中国古代书画图目11 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:文物出版

作者:王丽青 编

出品人:

页数:358

译者:

出版时间:2007-10

价格:280.00元

装帧:

isbn号码:9787501007721

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《宋元明清中国古代绘画艺术通鉴》 导言：跨越时空的艺术对话 本书旨在为读者提供一个全面而深入的视角，审视中国古代绘画艺术自宋代至清代近千年的发展历程与艺术成就。我们聚焦于这一时期最具代表性的流派、风格及其背后的文化思想，旨在构建一个完整的艺术史图景，而非简单的作品罗列。本书的撰写基于对大量一手文献的细致考察和对现存重要艺术品的实地研究，力求展现中国古代绘画艺术的内在逻辑与外在表现的完美统一。 第一部分：宋代——院体与文人画的奠基 宋代是中国艺术史上的黄金时代，其绘画艺术的成就尤为突出。本部分将深入剖析北宋与南宋时期绘画的两个主要脉络：宫廷画院的严谨与写实，以及文人画的兴起与精神追求。 第一章：北宋画院的盛世气象 北宋初期的画院继承了唐代的优秀传统，并在此基础上进行了革新。我们详细考察了徽宗朝达到顶峰的院体绘画，特别是其对自然物象的细致观察与描摹。重点分析了如范宽的雄伟山水、郭熙的“可游、可居、可观”的意境营造，以及李唐、刘松年等人在南渡前后对“院体”风格的过渡性贡献。 第二章：苏轼与文人画的哲学基础 文人画理论在宋代得以确立，苏轼是其思想上的巨人。本书梳理了“论画以形似为下乘”等核心观念的提出过程，并分析了米芾父子在实践中如何将书法与绘画融合，开创了“墨戏”的先河。这一章强调了文人画中“书卷气”的形成及其对后世的影响。 第二章：元代——民族精神的寄托与笔墨的独立 元代（1271-1368年）的政治变动深刻影响了艺术创作。原先在朝廷供职的画家被迫转入民间，这反而促成了文人画的独立与成熟。 第三章：元四家的艺术分野 元四家——黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙，是元代绘画的代表。本书将分别探讨四家的风格特点：黄公望的“皴法变化”、吴镇的“拙厚雄健”、倪瓒的“萧疏淡远”，以及王蒙的“茂密深厚”。我们着重分析了他们如何通过笔墨语言来表达对故国之思和隐逸情怀，使绘画成为士大夫精神的载体。 第四章：院体遗风与界画的精微 尽管文人画占据主导地位，但元代的院体画家，如钱选，依然保持了对传统技法的坚守。同时，本书也关注了如王振鹏等人在界画领域取得的精微成就，展现了元代绘画艺术的丰富性。 第三部分：明代——复古与创新的交响 明代绘画承接元代遗风，在“复古”思潮与新兴的市民文化推动下，呈现出多元化的发展态势。 第五章：“院派”的回归与浙派的勃兴 明初的“院派”绘画，如戴进、吴伟等人，试图重现宋代院体的雄健笔法，形成了具有强烈个性的“浙派”。本章分析了浙派画家如何以粗犷的笔墨表现山水和人物，并探讨了其与宫廷审美趣味的互动关系。 第六章：吴门画派的文脉传承 沈周、文徵明、唐寅、仇英组成的“吴门四家”，代表了明代中后期文人画的最高成就。我们详细比较了沈周的平淡天真、文徵明的端正典雅、唐寅的率性洒脱以及仇英的精工妍丽，分析了他们如何从元代经典中汲取营养，并注入江南的地域特色与时代精神。 第七章：晚明画坛的“个性解放” 晚明时期，随着商品经济的发展和思想的活跃，涌现出以董其昌、陈继儒为代表的松江画派。董其昌提出的“南北宗论”对后世影响深远。本章着重分析了晚明画家如何强调主观情感的表达，追求“士气”，以及他们对笔墨自身趣味性的极致探索。 第四部分：清代——集古与技法的巅峰 清代绘画承载着对前朝艺术传统的总结与梳理，同时，在新的皇权体制下，也发展出了新的艺术风貌。 第八章：正统的坚守与“四王”的集大成 康熙至乾隆时期，由王时敏、王鉴、王翚、王原祁构成的“四王”成为官方推崇的主流。本书细致梳理了他们如何博采宋元诸家之长，最终形成了一种高度程式化、强调笔墨规范的“正统”风格。我们探讨了王原祁晚年对笔墨符号的提炼及其理论意义。 第九章：个性解放的先声——“四僧”的开拓 与“四王”的复古相对，明末遗民画家“四僧”（弘仁、髡残、八大山人、石涛）则以强烈的个人情感和颠覆性的笔墨语言，开创了新的境界。本章重点分析了石涛的“我自用我法”和八大山人的寓意表达，揭示了他们在乱世中对艺术自由的追求，以及这些探索对未来中国画发展的影响。 第十章：地域流派与民间艺术的活力 清代中期以后，以金陵画派、扬州画派为代表的地方性流派持续活跃。扬州画派中，以“两李”（李鱫、李方膺）和“两汪”（汪士慎、黄慎）为代表的写意花鸟画家，以率真、洒脱的笔触，展现了与官方主流不同的生命力。本书也简要考察了清代民间木刻版画的成熟及其对绘画艺术的渗透。 结语：历史的回响 本书的结论部分将总结宋元明清近千年绘画艺术的主要脉络、核心转变，并指出其在笔墨语言、审美取向及社会功能上的演变规律，为读者提供一个宏观的历史框架，理解中国古代绘画艺术的深厚底蕴与不朽魅力。

