五色牡丹写意画法 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:天津人民美术出版社

作者:龚德龙

出品人:

页数:50 页

译者:

出版时间:2003年1月1日

价格:28.00

装帧:平装

isbn号码:9787530519127

丛书系列:

图书标签:

• 牡丹
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• 技法指导

《江山如画：宋代山水画的意境与技法探微》 卷首语 世间艺术，莫不以摹写自然为本，然摹写之精，贵在传神。《江山如画：宋代山水画的意境与技法探微》一书，并非聚焦于花卉的妍丽或笔墨的洒脱，而是将目光投向了更宏大、更深邃的领域——北宋与南宋文人画家们如何通过山水画的语言，构建了一个既写实又充满哲思的宇宙。本书旨在揭示宋代山水画作为中国艺术史巅峰的地位，剖析其背后的美学思想、笔墨语言的演变，以及历代大家对“胸中山水”的独特诠释。 第一章：时代的脉络与山水的觉醒 宋代，一个文治昌盛、哲学思想空前繁荣的时代。士大夫阶层对“理”与“道”的追求，深刻地影响了他们的审美取向。山水画，不再仅仅是宫廷宴饮或士人清玩的点缀，而是成为了表达个人胸襟、寄托家国情怀和探寻宇宙本源的主要载体。 本章将首先梳理自唐代五代以来山水画的流派分化。重点分析荆浩、关仝所奠定的北方山水雄伟磅礴的格局，如何为北宋的“巨碑式”山水铺平了道路。我们探讨了“可游、可居、可观”的审美诉求，如何将观众从纯粹的视觉欣赏，引向精神的沉浸。通过对宏观历史背景的考察，为理解宋代山水画的技法革新奠定了基础。 第二章：北宋“范式”的构建：李成、范宽与郭熙的笔墨世界 北宋山水画的成就，体现在其对自然物象的精微观察与高度概括的完美统一上。 李成：平远之境与萧疏之美。 李成以其标志性的“雨后”笔法，开创了烟润、清疏的画风。本书将详尽解析其“蟹爪枝”的描绘方式，以及他如何运用淡墨、干笔，在画面中营造出辽阔而富有诗意的空间感。 范宽：全景式的“生硬”与雄强。 范宽被誉为“独步画坛者”。他笔下的群山，以侧锋、皴法（如“雨点皴”）表现出山体的厚重与坚实。本章重点分析范宽如何通过对山体结构和体积感的极致掌控，展现出西北雄山大川的磅礴气势，以及他如何将这种“硬度”转化为一种庄严的哲学表达。 郭熙：论“气象万千”的动态平衡。 郭熙，不仅是杰出的画家，更是重要的山水画理论家（《林泉高致》的贡献者）。我们深入探讨他提出的“高、平、深、远”四种“可观之景”，并分析其如何在画面中巧妙运用“卷、舒、藏、露”的手法，使得静止的画面充满了动态的生命力。他的“卷云皴”和对湿润空气的描绘，是理解宋代空间处理的关键。 第三章：南宋的转向：院体画的精致与文人画的内敛 靖康之变后，政治中心的南移带来了山水画审美趣味的显著变化。从北宋的“气势压倒一切”，转向了对个体情感的细腻捕捉和对笔墨自身的玩味。 马远、夏圭：边角之法与“一角两边”的禅意。 南宋院体画家以其精炼的构图震惊后世。本书将详述马远“一角之景”和夏圭“半边之景”的艺术处理。这种构图上的“省略”，并非技艺的匮乏，而是对“留白”哲学的极致运用，以有限的画面暗示无限的意境，体现出禅宗的空寂之美。我们将重点剖析其对“水分”的控制，如何通过墨色的浓淡干湿变化，表现出江南烟雨迷蒙的氛围。 李唐与刘松年的承启作用。 本章亦会论述李唐如何从中原画风过渡到南宋院体的坚实笔法，以及刘松年对水墨语言的提纯。他们是连接宏大北宋叙事与内省南宋抒情的桥梁。 第四章：笔墨的语言学：皴法、点苔与空间营造 宋代山水画的伟大，很大程度上归功于其成熟的笔墨“词汇表”。本书将以图例解析为主，系统梳理宋代主要皴法的特征及其在不同画家手中的运用。 皴法的分类与功能： 从披麻皴、斧劈皴到雨点皴、荷叶皴，每一种皴法都被赋予了特定的物质性（如岩石的质地、树木的肌理）。我们将对比李唐的“大斧劈”与范宽的“短促皴”，探讨其在表现山体结构上的差异。 点苔的艺术： 点苔是赋予山石生命力的关键步骤。本书专门辟出一节，探讨宋人如何通过不同形态的点苔（如“介字点”、“王字点”），来表现山石的向背、湿润程度以及植物的生命力，使画面“枯树生花”。 墨法的层次感： 宋人对墨色的层次感运用达到了登峰造极的地步。从破墨法的酣畅淋漓，到焦、浓、重、淡、清的渐变运用，揭示了宋代画家如何仅凭墨法，便能创造出丰富的色彩感和空间深度。 第五章：理论与实践的交融：宋代山水画的哲学根基 宋代山水画的意境，是儒释道三家思想的结晶。 理学与“格物致知”： 理学强调万事万物皆有其“理”，这促使画家对自然进行最细致的观察和逻辑梳理，从而产生了北宋山水画的结构严谨性。 禅宗的“顿悟”与留白： 禅宗思想强调“不着一笔，已在其中”的境界。南宋马夏的构图，正是对这种“空”与“有”辩证关系的视觉化表达。 文人情怀的注入： 尽管院体画追求规范，但文人画的思潮已在暗流涌动。本书探讨了宋代画家如何通过在画面中设置亭台楼阁、渔樵舟子等元素，将个人对隐逸生活或政治抱负的向往，巧妙地植入到宏大的自然景观之中。 结语： 《江山如画》试图引领读者穿越千年时空，重新审视那片由笔墨构筑的宋代山水。它不仅是一部技法分析的教科书，更是一部关于中国古典美学如何通过描绘自然，实现对人性与宇宙终极关怀的深度探索之作。读罢此书，观山之感，必将远超寻常。

