幅来强调“非破坏性编辑”的重要性，尽管当时“非破坏性”的概念还没有像今天这样普及。他反复提醒读者，尽量使用调整图层而不是直接在原始图层上操作，哪怕调整图层在后来的操作中显得冗余，也要坚持这个习惯。这种对工作流程规范的早期培养，避免了我后来在接触更专业软件时走很多弯路。现在的很多教程都在教你“套路”，比如一键磨皮、一键锐化，但当你遇到一个极其特殊的光线条件或者需要做精细的局部修复时，这些“套路”就完全失效了。这本书提供的是一套工具箱和使用说明书，它没有预设场景，而是让你根据面前的图像材料，自己去组合和应用工具。这种主动学习和解决问题的能力，才是任何软件教程最核心的价值所在。

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阅读这本书的过程，简直是一次充满怀旧气息的“考古”之旅。每一次翻页，都能感受到那个时代对软件学习的极致认真和专注。现在我们习惯了通过快捷键和鼠标滚轮的组合来操作，但这本书里，作者对“钢笔工具”的讲解，简直是教科书级别的细致。他详细描述了如何通过调整贝塞尔曲线手柄的角度和长度来精确控制锚点，甚至不厌其烦地列出了几种不同形状的拐角处理方法。在那个没有海量教程视频可以随时暂停观看的年代，作者必须把所有的细节都文字化，尽可能地消除读者的理解障碍。我记得有一页专门讨论了如何用路径来创建精确的圆形选区，作者甚至提到了在特定环境下，用键盘上的Shift键配合鼠标拖动可以实现“完美居中”的技巧，这种对细节的关注度，在现在快餐式的教学中是极其罕见的。它让我意识到，很多看起来很“酷”的精修效果，背后都是基于对这些基础工具的近乎偏执的精确操作。

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