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每次翻阅这厚重的图目，我总有一种莫名的敬畏感，它像是一部没有评论的、纯粹的档案集合。我曾经尝试把它当作一本普通的“看图”书来翻阅，结果收获甚微，很快就合上了。但当我转变心态，把它视为一种工具，一种需要耐心解码的“密码本”时，它的魅力才真正显现出来。它不会告诉你“这幅画为什么伟大”，它只会告诉你“这幅画存在过，它在哪里，它长什么样，它被谁题跋过”。这种极致的客观性，恰恰是研究者最需要的纯粹信息。它需要读者自己去构建美学评价和历史意义，这本身就是一种高级的学术参与。对于那些立志于在书画史领域深耕的人来说，这套书的价值，已经超越了印刷品本身的范畴，它更像是一代人对文化遗产进行系统性“抢救”和“登记”的伟大集体记忆的物化体现。它的存在，就是对“失载”与“遗忘”的无声抗议。

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从编辑学的角度来看待这套书，它反映了那个年代（或者说，在特定历史时期）文物普查和文献整理工作所能达到的顶尖水准。它横跨了不同的省份、不同的机构，甚至涉及了大量难以接触的私人藏家，这背后的协调和沟通工作量是难以想象的。这套书的价值，很多时候并不在于那些已经声名在外的“国宝级”作品的罗列，那部分信息在其他画册中也能找到。它的真正价值在于那些“角落”——那些被传统艺术史叙事所忽略的、地方性极强、或者流传线索极其曲折的作品。我记得有一次我在研究明代地方士大夫阶层的审美趣味时，发现这本书中收录了几件极具地方特色的扇面作品，这些作品的题材和笔墨习惯，完美地填补了主流艺术史对该群体描写不足的空白。这套书提供的是一个更广阔、更泥土芬芳的古代艺术生态图景，而不是一个仅仅聚焦于宫廷或文人“精英”的作品选集。

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这套《中国古代书画图目》系列，我断断续续也收了几本，每一本都像打开了一个尘封已久的老仓库，里面堆满了历史的宝藏。单就这本我手里这册来看，它的编纂之严谨，简直让人肃然起敬。首页翻开，首先映入眼帘的不是那些我们耳熟能详的大家名作，而是大量地方志、地方博物馆、乃至私人收藏中那些“遗珠”一般的作品信息。装帧厚重，纸张的质感也带着一种典雅的复古气息，拿在手里沉甸甸的，仿佛握住了岁月的重量。我尤其欣赏它在著录细节上的考究，不仅有尺寸、材质、印章的清晰描述，甚至连装裱的形制、题跋的拓本都尽量予以呈现。这对于一个严肃的研究者来说，是无价的资料库。它不仅仅是一本“目录”，更像是一张张精细绘制的考古地图，指引着我们去追溯那些散落在民间的、尚未被大众充分认识的古代艺术精华。我上次为了考证一幅宋代山水画的流传脉络，就是通过翻阅这套书里对几件相关题跋的交叉比对，才最终找到了新的线索。这种踏实的学术态度，是现在很多速成出版物所欠缺的。

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这套书的实用价值，很大程度上体现在其对于“断代”和“定伪”的间接帮助上。我过去手里有一件祖上传下来的类似元代文人画的纸本，总觉得风格上有出入，但又说不出具体是哪里不对劲。后来偶然翻到这本图目中关于某件类似风格作品的著录，发现那件作品的“装裱时间点”明显早于我这件藏品的某些特征。虽然没有直接对比，但这种时间上的参照系建立起来后，我对自己那件藏品的新判断就有了更坚实的依托。它强迫你进行的是一种“横向比较”的学术训练，而不是简单的“纵向欣赏”。此外，装帧虽然实用，但在便携性上绝对是个硬伤，每次查阅都得把它平放在巨大的书桌上，需要经常借助放大镜和台灯，才能将那些极小的、但至关重要的鉴藏印细节看清楚。这某种程度上也是一种仪式感吧，让你对古代艺术品的致敬，变得更加郑重。

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说实话，初次接触这套书时，我其实有点被它的“全景式”所震撼到，也有一丝无从下手的迷茫。它不像那些针对特定主题的画册那样，有着清晰的叙事线索和美学导向。这本书更像是一位沉默寡言的、极度博学的长者，他只是安静地、不带任何感情色彩地陈列着他所能搜集到的所有“证据”。每一页的版面布局都极为密集，小字体的图录信息密密麻麻地排布着，初看之下，确实有些枯燥，尤其对于只是想欣赏几幅绝美的宋元名迹的普通爱好者来说，可能不太友好。但一旦你沉下心来，开始用“狩猎”的眼光去审视它时，乐趣就来了。它会逼迫你跳出对“名家光环”的依赖，去关注那些可能因为时代变迁、归属不清而蒙尘的小幅作品，去思考它们在当时的社会环境和审美体系中扮演的角色。我试着去寻找一些被认为是“模糊不清”的唐代人物画的记录，结果发现这本书提供了几个极为重要的侧面佐证，远比网络上那些碎片化的信息要可靠得多。

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浙江的明清书画收藏还是可以的，但文博单位太多，资源分散，集中一些，更有利于研究和展览。

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浙江的明清书画收藏还是可以的，但文博单位太多，资源分散，集中一些，更有利于研究和展览。

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