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这本书的文字功底堪称一绝，读起来一点都不觉得累赘或生硬，反而有一种行云流水的流畅感。作者的文风非常典雅，用词精准，无论是描述颜色的微妙变化，还是讲解用笔的力度控制，都充满了诗意。比如，形容朱砂与藤黄调和出的那种娇艳欲滴的质感时，作者用到了“胭脂微醺，金光乍现”这样的描述，一下子就把那种富丽堂皇却不失清新的感觉描绘出来了。更难得的是，书中对工具材料的讲解也极其到位，这不是简单的罗列，而是结合了实践经验的总结。它详细说明了不同产地、不同规格的宣纸对水墨渗透效果的影响，以及对湖笔、兼毫笔特性差异的把握，对于想要构建自己专属工具体系的深度爱好者来说，这部分内容价值连城。这本书真正做到了“教人钓鱼”，而不是简单地递上一条鱼，它培养的是一种对材料的敬畏和理解。

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这本书的装帧设计实在是太用心了，封面那种淡淡的墨香和雅致的配色，一下子就把人带入了那种宁静致远的国画意境之中。我原以为这会是一本很枯燥的技法书，结果翻开目录，才发现它更像是一本结合了美学鉴赏与实践指导的宝典。作者在开篇部分对于“写意”精神的阐述，简直是醍醐灌顶，让我这个长期在传统工笔画的框架下打磨的人，对花卉创作有了全新的理解。书中对笔墨的运用、墨色的层次变化，讲解得极其细致入微，不是简单地告诉你“要用浓墨”，而是深入剖析了在不同湿度和力度下，墨在宣纸上“洇”与“渗”的微妙关系。尤其是它对不同季节花卉神韵捕捉的章节，引用了大量古代名家的范例，并配以详细的步骤图解，即便是初学者也能很快抓住核心要领。这种将理论深度与操作实用性完美结合的处理方式，让这本书不仅仅是一本工具书，更像是一份精神导师的指引，让人在拿起画笔时，心中多了一份敬畏与清晰的思路。读完第一遍，就忍不住想立刻动手尝试，感觉自己对“气韵生动”这个词汇的理解，一下子提升了好几个档次。

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我对比了好几本市面上常见的写意花卉画册，这本书的独特性在于它对“写意”中“写”字的深度挖掘。它仿佛是带着读者走进画家的内心世界，去感受创作那一刻的情绪波动。书中穿插了不少作者个人的创作札记和心路历程，这些片段虽然简短，但却极大地拉近了读者与作者的距离，让人感觉不是在被动接受知识灌输，而是在与一位高人进行一场私密的、关于艺术的对谈。特别是关于构图的章节，作者没有提供死板的“黄金分割”公式，而是从“平衡与对立”的辩证关系入手，引导读者去思考如何通过枝干的疏密安排，来体现生命的张力。这种启发式的教学方法，极大地激发了我的主动思考能力，我发现自己开始在构图时，不再依赖于眼睛的直观判断，而是更多地去体会画面中“无形”的力量。对于追求个人风格的画者而言，这本书提供的思想基础远比单纯的技巧模仿要宝贵得多。

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这本书的排版设计简直是典范，细节之处见真章。我尤其注意到，凡是涉及到复杂笔触的局部放大图，都是采用了高精度印刷，即便是那些极其细微的皴擦痕迹，也能看得一清二楚，这对于学习笔法来说至关重要。通常来说，很多画册在局部放大后，色彩和细节就会失真，但这本完全没有这个问题。此外，作者非常贴心地在关键步骤后设置了“自我检验点”，用简短的几句话提醒读者当前阶段需要注意的重点，起到了很好的串联和巩固作用。整本书的阅读体验非常流畅，装订质量也相当好，拿在手里有分量感，可以长时间翻阅而不用担心松散。总而言之，这本书不仅仅是一本技法指南，它更像是一份精美的艺术品，值得每一个热爱中国传统绘画的同道中人珍藏。它用专业、优雅且充满人文关怀的方式，打开了一扇通往更深层次艺术理解的大门。

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我不得不说，这本书的结构安排简直是艺术大师的思维导向。它并没有按照传统的“牡丹一、牡丹二”这样机械地分类，而是采用了“意境为先”的布局。我特别欣赏其中关于“神韵捕捉”那一章的写法，它没有陷入对形态的过度描摹，而是聚焦于如何通过线条的提按顿挫来表达牡丹在不同心境下的生命力。比如，有一小节专门讨论了“风中之姿”的画法，作者通过解析几组看似随意的粗细变化，成功地营造出了风吹拂时花瓣的颤动感和力度感，这在其他同类书籍中是极为罕见的细腻观察。而且，书中对“留白”的处理观点非常独到，它强调留白不是空缺，而是呼吸的空间，是画家与观者共同完成作品的场所。我按照书中指导的几个练习尝试了一下，发现自己过去总是在画面上“填满”的习惯得到了很好的纠正。这种将哲学思考融入绘画技巧的叙事方式，使得阅读过程充满了一种探寻的乐趣，每一次重读都会有新的感悟，绝非那种读完即弃的快餐式教程。

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